Jean-Philippe Rameau nait en 1683 à Dijon et meurt à Paris en 1764. Compositeur et théoricien de la musique française.

1701, l’artiste fait un séjour en Italie

1702, il devient organiste à la cathédrale de Clermont-Ferrand

1704, il est organiste au collège de Clermont à Paris. Publication du premier livre de pièces de clavecin.

1709, Il est organiste à Notre-Dame de Dijon

1715, l’artiste est de nouveau organiste à la cathédrale de Clermont-Ferrand

1722, il s’installe définitivement à Paris. Publication du Traité de l ‘harmonie  réduite à ses principes naturels.

1724, publication des pièces de clavecin avec une méthode pour la mécanique des doigts.

1726, il épouse Marie-Louise Mangot en février, elle est musicienne et chanteuse, elle a participé à certaines œuvres de son mari.

1728, il publie son troisième et dernier livre de clavecin. Il compose sa dernière cantate "Le berger fidèle".

1729 à 1739, l’artiste, au côté de Piron et Fuzelier, fait partie des convives de la société du caveau (il s’agit d’une association festive et chantante).

Grâce à Piron Jean-Philippe Rameau entre en relation avec Alexandre Le Riche de La Pouplinière, l’un des hommes le plus riche de France, amateur d’art qui entretient autour de lui un cénacle d’artistes dont Rameau fera partie, rencontre détermine la vie de l’artiste ce qui lui permet de rencontrer  en contact avec ses futurs librettistes tel que Voltaire.

1731 Rameau dirige l’orchestre privé, de grande qualité, financé par de la Pouplinière.

1732, second enfant chez les Rameau.

1733, Rameau à 50 ans, il est devenu un théoricien rendu célèbre, par ses traités sur l’harmonie, musicien de talent il est apprécié à l’orgue, au clavecin, au violon et à la direction d’orchestre, en tant que compositeur, il se limite à quelques motets et cantates et trois recueils de pièces de clavecin. Le succès arrive avec Hippolyte et Aricie, montée au printemps 1733.

De 1733 à 1739 le temps de sa carrière lyrique.

1741, publication de Pièces de clavecin en concert avec un violon, une flute et une viole ou un second violon

Durant les dernières années de sa vie, Jean-Philippe Rameau  fera plusieurs versions de ses œuvres lyriques

1752, l’artiste publie de Nouvelles réflexions  sur sa démonstration du principe de l’harmonie.

1754, publication  "D’observations  sur notre instinct pour la musique".

1755, publication des "Erreurs sur l’harmonie dans l’Encyclopédie".

1760, publication du "Code de la musique pratique aux méthodes pour apprendre la musique"

1764, il décède à Paris.

L’œuvre lyrique de Rameau marque la plus grande partie de sa contribution musicale et marque l’apogée du classicisme français.Il fut l’une des plus grandes personnalités musicales et intellectuelles du siècle des Lumières en France.

L’exposition est organisée pour les 250 ans de sa mort, elle présente les œuvres

scéniques de l’artiste, entre hier et aujourd’hui. De nombreux manuscrits, autographes, partitions, livrets, dessins de costumes,  maquettes de décors, tableaux, costumes. L’exposition montre également  à quel point  ces différentes reprises  reflètent des choix esthétiques, des convictions riches et variées.  

Le livret et la musique :

Le caractère du poème lyrique est réglé dans le style d’écriture des livrets, des plus uniformes, chargé des figures mises à l’honneur par la littérature précieuse. Il existe une première nomenclature qui s’applique au genre lui-même, lequel, du plus noble au plus commun selon une hiérarchie qui est le reflet de la société, qui va de la tragédie à l’opéra bouffon en passant par le ballet et la pastorale (ceux-ci pouvant être élevé au rang d’héroïques). Les éléments qui partent dans la définition de chaque genre sont d’ordre divers : la forme, le ton, les personnages. A la tragédie correspond la proportion de l’action développée sur cinq actes précédés d’un prologue.

La musique compte parmi les accessoires qui contribuent à amplifier l’effet du texte et de l’action. Elle ne doit pas faire trop écran en se donnant à entendre pour elle-même

 Exposé :

Exposé : De Jean-Philippe Rameau :

Partition de" Zéphyre" acte de ballet, manuscrit autographe entre 1745-1755

Partition de la "Naissance d’Osiris" ballet allégorique, manuscrit autographe de 1754

Partition des "Paladins comédie-ballet" 1760

Partition de  Daphnis et Eglé" pastorale héroïque de 1753

Partition du "Retour d’Astrée" prologue des "Surprises de l’Amour"1748

Le livret des fragments présenté devant le roi à Fontainebleau, "la naissance d’Osiris", l’acte des Incas du Pérou en 1754

La fabrique du spectacle : 

Jean-Philippe Rameau compose vingt œuvres scéniques destinées à la cour comme à l’opéra. Il collabore avec 15 librettistes, il aborde et renouvelle tous les genres en faveur au XVIII eme siècle. Tragédie, ballet, pastorale, bouffon.

Rameau et la scène :

Exposé :

Un portrait de Rameau par Van Loo

Son traité  de l’harmonie daté de 1722

Un divertissement pour les courses de Tempe pastorale d’Alexis Piron en 1734

Buste de l’artiste par Caffieri 1760

Décors, costumes et mise en scène.

La continuité d’une esthétique à l’opéra du XVIII eme siècle au XXI eme siècle

Décors :

De la  création d’Hippolyte et Aricie (1733) aux représentations de Castor et Pollux (1785), Les décors  de l’opéra montrent une large permanence, qui s’impose aux œuvres de Rameau comme à celles de d’autres compositeurs.  Leur esthétique est encore très souvent tributaire de celle que leur ont conférée Torelli, Berain, Vigarani au siècle précédent, elle est fondée sur l’adoption d’une perspective centrale, donnée grâce à une disposition symétrique de châssis latéraux ; leurs tailles décroissantes et une toile de fond peinte en trompe l’œil qui accentuent encore cet effet. Leur répertoire iconographique est tout aussi formalisé que leur structure et répond à une typologie assez stricte : jardins, places publiques, enfers, palais (héroïques, bibliques, célestes). Fin XVII eme et début XVIII eme siècle , les sujets historiques et exotiques apportent une certaine variété et permettent aux artistes d’imaginer  des constructions d’inspiration médiévales ou orientales, des vues des ports, sérails etc…..Les décors sont dessinés par les premiers peintres, mais l’exécution  de ces créations revient à une équipe d’ artistes.

C’est Jean-Nicolas Servandoni qui est chargé des décors de l’opéra  au moment où Rameau créé son premier ouvrage lyrique. François Boucher lui succède  de 1737 à 1748 et de 1761 à 1766, il dessine en particuliers les décors et costumes de la reprise des Indes galantes de mai 1743, en 1763 il conçoit  les décors pour la reprise de Castor et Pollux en janvier 1764 et pour celle de Nais. Entre les deux périodes  d’activité de Boucher il est remplacé par Algieri de 1749 à 1750 et 1755 à 1761, qui conçoit les décors de Platée, Naïs, et Zoroastre Charles André Tremblin  de 1750 à 1755, conçoit les décors de La Guirlande, et Acanthe et Céphise en 1751, Algiéri est surtout et aussi l’auteur de documents conservés sur la scénographie  des œuvres de Rameau encore aujourd’hui dans les opéras, six maquettes sur vingt pour les surprises de l’amour, Dardanus, les Paladins et Zaïs

Exposé :

Quelques dessins de décor :

Des dessins et maquettes de décors pour différentes comédies-ballets :

" L’enlèvement d’Adonis " première entrée des " surprises de l’Amour", opéra-ballet daté de 1757 d’Algieri, gouache rehaut d’or, paillettes d’or et d’argent

" L’appartement d’Anacréon orné pour une fête" dans les surprises de l’amour, daté de 1757 gouache rehaut d’or et d’argent d’Algieri

La partition des "fêtes de Polymnie", ballet héroïque en 1745

 Décor : Un palais dans le gout chinois ouvert sur les côtés  ouvrant sur un jardin pour les Paladins

Les costumes :

Sous l’ancien Régime, les costumes ont des caractéristiques générales semblables à celles des décors, on retrouve les costumes de paysan, berger, zéphyr, fleuve, faune, matelot, guerrier, magicien, sylphe, berger galant, amour, démon, esprit aérien. Comme pour les décors les costumes sont réemployés. Les costumes de scène sont un miroir des vêtements que porte l’aristocratie  à la cour et les matières précieuses qui les constituent sont souvent récupérées d’une production à l’autre (cause d’économie).

Exposés :

Dessin de Louis–René Bocquet d’un costume d’un « plaisir céleste  dans "Castor et Pollux" à l’encre et l’aquarelle

Dessin du costume de Pierre Jélyotte dans le rôle-titre de" Pygmalion" au crayon rehaussé de lavis d’aquarelle

Dessin de Louis-René Bocquet pour M Lyonnais tenant le rôle d’un paladin  dans les "Paladins " Comédie-ballet à la mine de plomb, encre metallogallique et aquarelle.

Une partition de Jean-Philippe Rameau "Pygmalion" acte de ballet de Ballot de Sovat datée de 1748

Les interprètes de Rameau à l’opéra :

Les grands chanteurs Pierre de Jélyotte ; Marie Fel, Sophie Arnould, les danseuses Marie Sallé, Marie-Madeleine Guimard, Marie-Anne Cupis de Camargo.

Pierre de Jélyotte (1713-1797),il fait ses débuts au  concert spirituel de Paris en 1733, il est engagé par Jean-Philippe Rameau la même année à l’Académie Royale de Musique chanteur et compositeur, il devient rapidement le plus grand interprète de son temps, l’homme a un charisme exceptionnel et une virtuosité vocale hors du commun, sa voix  était très rare , soit par le volume et la plénitude des sons.

Marie Fel (1713-1794), chanteuse d’opéra, elle est la fille de l’organiste Henri Fel, elle entre à l’opéra de Paris en 1733, elle chante avec Pierre de Jélyotte les opéras de Rameau

Sophie Arnould ‘1740-1802, cantatrice et actrice. Elle se distingue par son jeu et l’agrément de sa voix.

Marie Sallé (1707-1756) danseuse,  fille des danseurs Etienne Sallé et Marie-Alberte Moylin, elle fait partie de l’Académie Royale de Musique en 1721 dès 1725 elle part à Londres, elle entre à l’opéra de Paris en 1727, elle danse dans les Indes Galantes en 1735, dans les fêtes d »Hébé en 1739 en ce qui concerne les œuvres de Rameau.

Marie-Madeleine Guimard (1743-1816), elle est la plus célèbre danseuse de la seconde partie du XVIII eme siècle. Son mari Despreau est professeur de danse, elle est la muse du peintre Fragonard. Elle commence la danse en 1758 à a Comédie Française qui possédait un corps de ballet, elle est admise en 1761 à l’Académie Royale de Musique.

Marie-Anne Cupis de Camargo (1710-1770) danseuse et fille du compositeur belge Jean-Baptiste Cupis de Camargo. Elle débute à l’opéra de Paris en 1726. Elle danse dans les Indes galantes et dans les fêtes de Polymnie de Rameau

Exposé :

Portrait supposé de Pierre de Jélyotte en Apollon surement dans le temple de la gloire vers 1750 de Van Loo

Autre portrait de l’artiste Pierre de Jélyotte à la guitare en 1755 par Alexandre Roslin

Un portrait de Marie Fel pastel de Maurice-Quentin de la Tour en 1882

Une partition de Pygmalion datée de 1748 Jean-Philippe Rameau

Un buste de Marie-Madeleine Guimard par Gaétan Merchi 1770

Un portrait de Marie Sallé par Van Loo daté de 1737

Quelques dessins de costumes pour Zoraostre

Le théâtre de Rameau à travers le temps :

L’artiste s’installe à Paris en 1722, il publie son traité.

Exposé :

Une sculpture représentant Jean-Philippe Rameau assis et écrivant.

Les dates de ses œuvres les plus importantes :

1733 créations d’Hippolyte et Aricie, librettiste Pellegrin tragédie lyrique à Académie Royale de Musique

1735 les Indes galantes, opéra-ballet, librettiste Fuzelier, Académie Royale de Musique

1736 les sauvages

1737 Castor et Pollux, tragédie lyrique, librettiste Gentil-Bernard, Académie Royale de Musique

1739 les fêtes d’Hébé, opéra-ballet, Académie Royale de Musique et les talents lyriques

1744 Dardanus, Tragédie lyrique, librettiste Le Clerc de la Bruère, Académie Royale de Musique

1745, création  du Prince de Navarre, comédie-ballet, librettiste Voltaire Versailles,

1745, Platée, comédie lyrique librettiste Autreau / Le Valois d’Orville, Versailles 1745, les fêtes de Polymnie, opéra-ballet, librettiste Cahusac, à l’Académie royale de musique,

1745, Le temple de la gloire, opéra-ballet, librettiste Voltaire à Versailles

1747, Les fêtes de l’Hymen et de l’amour, opéra ballet, librettiste Cahusac Versailles

1748, Zaïs, pastorale héroïque, librettiste Cahusac, Académie Royale de Musique

1748, Les surprises de l’amour, opéra-ballet, librettiste Gentil-Bernard, Versailles

1749, Nais, pastorale héroïque, librettiste Cahusac, Académie Royale de Musique

1749, Zoroastre tragédie lyrique, librettiste Cahusac, Académie Royale de Musique,

1751, Acanthe et Céphise,  pastorale héroïque, librettiste Marmontel,  Versailles

1754, La naissance d’Osiris, comédie-ballet, librettiste Cahusac,  Fontainebleau

1757, les paladins, comédie-lyrique, librettiste Monticourt, Académie Royale de Musique

La dernière partie de l’exposition est réservée à quelques œuvres :

Hyppolite et Aricie première représentation le 1^er octobre 1733, l’auteur du livret est l’abbé Pellegrin, il s’agit d’une tragédie lyrique, son livret reprend les grandes lignes de l’action rendue célèbre par Racine, l’auteur prend la précaution de se démarquer de son magistral devancier. Le déroulement de l’œuvre se passe dans la Grèce mythologique, sur la côte du Péloponnèse, s’affrontent l’amour incestueux de Phèdre pour l’amour de son beau-fils Hyppolyte  et celui qui unit le jeune homme, fils de Thésée, à Aricie, la sœur des Pallantides que Thésée vient de massacrer pour ravir la ville d’Athènes. Un amour contrarié car la princesse  a été vouée à Diane sur l’ordre de son vainqueur et qu’elle est poursuivie par la jalousie de Phèdre.

Exposé :

Des dessins de costumes, décors et costume de Phèdre, partitions

Quelques photos de la représentation par Auguste Bert en 1908.

Les Indes galantes créées à l’opéra le 23 aout 1735, dans une version à trois entrées dont le prologue met en scène la déesse de la jeunesse, Hébé, qui invite les nations aux plaisirs ,Mélodrame, tragédie, idylle bucolique, comment l’Amour a triomphée  dans toutes les parties du monde exotique, et celles de la guerre, Bellone, qui les pousse à rechercher la gloire militaire. Hébé appelle l’Amour à son secours pour qu’il conduise les plaisirs dans les climats lointains, quand  l’Europe l’abandonne, le turc généreux, les incas du Pérou et les fleurs montrent ensuite trois registres. Ainsi, dans le turc généreux, le pacha Osman renonce à son  amour pour son esclave chrétienne, Emilie, afin de la laisser convoler avec son amant, Valère. Dans les incas du Pérou,  l’officier espagnol, Don Carlos,  réussit à arracher la princesse péruvienne, Phani, à l’emprise du grand prêtre du soleil, Huascar, qui périt dans l’éruption du volcan qu’il a lui-même provoquée. Dans les fleurs, le prince persan Tacmas s’unit à l’esclave d’Ali, Zaïre, tandis qu’Ali épouse l’esclave  de Tacmas, Fatima, Cette entrée est prétexte à un grand ballet,  la fête des fleurs. Il  faut citer Pierre de Jélyotte  dans les rôles de Valère et de Don Carlos, Marie Pelissier dans le rôle d’Emilie, et Marie Sallé dans le rôle de la rose.

Exposé :

Partition, dessins, décors et costumes,

Un tableau de Roger Chapelain Mudy "scène de l’entrée des sauvages ".

Maquette du décor

Présentation de costumes

Le costume de Huascar par Carzou

Un costume de danseuse pour la reprise en 1952

Castor et Pollux considéré comme les plus beaux chefs-d’œuvre de Rameau. L’artiste a remanié l’œuvre en 1754 donc il y a deux versions. Première version en 1737, l’œuvre est dans une esthétique voltairienne. Voltaire s’intéressait plus à la musique qu’à l’action d’un opéra, et privilégiait les tableaux pour exprimer l’émotion, ce que l’on découvre dans le 1^er acte.  L’action s’ouvre sur la tombe de Castor où un chœur de Spartiates chante « Que tout gémisse » et continue sur un récitatif entre Télaire et  Phébé qui lamente la perte de son amant.

Exposé : dessins et costumes

Dardanus, il existe plusieurs versions. L’histoire se passe dans le palais d’amour à Cythère. Les Grâces et l’amour chantent et dansent. La jalousie tente de perturber la fête. Mais en enchainant la Jalousie, les troubles et les soupçons, Vénus leur demande  de devenir ardeur délicate et tendre en chantant l’ariette « quand l’aquilon fougueux »  les différentes nations célèbrent  les plaisirs au son notamment d’un célèbre tambourin.

Exposé partitions et costumes pour Vénus et Iphise

Platée, Au royaume de Bacchus, Thesis  inventeur de la comédie est réveillé par les Satyres. Ménades et autres vendangeurs. Il se résigne à fournir un nouveau divertissement mais sans ménager personne. Momus et l’Amour prêtent leur concours au sujet : les amours comiques de Jupiter.

Exposé : costume pour Platée et un décor peint  par Montrésor

Un portrait de Jélyotte acteur de Coypel

Les Boréades, on peut considérer cette œuvre comme la dernière œuvre musicale majeure relevant de l’esthétique baroque. Il n’y a pas de prologue et l’ouverture dans la forme de trois mouvements italiens est reliée  directement à l’action principale.

Exposé une partition datée de 1763

Le décor du temple de Diane (décor acte 1)

Photos

Les  costumes d’hier et d’aujourd’hui termine l’exposition

Quelques-uns des costumes exposés :

L’esprit du mal pour Zoroastre

Une furie pour Hippolyte et Aricie

Une danseuse fleur pour Zoroastre

Un ottoman, un européen, un mongol pour les Indes Galantes

Le costume d’Huascar pour le chef péruvien des Indes Galantes

Quelques extraits du livre de l’exposition

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C’est un parcours à travers les siècles, on  découvre la fabrique d’un spectacle au XVIII eme siècle, partitions, autographes ou éditées mais corrigées par l’auteur, de nombreuses illustrations de décors, aquarelles de costumes de l’époque permettent de cerner la diversité du maitre.   

Très belle exposition à ne pas manquer. Jusqu’au 8 mars à L’opéra Garnier Paris

L’Ombrie, région du centre de l’Italie, ayant pour capitale Pérouse.  A la fin du XIV eme siècle, la naissance de la Signoria (la signoria représente l’évolution institutionnelle de beaucoup de communes italiennes autour de la moitié du XV eme siècle) correspond à la chute du système du gouvernement de la commune médiévale et à la montée de l’état dynastique. On assiste à la naissance de la Signoria locale à Pérouse, celle des Baglioni (famille noble pérugine d’origine féodale datant de la fin du XII eme siècle)

Néanmoins l’état pontifical de la moitié du XIV eme siècle réussit à rétablir son contrôle sur la région grâce à l’intervention politico-militaire du cardinal Gil Alvarez Carrillo de Albornoz (espagnol, condottière et homme d’état), chargé de mettre de l’ordre dans les états pontificaux, en vue du retour du Pape d’Avignon à Rome (retour en 1417)

Fin XIV et début XV, la papauté mène une politique d’expansion en Ombrie qui culmine avec des actions militaires du Pape Alexandre VI et de son fils  César Borgia.

En 1441, la partie septentrionale du territoire subit le détachement de Sansepolcro, cédée à Florence par le Pape Eugène IV.

La plupart des villes d’Ombrie réussirent à garder leur liberté jusqu’au début du XVI eme siècle tout en confirmant leur soumission formelle au Saint-Siège.

La Renaissance italienne couvre plus d’un siècle, de la fin du XIV eme siècle dit trecento, jusqu’au XVI eme siècle.

La Renaissance Ombrienne fait son apparition dans la première moitié du XV eme siècle avec les séjours de quelques artistes florentins de renoms qui réalisèrent et laissèrent leurs œuvres dans la région. La Renaissance artistique naît d’abord à Pérouse avec une grande école artistique capable de développer un style caractéristique et indépendant. Avec les artistes le Pérugin, Pinturicchio, Raphaël,  le style ombrien se développe dans les centres artistiques les plus actifs de toute la péninsule. A Florence, à Rome les artistes ombriens ont du succès et contribuent de manière significative à la "maniera moderna" du cinquecento (XVI eme siècle italien).

La ville de Pérouse grand centre dynamique de la vie artistique. De fortes sommes d’argent sont consacrées à la réalisation d’importantes commandes, c’est à cette époque que le Pérugin débute sa carrière.

Les quatre grands contemporains de l'artiste en Ombrie :

Bartoloméo Caporali (vers 1420-1505), chef de file de l’école ombrienne, durant sa vie  active il reste à Pérouse et y introduit le procédé de la peinture à l’huile. Deux de ses œuvres sont à l’exposition.

Pinturicchio (vers 1454-1513), cadet de Pérugin naît à Pérouse, les deux artistes ont pratiquement le même parcours, il est formé chez Verrocchio, il est aussi actif à la chapelle Sixtine et a un rapport particulier avec Raphaël, il l’invite à collaborer à son cycle "la libreria Piccolomini" dans la cathédrale de Sienne.

Benedetto Bonfigli (vers 1420-1496), il dirige l’atelier le plus florissant de Pérouse, il a laissé de nombreux témoignages de son art encore gothique.

Pierremattéo d’Amélia (vers 1445 vers 1508), a assisté Filippo Lippi dans les fresques de l’abside du duomo de Spolète, il fut probablement l’assistant du Pérugin dans les fresques de la Sixtine, puis de Pinturicchio au Duomo de Spello, l’artiste fut spécialiste de la peinture décorative (plafond du palais du Belvédère au Vatican)

Le Pérugin ou Pietro Vanucci, naît dans les années 1448 à Citta della Pieve , près de Pérouse et meurt en 1523 à Fontignano Frazione de Pérouse.

Sorti de l’école ombrienne. Il fait ses débuts chez un peintre de renommée modeste qui l’initie à la technique de  la fresque et au dessin.

L’artiste se forme en étudiant les œuvres de Piero della Francesca et de Verrocchio ; il en a été l’élève à Florence dans les années 1470-72. Il y découvre la manière flamande du paysage et le portrait naturaliste.

1472, il quitte son statut d’apprenti et obtient des commandes de la part des religieuses du couvent San Martino des Camaldules pour lesquelles il réalise un "Saint Jérôme".

Il exerce son art en Ombrie, mais aussi à Florence, Rome, Lucques, Bologne, Venise, Crémone, Milan, Ferrare.

1473, il collabore à certains panneaux de "la vie de Saint Bernardin", 8 petits tableaux peints à Pérouse

1475, il peint "l’adoration des mages ", 

1476, période ou il peint différentes Madones. Dans ses œuvres on retrouve un mélange des influences de ses maîtres.

1478, il peint  la fresque de "Saint Sébastien"  dans l’église de Cerqueto , première œuvre  signée de son nom.

1480, Le Pérugin part travailler à Rome et contribue aux fresques de la Chapelle Sixtine avec d’autres grands maîtres  (Botticelli, Ghirlandaio, Rosselli). C’est "la remise des clefs de Saint-Pierre" qui lui apporte la gloire

Dans ses œuvres il privilégie la clarté, l’équilibre et le classicisme des formes.

1485, il est nommé citoyen d’honneur de Pérouse d’où son surnom du Pérugin. Sa réputation étant établie, son activité devient débordante, et, ouvre deux ateliers un à Pérouse et le second à Florence pour assurer ses commandes. A cette période, son œuvre atteint la plus grande maturité, il peint de grandes compositions dont les œuvres sont intégrées dans de grands espaces ouverts. Ses commandes se multiplient et perdent un peu de qualité lorsqu’il n’a pas le temps d’assurer sa productivité. Malgré tout il reste le meilleur peintre de l’Italie de son époque.

1494-95, il peint une Piéta et la fresque de la  "crucifixion" de l’église Santa Maria Maddalena de Pazzi.

1496 à 1500, il peint un cycle de fresques du Collegio de Cambio à Pérouse

Entre 1500 et 1504, il réalise " le mariage de la Vierge " et "La Résurrection ". C’est à cette époque qu’il rencontre Raphaël et deviennent amis, le jeune artiste vient auprès de lui se former à sa technique picturale.

1501, ouverture du second atelier de l’artiste.

En 1502, Isabelle d’Este lui commande un tableau allégorique " Le combat de l’amour et de la chasteté" pour son studiolo de Mantoue. La même année l’artiste entreprend un cycle, le retable de "San Agostino"  (pour l’église de même nom à Pérouse), il est composé de 30 éléments. Cette œuvre va l’occuper jusqu’en 1523

1507, Il termine le cycle de l’église  de l’Annunzieta à Florence, après la disparition de Filippo Lippi

1508, il est invité à travailler au Vatican, pour les fresques de la voûte  dans la   chambre de l’incendie. Le Pape Jules  II déçu met fin à son contrat.

Quelques années plus tard, il décède de la peste en 1523.

Quelques œuvres présentées à l’exposition :

Pérouse Florence, les premières années avant 1470 vers 1746

Pérouse vers le milieu du XV eme siècle, centre artistique particulièrement actif, et  a donnée naissance à une école dont les qualités de douceur, de suavité et d’élégance allaient assurer son renom. Cela à la suite du passage de quelques artistes renommés : Fra Angelico, Domenico Veneziano, Gozzoli.

Les premiers ateliers importants voient le jour tel que ceux de Bonfigli, Giovanni de Boccati, Caporeli, Fiorenzo dit Lorenzo. Ils peignent des panneaux charmants, produit d’une Renaissance fleurie, qui reste en contact avec Sienne et son art suave. On doit à ce centre original, la suite de la vie de Saint Bernardin (1470) a laquelle ont collaboré avec Pinturicchio, Bonfigli, et Le Pérugin qui a composé les célèbres panneaux Barberini  où s’accuse le même goût de l’architecture et du décor.

Dans les années 1460-80 existe entre Sienne, Pérouse et Urbino une ligne d’échanges continue qui contourne Florence. Les liens entre Sienne et l’Ombrie sont constants et entretiennent une Renaissance de fantaisie, en marge du sérieux de Florence.

Le Pérugin part tôt vers Florence, séjour décisif pour l’artiste, ses œuvres de jeunesse le prouvent. Elève de Verrocchio , il apprend la pratique de la peinture à l’huile, et y acquiert sa maîtrise technique,  dans cet l’atelier  il rencontre de nombreux artistes dont Botticelli et Léonard de Vinci.

L’artiste est sûrement revenu à Pérouse au début 1470 avec des nouvelles techniques, ses œuvres se distinguent par la maîtrise plastique du modelé, par ses couleurs, et aussi par le rendu de l’expression et du mouvement.

1472 Le Pérugin est inscrit à Florence sur le rôle de la congrégation de Saint Luc.

Oeuvres de cette période exposées  :

"La nativité de la Vierge" 1475, pour cette œuvre, Le Pérugin a sûrement été influencé par Piero della Francesca pour les figures et le traitement de l’espace.

"Saint Antoine de Padoue et saint Sébastien " 1475-76

"Saint Romain avec saint Roch et vue de Deruta " 1476 œuvres commandée à l’artiste par la magistrature de la ville de Deruta en 1476, alors qu’une épidémie de peste, avait incité la population à invoquer ces deux saints.

Saint Romain vêtu d’une robe rouge et d’un manteau, saint Roch porte l’habit de bourdon des pèlerins (il en est le patron) et comme veut la tradition il montre la plaie qu’il a sur la cuisse, preuve qu’il a guéri de la peste. Dans une mandorle le père éternel donne sa bénédiction. Le décor est théâtral, les deux saints se trouvent sur l’avant d’une scène, délimitée par une tenture rouge, avec un léger déhanchement, ce qui permet de donner de l’aisance dans le rendu des corps des personnages (très utilisé chez le Pérugin), les visages sont expressifs,  le traitement des vêtements raffiné, la vivacité de la palette ajoute un raffinement à l’œuvre. En bas de la  composition le village de Deruta est représenté, l’artiste veut montrer l’importance de l’urbanisme à la Renaissance.

"La  Piéta entre saint Jérôme et Marie Madeleine ",  à la tempera 1476

" La visitation" artiste inconnu peut-être de l’entourage de Verrocchio ou du Pérugin

Florence capitale des arts

Après une période vide dans les années 1430-1440, Florence ayant perdue certains artistes, Rosalino  puis le décès de Masaccio, c’est Veneziano qui en 1438  fait fructifier les leçons de Masaccio. Florence se développe dans différentes directions :

Les dominicains réformés, ont pour prieur Fra Angelico (décoration de fresques du couvent San Marco), il recourt à un modèle clair, à un sentiment pur de l’espace  qu’animent des architectures mégères.

Le Carme Filippo Lippi accentue la richesse et la couleur, tant qu’à Uccello et Andréa del Castagno dessinateurs épris de perspective, portent la peinture à un degré d’abstraction surprenant, jamais il n’y a eu au tant d’atouts plastiques.

L’avènement de Laurent de Médicis en 1469 amène un tournant dans la culture florentine. Il a fréquenté et soutenu les plus grands artistes de son époque tel que : Ghirlandaio, Botticelli, De Vinci, Michel-Ange, Filippo Lippi, il  a contribué à faire de Florence la capitale de la première Renaissance. Protecteur  des hommes de lettres et  aussi très  actif dans le soutien aux humanistes, il a créé des cercles de réflexion sur les philosophes grecs.

Exposé :

Deux œuvres du Pérugin, les thèmes portent sur  les miracles de saint Bernardin de Sienne, de son vivant et après sa mort. 

"Saint Bernardin  rend après sa mort la vue à un aveugle " la scène se déroule devant un pavement géométrique, cela accentue les lignes de fuite, et ainsi donne de la profondeur à la composition. L’aveugle est au centre de la composition et est entouré de personnages richement vêtus.

"Saint Bernardin guérit d’un ulcère la fille de Giovanni Antonio Petrazio da Rieti" La composition architecturale éclatante, avec un arc de triomphe, la scénographie est structurée, l’ensemble est théâtral, à l’arrière plan un paysage dans les tons  verts avec une légère brume, intérêt de l’artiste pour le traitement du paysage flamand. La jeune fille est vêtue de rouge, elle est au centre de la composition.

Les madones le grand art :

Les œuvres du Pérugin sont essentiellement religieuses, il affectionne le thème de la Vierge à l’enfant, qu’il reprendra fréquemment tout au long de sa carrière. Il en peint une série entre 1493 et 1497.

En Ombrie s’est la fin de la première Renaissance. Le Pérugin marqué par son apprentissage florentin, diffuse des nouveaux modèles stylistiques, qui ont fait le succès de l’atelier de Verrocchio. Ainsi l’artiste, apporte un nouveau langage en Ombrie : des arrières plans paysagers qui apportent plus de profondeur à ses compositions. Il apporte également une certaine sobriété et se concentre davantage  sur l’expression  des visages, tendresse entre mère et enfant, il apporte une grande douceur et nuances de tons.

Présentation par différents artistes de "La Vierge à l’enfant "

Exposées :

"Vierge à l’enfant, (Madone Fontebuoni) "  marbre par un  artiste de l’entourage Verrocchio

" Vierge à l’enfant " Botticelli, vers 1470 raffinement  dans le détail

" Vierge à l’enfant avec saint Jean Baptiste " le Pérugin 1450

"Vierge à l’enfant" du Pérugin vers 1500

"Vierge à l’enfant dans un paysage" de Pinturicchio vers 1458-1513

"La vierge à l’enfant accompagnée de six anges" sur fond or de Caporali

" Vierge à l’enfant "1484 Caporali

Les succès romains, la Chapelle Sixtine 1480-1482

L’artiste devenu très célèbre, est appelé à Rome en 1479 pour peindre à  Saint Pierre, le décor de la chapelle de la conception, qui n’existe plus aujourd’hui. Séduit, le Pape lui confie  le décor de la chapelle Sixtine, en collaboration avec des artistes florentins tel que Botticelli, Rosselli, Ghirlandaio. Le Pérugin très apprécié en raison de son caractère novateur de son art. Pour l’artiste c’est une période intense de créativité, et est rappelé pour exécuter des portraits des artistes ayant participé  à ce grand chantier, chargés d’orner les murs de la Sixtine, soutenus par leurs ateliers et collaborateurs respectifs, ils vont échanger idées et procédés artistiques, donnant le plus beau décor à la ville éternelle.

 Cette vaste entreprise décorative prévoit des scènes du nouveau et de l’ancien testament, c’est au Pérugin qu’il revient l’une des parties les plus importantes : la mise en regard de scène de la vie de Moise et de la vie du Christ.

Quelques exemples :

"Portrait de Bartoloméo Berzichelli" par Cosimo di  lorenzo Rosselli

"Portrait d’un jeune garçon coiffé d’un mazocchio" Botticelli, le garçon représenté en buste tourné de trois quart regardant le spectateur, sur un fond de ciel azuré. Il a vêtement de couleur rouge dont le col est fermé. Sur la tête un mazocchio retombant sur les épaules, ses cheveux sont noirs et encadrent son visage ; cela lui donne un ton aristocratique lui donnant un air de supériorité.

"Francesco  Delle Opere" par le Pérugin 1494, artisan aisé florentin de la fin  XV eme siècle, représenté en buste tourné de trois quart  vers la gauche, portant un béret noir sur une chevelure frisée, une cape noire laissant apparaître une veste rouge ouverte sur le devant maintenue par des lacets avec une chemise blanche dessous. Il tient à la main un rouleau de papier avec le  texte "timete devm" début d’un sermon de Savonarole qui éclaire du contexte religieux et historique de l’époque où l’œuvre a été réalisée.

"Portrait de Don Biagio Milanesi" , abbé de Vallombrosa, 1500 Le Pérugin,

"Portrait de Dom Baldassaré d’Angelo" 1500 , il  était moine

De Florence à Venise, les années de maturité (vers 1485-1500)

L’artiste perfectionne son art et donne une intensité aux figures humaines, qu’il traite dans un langage de classicisme affirmé, on retrouve cette manière dans les figures de saints qu’il réalise. Le dessin élégant, la netteté des formes et par le jeu des lumières qui enveloppe les formes traduite par les jeux de lumière.

Exposé :

Deux "Saint Jérôme pénitent" du Pérugin XV eme

Présentation de la copie du contrat pour les fresques du collègio del Camprio de Pérouse. Ce contrat indique que les peintures de la décoration de la salle d’ udienze (audience) est confié à l’un des 5 membres de la corporation.

Voyage à Venise

En 1494 et  l’artiste fait un séjour à Venise. Carpaccio et Bellini sont au sommet de leur art. Ce voyage va influencer le Pérugin dans le travail de la lumière la manière dans l’organisation de  ses compositions, dans les attitudes des personnages. Il donne une autre dimension à ses œuvres.

Quelques exemples :

"La Vierge à l’enfant accompagnée d’anges et de membres de la confrérie des disciplinés",  Le Pérugin. Cette œuvre a été commandée par une confrérie de moines, l’artiste est au sommet de son art. Cette œuvre est très simple, les moines de la confrérie des disciplinés sont agenouillés en prière autour de la Vierge. Contraste avec la dimension de la madone assise sur une chaise à haut dossier, leur petite taille rappelle leur rang  hiérarchique inférieur à la figure divine. A l’arrière un paysage.

La composition se distingue par la qualité dans le  traitement de la lumière, rehaussée par sa finition raffinée. La vierge et les moines semblent flotter dans une atmosphère suspendue, presque divine.  La formule utilisée par l’artiste est classique, il privilégie  douceur et raffinement, les visages ovales, la bouche fine (marque de l’artiste)

" Le Christ couronné d’épines et la Vierge " Le Pérugin

"Sainte Marie-Madeleine " Le Pérugin, elle est présentée en buste, tournée au trois quart vers la gauche en méditation, le regard rêveur dirigé vers la droite. Le visage ressort du fond sombre, les tons sont doux et modulés, rappelant un léger sfumato de Léonard de Vinci, ses mains reposent sur un parapet que l’on imagine, car invisible, cela est inspiré des œuvres flamandes notamment celles de  Hans Memling. Les détails de la veste et du décolleté sont représentés.

Du sacré au profane

Les commanditaires et collectionneurs du Pérugin,

1490, Le Pérugin aborde les sujets profanes, très rares dans sa production. Sur Daphnis et Apollon, l’artiste  utilise des   effets de lumière, les paysages perdent leurs aspérités, laissant place à des collines aux tons très doux.

Présentés :

"Daphnis et Apollon " pour Laurent de Médicis. La nudité des protagonistes fait allusion au monde antique Dans cette œuvre  raffinée l’artiste créé un climat intimiste d’une profonde intensité, il donne une place nouvelle au paysage dans cette œuvre.

1503, c’est Isabelle d’Este, marquise de Mantoue, qui lui commande un tableau allégorique pour son studiolo du Palais de Mantoue.

 Isabelle d’este inspirée par le gout humaniste, le thème de la peinture est imposé au maitre sûrement par le conseiller d’Isabelle, Paride da Ceresara  (humaniste, écrivain et astrologue de cour italien). Le format intime, au contenu profane.

 Le Pérugin est habitué à peindre des sujets religieux et des retables de dimensions plus imposants.    

"Le combat de l’amour et de la chasteté" 3 eme élément commandé par Isabelle d’Este. L’œuvre  reprend les représentations allégoriques de l’amour (amour sacré, amour profane) et de la chasteté que l’artiste, a placé dans un cadre de représentations mythologiques. Daté de 1503

Le Pérugin maitre de Raphaël

Le Pérugin forma dans sa manière un nombre de maitres, et surpasse de beaucoup, après avoir travaillé pendant plusieurs années avec lui en compagnie de son père Giovanni  de Santi. Mais aucun de ses élèves n’égala la perfection de Pietro, ni le charme de ses coloris, qui lui valut un tel succès, qu’une multitude de français, allemands, espagnols accoururent pour profiter de ses enseignements.

"L’annonciation" Le Pérugin vers 1498

Un tondo " Le prophète Isaïe " 1496-1500

Autre tondo du "Prophète David" vers 1497

Prédelle du retable de Fano par le Pérugin et prédelle du retable d’Oddi par Raphaël

Du Pérugin "l’adoration des Mages", "le baptême du Christ", "la Résurrection".

Prédelle du retable de Fano par le Pérugin 

Prédelle du retable d'Oddi par Raphaël "l'Annonciation"

Raphaël 1483-1520,

 Peintre architecte de la Renaissance, fils du peintre et poète Giovanni Santi, officiel de la cour  du duc d’Urbino.

Il semblerait que l'artiste ait été initié dans l’atelier de son père, il y apprend les bases techniques de son art.

1494 Décès de son père.

1500, alors qu’il n’a que 17 ans, le jeune Raphaël part pour Pérouse auprès du Pérugin, ou il ne figure plus comme apprenti.

1502-03 dans son œuvre la crucifixion, réalisée pour l’église San Dominico de citta di Castello on retrouve le style du Pérugin. Il réalise également une madone à l’enfant

1503, il réalise un couronnement de la Vierge, inspiration de Ghirlandaio

1504, avant de quitter l’atelier du Pérugin, il peint  le mariage de la Vierge pour la chapelle Albizzini de l’église San Francesco à citta di Castello.

 L’artiste quitte Pérouse pour Florence, sa période florentine va durer 4 ans. La république florentine fait appel à Léonard de Vinci et à Michel-Ange, Raphaël va ainsi bénéficier de l’influence de ces grands artistes. Il réalise une série de Madones et Vierges, tout en continuant d’étudier les grands maitres.

1508, il quitte Florence pour Rome, appelé par le Pape Jules II, au Vatican il est chargé de la décoration des salles du Palais de Jules II, dites "chambres de Raphaël ". En 1513 à la mort de Jules II, c’est Léon X un Médicis, ses responsabilités et son influence s’intensifient.

1514, le nouveau Pape lui confie le chantier de la basilique Saint Pierre après le décès de Bramante et les fouilles d’antiquités à Rome.

La dernière période de sa vie sera d’activité très intense.

1520, il décède de la malaria.

Exposé :

Etude pour le couronnement de Saint Nicolas de Tolentino 1506, Raphaël

On retrouve les traits du pérugin lorsque Raphaël réalise ce retable, les poses étudiées et les drapés aux plis marqués.

L’exposition a permis de réunir ces trois éléments du tryptique de Tolentino. Moine des Ermites de saint Augustin, Saint Nicolas de Tolentino, allait devenir un sujet récurrent à cette époque. Certains éléments du tryptique ont disparus.

"Buste d’ange" , " La Vierge Marie " , " Dieu le père "1500-1501 

Le polyptique de San Agostino

Deux grands panneaux exposés proviennent du polyptique réalisé par le Pérugin pour l’église San Agostino à Pérouse, réalisé de 1502 à 1523, date de son décès.

Agé le Pérugin est encore sollicité pour la perfection de son art, les figures monumentales et le classicisme du dessin, probablement inspirés de Raphaël, témoignent de l’influence croisée entre les deux artistes majeurs de la Renaissance italienne.

IL surprend encore par sa peinture libre et souple, à l’harmonie tendre, déjà quasi crépusculaire

 Quelques exemples :

"Saint Philippe et saint Augustin" Le Pérugin

"Sainte Marguerite d’Antioche", le Pérugin 1505-1507

"Le bienheureux François de Sienne", le Pérugin

"L’archange Gabriel" (tondo)

Les petits tableaux de Raphaël :

'Sainte Marie Madeleine', 'Saint François', "Sainte Catherine d’Alexandrie" (1507-09), "Saint Antoine de Padoue".

Sainte Catherine d'Alexandrie Raphaël 

L’exposition se termine par une citation du banquier siennois et grand mécène de la Renaissance, Agostino Chigi

« Je vous dis que le Pérugin est le plus grand maître d’Italie ».

Quelques extraits du catalogue de l'exposition.

Très belle exposition, qui montre l’évolution de l’artiste au fil de son parcours : de Pérouse à Florence, et de Venise à Rome, et de ses rencontres, la précision de sa technique, le raffinement, l’élégance de ses compositions, font de cet artiste le plus grand maitre de la Renaissance italienne. Un autre intérêt pour le visiteur, la comparaison avec d’autres artistes et avec son élève Raphaël qui s’est réapproprié sa technique.  A ne pas manquer.

Jusqu’au 18 janvier 2015, musée Jacquemart André

Le rêve, survient pendant le sommeil, ce sont des messages véhiculés  par le songe, les scénarios lorsque nous dormons sont plutôt abstraits. Le songe devient rêve en langage poétique.

Sujet de réflexion pictural et littéraire pour les artistes depuis l’Antiquité qui a  fasciné et a donné naissance à de nombreuses variations du modèle endormi, c’est l’allégorie de l’abandon. L’exposition démontre les liens pervers et troublants entre la muse et l’artiste.

Ce thème vu par des artistes modernes tel que : Picasso, Matisse, Camoin, Manguin, Vallotton, Vuillard, Denis et autres, nous font  découvrir le parcours de ce sujet  depuis la fin du XIX eme siècle jusqu’au Nabis en 1950 en passant par les symbolistes. Une cinquantaine d’œuvres sont exposées.

Maurice Denis (1870-1943), il fait parti du groupe des Nabis.

Il  ouvre l’exposition avec "Portrait de Marthe endormie "  daté de 1897 

"La belle au bois dormant, Cendrillon sommeillait " Verlaine 1888

Le livre de la belle au bois, étude pour la belle au bois d’automne daté de 1892 est exposé

" La belle au bois d’automne " 1892, œuvre de Maurice Denis (avatar de l’héroïne de contes de fées)

Gabriel Travieux a dit en  1892 : "Elle est belle comme ceux qui n’ont pas souffert ……….seulement un peu pâle, d’avoir depuis 100 ans sommeillée sous les arbres sans voir le ciel "

Frise pour la chambre à coucher du peintre " La couronne de fiançailles " Maurice Denis 1897-99

"Profil de femme " 1908, Aristide Maillol  (1861-1944), peintre, graveur et sculpteur. Il a rejoint le mouvement Nabis en 1893

" Femme assoupie sur un lit ou l’indolente " 1899  Pierre Bonnard (1867-1947), peintre, graveur, illustrateur et sculpteur,  il a fait parti du groupe des Nabis.

Dans cette œuvre, il s’agit de Marthe épouse  de l’artiste, cuisses ouvertes dans lune lumière, femme offerte au regard après l’amour est l’expression d’une  intimité dévoilée)

" J’avais tenu aux lithographies en rose, ce qui me permettrait de mieux rendre l’atmosphère poétique de Verlaine ". Bonnard

Exposition de deux livres " Séguedille " poème de Verlaine illustré par Bonnard en 1900, et, " Marie " de Peter Nansen

"Femme au lit " 1891-92, de Jozsef Eippl Ronai (1861-1927), peintre hongrois, en 1899 il vient chez Maillol à Banyuls

" Femme couchée " datée de 1891,   Edouard  Vuillard  (1868-1940), un des membres fondateur des Nabis. Artiste peintre, graveur, illustrateur, dessinateur, peintre de compositions murales et de décors de théâtre.

"Le sommeil de Madame Vuillard", 1891-92 par Edouard Vuillard

" Tète de femme au bonnet " 1892 Paul Sérusier (1864-1927), peintre postimpressionniste, associé au mouvement des Nabis

" Les yeux clos "1890 pastel, Odilon Redon (1840-1916) peintre symboliste

"Je rêve donc je suis " Auguste Strindberg

" Femme et enfant " 1897, Georges Lemmen (1865-1916) peintre impressionniste, dessinateur, graveur belge.

Il représente dans cette œuvre   son épouse et sa fille Lise

"Le sommeil (son épouse endormie) " 1900 Georges Lemmen

« Avec la nuit lourde pourtant du vol des démons, des mauvais génies, des esprits des morts, des tupapaus que tout à l’heure se dresseront, les lèvres blêmes et les yeux phosphorescents, près de la couche ou les cauchemars ne laissent pas seuls les fillettes, tôt nubiles. » Paul Gauguin

 " To Po , la grande nuit"  Gauguin 1894

Explosion de couleurs pour la salle   Fauve :

(Le fauvisme mouvement qui a duré peu de temps, les techniques de peinture sont modernes, les représentations sont réalistes et les couleurs sont vives)

Manguin est l’un des principaux créateurs du fauvisme français. Quelques exemples :

"Nu allongé " 1902 pastel sur papier, Henri Manguin (1874-1949), artiste peintre

"La blonde endormie ",1904, Charles  Camoin  (1879-1965), peintre faisant parti des Fauves.

" La sieste ", 1905-10 Henri Manguin, il s’agit de l’épouse de l’artiste Jeanne.

" Etude de femme couchée " 1905 , Henri Manguin

"Petite faunesse dormant " 1905 Jean Puy (1876-1960) peintre faisant parti des Fauves

" Grand nu "1910-11 Alfred Lombard (1884-1973) peintre

" Le repos ou nu dans un intérieur "  Henri Manguin 1905

" Odalisque dormant " 1915-17, Auguste Renoir (1841-1919), peintre impressionniste

" Femme étendue de dos " , sanguine 1937-44 Aristide Maillol

" La femme endormie, villa Demière Saint-Tropez " 1928 Henri Lebasque (1865-1937), peintre postimpressioniste.

" Femme dormant au bord de l’eau " 1913, Félix Vallotton (1865-1925), peintre, graveur, illustrateur, sculpteur, critique d’art, romancier français d’origine Suisse.  

Bronze " la nuit " Aristide Maillol

" Femme endormie " 1842  Henri Matisse (1869-1954), peintre dessinateur, sculpteur, chef de file du Fauvisme.

Trois dessins de Matisse dont : Marguerite les yeux fermés 1918-19, figure endormie dans l’intérieur avec bocal 1929 et jeune femme dormant dans un bocal à poissons 1928.

" Le modèle c’est le foyer de mon énergie " Matisse 

En poursuivant l’exposition nous découvrons les œuvres de Picasso qui a également traité ce sujet, mais aussi Balthus, Renoir, Brancusi, Vuillard, Gauguin, Van Dongen 

" Garçon pensif, veillant une dormeuse à la lueur d’une bougie " eau forte et aquateinte 1934, Pablo Picasso (1881-1973), peintre, dessinateur, sculpteur, considéré comme le fondateur du cubisme

" La Vénus endormie "1934,  Paul Delvaux  (1897-1994), peintre postimpressionniste, expressionniste, et surréaliste belge.

" Minotaure caressant du mufle la main d’une dormeuse ", peinture sèche sur papier 1933 Picasso

"Faune dévoilant une dormeuse " , peinture sèche sur papier 1936 Picasso

" Femme nue couchée " 1932 huile sur toile Picasso

Photo d’un marbre "le sommeil " de Brancusi (1876-1957), sculpteur roumain

Bronze " Muse endormie " Brancusi en 1910

" Femme étendue au bord de l’eau » 1921 Félix Vallotton

"Odalisque à la culotte grise" Matisse 1927

"Femme endormie " Bonnard 1928

"Jeune fille endormie " 1975, crayon et fusain sur papier, Balthus (1908-2001) peintre figuratif d’origine polonaise.

"Lucie Hessel dormant sur un divan " 1920 Vuillard

" La nuit ou la lune "1924, Van Dongen (1877-1968), peintre hollandais

"Nu allongé " gouache 1920, Georgio de Chirico (1888-1978), peintre, sculpteur et écrivain italien

"Femme couchée au bol " 1933, Pierre Jacob dit Tal Coat  (1905-1985) peintre non figuratif appartenant à l’école de Paris.

Yasunari Kawabata (1899-1972) écrivain japonais. Prix Nobel de littérature en 1968. Ecrivain majeur du XX eme siècle.

Les belles endormies, œuvre traduite en 1970 en français adaptée au cinéma et au théâtre.

Quelques extraits des "Belles Endormies", de Yasunari Kawabata.

« Il en venait à la considérer non comme une ensorceleuse, mais comme la victime d’un enchantement.

Avec cela, tout endormie qu’elle fut, elle vivait encore, que sa conscience fut plongée dans un profond sommeil, son corps par contre restait éveillé dans sa féminité. Il y avait là, non pas une conscience humaine, mais rien qu’un corps de femme »

Très belle exposition qui laisse une part de mystère au visiteur.

Jusqu’au 2 novembre au Cannet musée Bonnard

Paris et son histoire

A l’époque Gallo-romaine, la cité romaine s’étend sur la rive gauche et l’île de la cité, elle est nommée Lutèce. La cité est très modeste, mais connaît une certaine prospérité grâce à son trafic fluvial. Elle aurait été christianisée par Saint-Denis martyrisé vers 250.

La position stratégique de la cité face aux grandes invasions en fait un lieu de séjour pour l’empereur Julien entre 357 et 360, puis de Valentinien 1^er, de 365 à 366, c’est à cette époque que le nom de la cité devient Paris. Au IV eme siècle ses faubourgs subsistent mais au V eme siècle la population se replie dans l’île de la cité.

451, Geneviève la future patronne de la ville aurait convaincue les habitants de ne pas craindre les Huns d’Attila, qui s’enfuient sans combats.

Au Moyen-âge (il s'étend du V au XV eme siècle), Clovis après avoir conquis la Gaule fait de Paris sa capitale nous sommes en l’an 506. Il y établit sa résidence principale (palais des thermes),et y fait construire plusieurs édifices religieux, dont la basilique des Saints Apôtres (il y est enterré). Le rôle de la cité doit être relativisé, il n’existe pas encore d’administration royale.

Au VI et VII eme siècle, Paris garde une importance particulière. Malgré les divisions des héritiers de Clovis. Childebert 1er, fait construire la plus grande cathédrale (Saint-Etienne), Childéric II fait rénover les arènes gallo-romaines, c’est à cette époque que la ville commence à s’étendre sur la rive droite, alors que la rive gauche est réoccupée. L’extension vers l’est du royaume des francs sous le règne de Charlemagne fait perdre à Paris sa position politique privilégiée.

Au IX eme siècle, la ville fait partie du territoire des Robertiens ( noblesse franque qui tient son nom du prénom Robert que portèrent un grand nombre de ses membres), qui prennent le titre de comte de Paris. Les Vikings la ravagent plusieurs fois, elle devient ruinée. La population revient vers l’île de la cité.

En 885-886, la ville est assiégée par les Normands, elle résiste avec succès en barrant l’accès au fleuve. Episode qui procure un grand prestige à Paris et à son comte Eûdes, qui a participé à sa défense, par contre il marque la fin de l’empire Carolingien, le comportement de Charles le Gros étant jugé indigne.

Paris est une ville royale importante à l’époque des premiers capétiens, elle gagne en importance. Robert  le Pieux fait restaurer le palais de la cité (palais de justice aujourd’hui.) ainsi que plusieurs abbayes. Louis VI et Louis VII y fixent leur cour et leur chancellerie. La cité prospère, elle devient une place importante du commerce du blé, du poisson et du drap, les marchands parisiens s’unissent autour d’une hanse des marchands de l’eau privilégiée par Louis VII, nous sommes en 1170-71. Paris devient un centre d’enseignement majeur grâce aux écoles épiscopales dans un premier temps, puis au milieu du XII eme siècle aux communautés religieuses installées sur la rive gauche. La ville s'étend sur la rive droite au XI eme siècle, c’est le poumon économique, tant qu’à l’île de la cité elle abrite les édifices religieux et administratifs. Philippe Auguste fait de Paris la capitale incontestée du royaume, cette position est renforcée avec Louis IX et Philippe Lebel. L’administration royale, tient son siège dans la cité où se situe la chambre des comptes, le trésor et les archives du royaume. Les bourgeois parisiens jouent un rôle majeur dans la gestion de l’Etat, faisant souvent parti de l’entourage du souverain.

XII eme siècle , Paris est un des grands centres intellectuels d’Europe, particulièrement en matière de théologie et philosophie.   

XIII eme siècle, Les écoles de la rive gauche s’unifient en « Universitas » (universités médiévales) reconnues par le Pape en 1209-10, ce qui fait de Paris le plus prestigieux centre d’enseignement d’Europe occidentale au moins pendant un siècle. La cathédrale est achevée vers 1250, la sainte chapelle qui abrite la couronne d’épines du Christ en 1248, tant qu’au Palais de la Cité il est rénové et plus important, le marché parisien (les Halles) est emmuré et recouvert, Philippe Auguste fait emmurer les deux rives de la cité de murailles de pierres, terminées en 1209-1210.

1257, création de la Sorbonne.

en 1263 c’est l’apparition d’une municipalité, composé d’un prévôt des marchands et quatre échevins. Paris poursuit sa croissance.

XIV eme siècle, la ville est la plus peuplée d’Europe avec 200 000 habitants. Mais elle est frappée par la peste en 1348 qui ravage l’Europe de 1347 à 1351. Pendant la guerre de cent ans, elle est exposée aux attaques anglaises, Charles V est amené à construire sur la rive droite un nouveau rempart englobant les faubourgs. Mais dans  un contexte de dépression économique, de défaite militaire, l’autorité royale est remise en cause. Etienne Marcel, tente de  s’emparer  du  pouvoir  en 1357-1358 , les émeutes populaires se multiplient. Charles V et Charles VI se réfugient dans l’est parisien, moins exposé aux émeutes.

XV eme siècle de nombreuses violences dans la capitale entre Armagnacs et Bourguignons, ils finissent par s’imposer en 1418, et Paris tombe aux mains du roi d’Angleterre deux ans plus tard. C’est Charles VII qui reconquit la cité en 1436, mais le roi préfère résider sur les bords de Loire. Il en sera de même pour ses successeurs Louis XI, Charles VIII et Louis XII .

XVI eme  siècle, nous sommes à la Renaissance (elle débute en France fin XV jusqu'au début XVII eme siècle), le roi et sa cour résident dans le Val de Loire, la monarchie s’inquiète du désordre qui règne dans la cité.

1528, François 1^er fixe sa résidence à Paris. Le  rayonnement culturel s’accroît avec ses universités (théologie et arts libéraux), un enseignement moderne s’ajoute tourné vers l’humanisme et les sciences exactes voulues par le roi au Collège de France (sa fondation remonte en 1530, son maître de librairie traducteur d’œuvres antiques, Guillaume Budé,  suggère au roi d’instituer un collège de lecteurs royaux, des humanistes sont payés par le roi pour enseigner des disciplines, ignorées par l’université de Paris). La capitale atteint 280 000 habitants et reste la plus grande ville du monde chrétien.

24 août 1572, sous Charles IX, est organisé le massacre de la saint Barthélemy, il y a eu entre 2000 et 10 000 victimes. La ligue catholique très puissante dans la capitale se dresse contre Henri III, ce qui entraîne la journée des barricades en 1588. Ce dernier s’enfuie avant d’assiéger la ville, il est assassiné et le siège est maintenu par Henri de Navarre (Henri IV), la ville est ruinée affamée mais lui ouvre ses portes en 1594.

XVII eme siècle , la journée des barricades de 1648 marque le début de la Fronde (1648-1653 est une  période de troubles graves qui frappent le royaume de France pendant la minorité de Louis XIV, alors en pleine guerre d’Espagne) cela marque une crise économique importante et une défiance du roi vis-à-vis de la capitale.

1677, Louis XIV choisit Versailles comme lieu de résidence, il y déplace le siège du gouvernement en 1682, Colbert prend en main la gestion parisienne et fait la navette entre Versailles et  Paris. Pendant son règne le roi ne vient que quatre fois dans la capitale pour des cérémonies officielles.

XVIII eme siècle, C’est le rayonnement intellectuel de Paris,  le siècle des Lumières. C’est la période des salons littéraires, un des plus célèbre le salon de madame Geoffrin , elle y reçoit les littéraires du moment, les hommes politiques et correspond avec Gustave III de Suède, Catherine II de Russie, Stanislas II de Pologne. Ce siècle est aussi celui d’une forte expansion économique qui permet une importante croissance démographique. La capitale compte 640 000 habitants à la veille de la Révolution.

"Le salon de Madame Geoffrin" , le tableau représente la scène de la lecture de la tragédie de Voltaire, l’orphelin de la Chine. Œuvre de Anicet Charles Gabriel Lemonnier, 1812, Château de Malmaison.

1715, le régent Philippe d’Orléans s’installe au Palais Royal, le jeune Louis XV est installé au Palais des Tuileries pour un retour éphémère de la royauté dans Paris. En 1722, Louis XV retourne à Versailles.

La ville s’étend sur six arrondissements, le jardin du Luxembourg (créé en 1612 à la demande de Marie de Médicis, pour accompagner le palais du Luxembourg) marquant la frontière occidentale de la ville. Louis XV s’intéresse à Paris qu’en 1749 et décide l’aménagement de la place Louis XV (actuelle place de la Concorde), l’école militaire est construite en 1752 et une église dédiée à sainte Geneviève en 1754 (actuel Panthéon).

1789, Révolution française, elle débute à Versailles par la convocation des états généraux puis le serment du jeu de Paume (engagement d’union pris le 20 juin 1789, à la salle du jeu de paume à Versailles, par les députés du tiers état lors des états généraux de 1789). Les parisiens sont pris dans une crise économique, sensibilisés par les politiques, par la philosophie des lumières et une rancœur due à l’égard du pouvoir royal ayant quitté la capitale depuis plus d’un siècle. La prise de la Bastille, le 14 Juillet est liée au soulèvement des ébénistes du faubourg Saint Antoine en est une première étape. Le 15, Jean Sylvain Bailly (astronome, mathématicien, homme politique) reçoit à l’hôtel de ville la charge de premier maire de Paris. Le 5 octobre, une émeute est déclenchée par les femmes sur les marchés parisiens, la nouvelle est annoncée au roi à Versailles. Le 16, le château est envahi et le roi est contraint de venir résider au Palais des Tuileries, et d’y convoquer l’assemblée constituante, qui s’installe peu de jours après dans le manège des Tuileries (lieu de réunion de l’Assemblée nationale).

Paris comprend trois districts : Paris, la Franciade et Bourg-de-l’égalité.

1790, 14 juillet  fête de la fédération (1^er anniversaire de la prise de la Bastille) sur le Champ-de-Mars, un an plus tard, ce lieu sera le théâtre d’une fusillade.

1790 mise en vente des biens nationaux, le couvent des Cordeliers (construit grâce aux largesses de Saint-Louis, mais aussi haut lieu de la Révolution), et le couvent des Jacobins, autre haut lieu de la Révolution.

1792, une commune révolutionnaire prend possession de l’hôtel de ville, en août, la foule assiège le Palais des Tuileries avec le soutien du nouveau gouvernement municipal.

Louis XVI et la famille royale sont incarcérés à la tour du temple (construite en 1240, pendant le règne de Saint-Louis et détruite en 1808), la monarchie française est abolie. Après les élections les représentants de la commune de Paris (nom donné au gouvernement révolutionnaire de Paris établit après la prise de la Bastille), très radicaux, ils s’opposent à la convention nationale (assemblée constituante qui gouverna la France de 1792 à 1795), au groupe des Girondins (nom donné à un groupe de politique de la Révolution française qui fut majoritaire à l’assemblée législative), ce groupe est écarté en 1793. Période très difficile pour les parisiens qui subissent deux années de rationnements. La terreur règne sous la coupe du comité de salut public (organe du gouvernement révolutionnaire mis en place par la convention pour faire face au  danger  des menacent la république française). Le tribunal révolutionnaire avec l’aide de la mairie s’emploie à incarcérer toutes personnes suspectes. La création de la charge de Préfet de police par Napoléon ôtera à la municipalité tout pouvoir de police judiciaire, de sorte que le maire de Paris, et aujourd’hui encore, le seul de France a en être privé.

Janvier 1793, Louis XVI est guillotiné sur la place Louis XV (Concorde), 1119 personnes le suivront dont Marie-Antoinette, Danton, Lavoisier, Robespierre et ses partisans.

La Révolution ne permet pas à Paris de se développer, de nombreux couvents et églises sont rasés et font place à des lotissements édifiés sans plan d'ensemble, ce qui aboutit à une réduction des espaces verts et à une concentration de la population dans le centre de la ville.

Sous le Directoire, (26 octobre 1795 à 1799), des immeubles de rapport  (ou de location) de style néoclassique sont érigés.

1799, Napoléon prend le pouvoir.

XIX eme siècle,  2 décembre 1804, Napoléon est sacré empereur par le pape Pie VII à Notre-Dame. Il décide d’établir à Paris la capitale de son royaume et ambitionne d’en faire la nouvelle Rome. Il ordonne la construction des arcs de triomphe de l’Etoile et du Carrousel ainsi que celle du Palais Impérial de la Bourse et de la colonne Vendôme. Il ordonne aussi à Jean-Antoine Alavoine (architecte) le projet de l’éléphant de la Bastille et aux architectes Percier et Fontaine, l’édification du palais du roi de Rome, (seuls les jardins du Trocadéro, et le pont d’Iéna, seront terminés). L’empereur multiplie les points d’eau, alimentés par un réseau de 50 km, de canaux qui acheminent l’eau de l’Ourcq.

1806, Paris a compensé les pertes humaines pendant la Révolution,  par la venue des immigrés provinciaux. La ville maintenant est distancée par Londres en pleine expansion économique et démographique qui atteint plus d’un million d’habitants.

1814, la bataille de Paris emmène à la première capitulation de Napoléon et à la Restauration. Les armées russes occupent certains points de la ville. Le Tsar Alexandre 1^er part en juin de la même année.

De la Restauration à la Commune de Paris : A la fin des cent jours (période entre le retour de Napoléon 1^er en mars et la dissolution de Napoléon II), la chute de l'Empire en juillet 1815, amène à Paris les armées anglaises et prussiennes, ils vont camper sur les Champs-Elysées. Louis XVIII rentre de son exil à Gand et s’installe de nouveau aux Tuileries.

Louis XVIII ,Charles X et la Monarchie de juillet, ne s’occupent pas de l’urbanisme parisien. De ce fait les ouvriers sont entassés dans les quartiers centraux et sont nombreux au mètre carré, ce qui provoque des épidémies, le choléra en 1832 fait 32000 victimes. En 1848, 80% des morts vont à la fausse commune, les deux tiers des parisiens sont  trop pauvres pour payer des impôts. Le petit peuple oublié se révolte, les barricades font tomber Charles X lors des Trois glorieuses (la monarchie de juillet succède la  seconde Restauration, elle se déroule 27,28, 29 juillet), Louis Philippe tombe à son tour en 1848. La société de cette époque est évoquée dans les romans de Balzac, Hugo, Eugène Sue.

A cette période la ville accélère son rythme de croissance pour atteindre le mur des Fermiers généraux (murs d’enceintes autour de Paris, l’objet de ce mur était de percevoir des impôts sur les marchandises entrant dans la ville, à différents points). Entre 1840 et 1844 la dernière enceinte est construite dite de Thiers (Adolphe Thiers était ministre à l’époque), aujourd’hui c’est le périphérique, au centre de Paris on perce la rue Rambuteau.

1852, Second empire, Louis-Napoléon Bonaparte, président de la République française devient Napoléon III, empereur des français. C’est la transformation de la ville, Napoléon III a des idées sur l’urbanisme et le logement. C’est le Paris d’Haussmann. Des milliers de logements insalubres disparaissent sur fond d’une spéculation immobilière ce qui occasionne un krach financier international. 

1860, la capitale passe de douze arrondissements à vingt, une loi permet d’annexer plusieurs communes voisines.

1870, guerre franco-prussienne, Paris est assiégée pendant plusieurs mois, mais la ville n’est pas prise par l’armée prussienne. La poste aérienne est inventée à cette occasion la ville étant encerclé, des ballons à gaz avec nacelle permettent le transfert du courrier. Refusant l’armistice de 1871, et à la suite des élections de février qui portent au pouvoir des royalistes qui mettent fin à la guerre, les parisiens s’insurgent  le 18 mars 1871. C’est le début de la commune de Paris (elle est une réaction à la défaite française pendant la guerre franco-prussienne et à la capitulation de Paris). L’assemblée monarchiste (première assemblée de la troisième République en France) élue est  installée à Versailles, la réprime entre le 22 et le 28 mai lors de la semaine sanglante (épisode final de la Commune de Paris).

Après la guerre de 1870, la capitale pour se relever fait un grand emprunt public de 1,2 millions de francs qui a un énorme succès. L’expansion économique de la ville est importante

De la belle Epoque à la Seconde Guerre Mondiale   1879 à 1914.

A la Belle Epoque l'expansion économique de Paris est importante, en 1913 la ville possède 100 000 entreprises et un million d'ouvriers.

1900 à 1913, 175 cinémas sont créés à Paris, de nombreux grands magasins voient le jour et contribuent au rayonnement de la ville lumière. C’est le lieu de toutes les  spéculations, Paris est la seconde place financière internationale, juste derrière Londres.

L’Europe est marquée par des progrès sociaux, économiques, technologiques et politique.

 Deux expositions universselles, laissent une large empreinte sur la ville , celle 1889 avec la construction de la Tour Eiffel pour cette occasion, elle attire 28 millions de visiteurs.

 Et l'exposition Universelle de 1900, qui voit l'inauguration de la première ligne de métro,  le Petit Palais, le Grand Palais et le Pont Alexandre III. Cette exposition reçoit 53 millions de visiteurs.

Les industries se déplacent en proches banlieues : Renault, Citroën. La presse et l’imprimerie restent dans le centre de Paris.

Paris connaît l’apogée de son  influence culturelle, de la belle Epoque  aux Années Folles (1920 à 1929), les quartiers Montparnasse et Montmartre accueillent de nombreux artistes : Matisse, Picasso, Braque, Fernand Léger, l’école de Paris.

La ville devient la vitrine du monde. Les grandes nations rivalisent dans la mise en scène de leur puissance et de leur modernité pendant la seconde moitié du XIX eme siècle, en particulier les expositions universelles : La première eue lieue en 1851 à Londres puis en 1862, Paris en 1855,1867, 1878, 1879,1889, 1900, Vienne en 1873, Philadelphie 1876, Chicago 1893 pour les plus importantes.

Paris 1900, la ville spectacle :

Tout autant que Londres, New-York, le Paris de 1900  est un extraordinaire laboratoire de modernité. La venue des ballets russes, le début du cinéma, le cubisme naissant, les innovations techniques et culturelles s’y succèdent font de la capitale un  des  nouveaux phares du début XX eme siècle.

Le parcours de l’exposition s’effectue en 6 pavillons séparés par des petits films des frères Lumière.

1900 l’exposition :

Paris 14 avril 1900, c’est la manifestation  la plus importante jamais organisée. Avec un thème " le bilan d’un siècle ", Paris devient le centre du monde pendant plusieurs mois.

Installée le long de la Seine, cette exposition s’inscrit dans une politique d’embellissement et d’aménagement de la ville. Implantée sur le Champ-de-Mars, le Trocadéro, l’esplanade des Invalides, les Champs-Elysées, le bois de Vincennes étant  consacré lui,  à l’agriculture, à l’automobile, aux jeux olympiques, aux maisons ouvrières. Sur la rive gauche de la Seine,  une rue des nations, rassemble les pavillons nationaux, au pied du Trocadéro  ce sont  les pavillons des possessions françaises d’Outre-mer,  ils sont disposés aux côtés des colonies étrangères. Cet espace exotique est animé par des figurants en costumes, cela illustre la politique coloniale de l’Europe. Cette exposition a pour ambition de présenter à Paris un  résumé de toutes les cultures du monde.

La ville se dote d’une logistique conséquente, d’où l’implantation de certaines gares au centre de la ville, (Invalides, Orsay) Les gares de Lyon, Montparnasse, de l’est  sont réaménagées pour cet événement, de nombreux hôtels, restaurants, cafés ouvrent à cette occasion. Le Pont Alexandre III  relie les Invalides au bas des Champs-Elysées, où sont édifiés petit et grand Palais.

Paris vitrine du monde : ou l’exposition universelle

De nombreux plans et photos de l’exposition sont exposés.

Un dessin de Mucha

"Le petit journal"

Une grande affiche de l’exposition universelle de Louis Janzin

Affiche de Steinlen "Paris exposition 1900"

De Camille Piton " l’esplanade des invalides "

Photos d’Albert Maignan.

De Paul Jouve, un bas relief avec des tigres

René Binet présente un projet pour la porte de l’exposition.

De Louis Pille ,un dessin au crayon représente l' exposition universelle 1900

Louis Lachaudel obtient un diplôme d’honneur pour la  pose  de la première pierre du Pont Alexandre III en aquarelle.

Jules Dalou  sculpteur présente une paire de lions  en bronze 1898-1899

Grille du petit palais dessin sur calque de Charles Girault et deux dessins du dôme.

Une station de métro extérieure de Guimard, et  une maquette d’une rame de métro.

Un tableau représente la construction d’une station par Luigi Lodi

Maxime Maufra " féerie nocturne " 

Pavillon Schneider, la machine du pavillon vue depuis la Seine 1900 par Louis Bonnier.

Un monument à Levassor de Jules Dalou 1898-1902

Affiche de Dornifant La grande exposition de Paris 1900

Autre affiche de Georges Leroux " Palais de l’optique, la grande lunette"

De Louis Bonnier, un projet de kiosque pour l’exposition

Mucha-Besnard-Bellery-Fontaine  : des maquettes pour décors de théâtres

Palais et pavillons étrangers en photos dans le petit journal 1900

Toile d’Emile Blanche André Gide et ses amis au café Maure de l’exposition universelle.

Représentation de  dessins et affiches concernant l’exposition, tel que le grand hôtel du Trocadéro par Heclemann.

Quelques éventails de Fournier, dont l’éventail pratique, il sert de guide  dans un quartier de Paris

Un foulard commémoratif d’Hubert Cavandel

Des assiettes représentant comme motif  un monument parisien, créées pour l’exposition.

Quelques boites décorées, des tickets d’entrée de l’exposition et des affiches

Paris art nouveau :

L’avènement d’une culture de masse permet d’ouvrir des voies nouvelles à la diffusion de l’art. Jules Chéret, présente des affiches joyeuses, les entrées du métro dessinées par Hector Guimard, la création investit  également l’espace urbain. C’est l’âge d’or de l’estampe, de la photographie, de l’affiche, la médaille. Ces œuvres prennent place dans les intérieurs modernes.  L’art entre dans la vie quotidienne, c’est l’encouragement à l’éducation  esthétique des classes populaires, les artisans d’art sont nombreux dans la capitale.

L’art nouveau affirme comme principe l’unité de l’art et influence la plus part des domaines de création du plus grand au plus infime. Le castel Béranger, de Guimard, en est l’expression architecturale majeure à laquelle répond les bijoux de Lalique ou Mucha dans un sursaut d’inventivité qui s’étend jusqu’aux techniques  les plus traditionnelles que sont l’ivoire, reliure, tapisserie, éventail.

 En rupture avec la tradition académique et les styles inspirés du passé. Son répertoire de formes, d’ornements est fondé sur une observation du monde naturel. Il développe un goût pour l’asymétrie et les lignes courbes dites au coup  de fouet, il doit beaucoup à l’art du Japon dont Siegfried Bing en est le défenseur.

A Paris il se développe grâce aux artisans pourvus d’un grand savoir-faire, et favorisé par une clientèle d’amateurs aisés. L’exposition de 1900 permet la confrontation d’artistes de toutes nationalités et marque l’apogée de cette nouvelle esthétique qui s’épanouit dans toute l’Europe.

Les bijoutiers de l'Art apportent une grande créativité et savent se dégager des styles anciens. La femme mystérieuse ou provocante constitue un de leurs thèmes d’inspiration favoris. La nature fournit un répertoire inépuisable de formes de décors dont les profils sont souvent sinueux. Les joailliers et bijoutiers utilisent des matériaux souvent délaissés comme la corne, l’émail. 1901 voit l’ouverture de la bijouterie " Georges Fouquet" rue Royale,  mise en scène somptueusement  par Alfons  Mucha.

De nombreux créateurs d’art nouveau  viennent à Paris pour en faire une des capitales de l’art nouveau. Hector Guimard,  utilise des matériaux modernes pour ses entrées de métro : panneaux de lave émaillé et fonte de fer qui se prêtent à la traduction des lignes sinueuses évoquant des tiges végétales. Mucha, formé à Vienne et à Munich, s’installe à Paris en 1887, il doit sa célébrité à l’actrice Sarah Bernhardt qui lui commande les affiches de ses spectacles. En 1900, Mucha est chargé  de la décoration intérieure du pavillon de Bosnie-Herzégovine. Emile Gallé, s’affirme comme un créateur original, utilisant ses connaissances en botanique et en entomologie pour façonner meubles, céramiques et pour inventer un nouvel art du verre. C'est à Paris,  que les tenants de l'école de Nancy obtiennent la reconnaissance internationale. La manufacture de Sèvres, Alexandre Sandier, nommé directeur des travaux d’art de la manufacture en 1897, fait appel a des artistes novateurs tel que Guimard il y travaille de 1900 à 1903. De nouveaux matériaux sont utilisés comme le gré de cérame. " Le jeu de l’écharpe " surtout de table  composé de 15 statuettes, constitue la meilleure incarnation de l’Art nouveau à Sèvres. Agathon Léonard, auteur du modèle s’est inspiré des attitudes de la danseuse Loïe Fuller.

Quelques unes des œuvres exposées :

Emile Gallé : une étagère ombellifère, et , une chaise le Dalhia bleu.

Une table de Mucha

Un paravent des quatre saisons par Eugène Grasset

Guéridon nénuphar,  de Majorelle

Motif et dessin pour un balcon, de Guimard.

De Grasset "femme aux ombelles" en grès émaillé

"Vase des Burelles", de Guimard, en porcelaine dure 1903

Victor Prouvé "La nuit " en bronze

Vase de Dijon décors tournesols en porcelaine

"Sirène et  pieuvre" sculpture de François-Rupert Carabin 1906

"Vases aux masques" de  Jules Chéret 1892-1898

Candélabre à deux bobèches 1899 Léon Jaum

Vase d’Auxerre à décor de corail et étoile de mer 1901 en porcelaine accompagné du dessin

Affiche Loïe Fuller pour Salomé.

"Vase de Chagny" décor vigne vierge 1899.

Paire de vases Mennecy agitarium 1903 de la manufacture royale de Copenhague 1900

D'Agatha Léonard 6 danseuses en forme de serpentine encourent l’esthétique de l’art nouveau

Un bronze doré "la nature " Mucha.

Une tapisserie des Gobelins de Georges Rochegroose "La France en Afrique ou la conquête de l’Afrique "

Des dessins de Mucha prévus pour des coussins

Quelques robes de chez Worth en drap de laine ivoire avec motifs floraux dans le cordonnet

Des sœur Callot : jupe et chemisier

"La fée Morgane"statue en bronze de Pierre Roche 1904

Un bronze sculpté par Sarah Bernhardt  "une algue " 1900

Vide poche en cuivre martelé d’Henri Husson et Hebrard

Timbale en argent de Cardeilhac datée 1900

12 cuillères à café en argent en écrin du prince Bojidar Karageorgevitch (1862-1908, jeune fils de la famille royale exilé, artiste et écrivain sur l’art, ayant vécu en France une grande partie de sa vie).

Ces cuillères de style  Art Nouveau a été commandé et peut-être exécuté par le prince lui-même. La cuillère est sous la forme d’une installation de chute de neige, la poignée représente deux fleurs.

"Une jardinière aux nymphes de la seine" et "vase de  Troyes" céramique et porcelaine 1900 et 1904

Vase d'Emile Gallé "les arbres " 1901

Vase "cattleya" de  Gallé

Vase à décor d’orchidée en cristal soufflé , d'Emile Gallé.

"Vase scarabée" Daum 1901

"Vase crocus" de Daum 1910

Bouteille queue de paon 1897 Tiffany

Un vitrail les paons d’Henri Carot daté 1895

Un dessin présente "la vue générale de la bijouterie Fouquet" 1901

 Quelques peignes de collection tel que :

Un peigne assyrien de la maison Neva, Grasset

Quelques modèles de papier peint Guimard

Une reliure "la tauromachie" en 1894 de Toulouse-Lautrec pour la couverture

Des Photos de Robert Demachy datées de 1900, il s’agit du pont Alexandre III

Une vitrine est consacrée au sculpteur Auguste Rodin, l’artiste présente en marge de l’exposition  universelle, 160 sculptures.

Quelques exemples :

Femme aux mains presque  jointes 1900

"Masque de Camille Claudel".

"La douleur"

"Petite ombre et tentation" 1900

"Buste de Rodin" par Camille Claudel

Une affiche pour l’exposition du sculpteur par le salon des Arts

Paris capitale des Arts :

En 1900, deux édifices à la gloire des Beaux-arts : le grand et le petit palais destinés à abriter une immense rétrospective de l’art français Ils symbolisent  le prestige des arts nobles : peinture, sculpture, architecture. Cette diversité est une richesse culturelle qui attire un nombre croissant d’artistes étrangers venus se former à Paris, s’y faire connaître et prendre le pouls de la modernité. La capitale qui accueille les visiteurs de l’exposition universelle de 1900, est devenue une Babel artistique.

Les années 1890 à 1900, sont celles d’une éclatante croissance économique, ce qui donne aux artistes d’avoir une place importante dans la société parisienne et ainsi attirent une riche clientèle étrangère. De nombreux portraitistes sont à la mode  : Boldini, Benjamin Constant, La Gandara, Carolus-Durand entre autres, ils installent leurs ateliers dans les beaux quartiers parisiens. Ce qui fait qu’un  écart se creuse entre la réussite financière des artistes mondains, qui  eux, reçoivent le tout Paris dans leurs salons ateliers, et la précarité des autres artistes qui sont installés dans des ateliers insalubres de Montmartre.

Les artistes membres de l’Institut exercent encore une influence déterminante dans l’enseignement des écoles d’art et l’attribution des prix. Cela créé des combats artistiques avec les adeptes d’une certaine modernité. Les principaux chefs de cette combativité en 1871 se sont éloignés de la capitale, à l’écart des mondanités parisiennes, sans pour cela quitter la scène artistique. Nous pouvons le constater avec Renoir qui fait de longs séjours dans le sud de la France, Cézanne est de retour à Aix, Monet s’est installé à Giverny, Gauguin prolonge son exil aux marquises. Mais leur influence s’affirme dans la capitale par la montée de leur cote et l’organisation de nombreux salons. L’impressionnisme tient un rôle de premier plan et génère une modernité. La palette est claire, la peinture est légère et s’adapte à tous les styles. Zola défend le naturalisme républicain en 1880 coexiste avec une réaction idéaliste et mystique. Les cercles littéraires défendent une écriture élitiste, raffinée, le mouvement symboliste trouve un public plus large dans une fin de siècle remplie d’incertitudes.

Paris offre aux artistes et aux amateurs d’art des lieux de rencontre et d’émulation. Les salons annuels présentent des milliers d’œuvres, ils attirent la presse et le grand public. De nombreuses expositions toute l’année,  permettent à de nouveaux talents de se faire connaître et attire la curiosité d’une clientèle ouverte à la nouveauté. Le marché de l’art à besoin d’entretenir l’innovation pour attirer les désirs des collectionneurs et développer la valeur spéculative de l’art moderne. Dans un contexte de rivalité avec les galeries et les collectionneurs étrangers, le rôle du marchand d’art se renforce.  Il devient le directeur artistique qui oriente ses artistes vers de nouveaux débouchés commerciaux. Ambroise Vollard privilégie le rapport direct avec l’artiste, s’impose comme dénicheur de talents. Il organise les premières expositions personnelles de Cézanne en 1897, de Picasso en 1901.

Quelques œuvres exposées :

"Madame Alexis Rouart et ses enfants" par Degas.

"Rochers au soleil couchant" de Maxime Maufra

"Le port royal et le pavillon de Flore" par Pissarro

"Le port de Londres"et les "Nymphéas"  Monet

"Café au bois de Boulogne "Vuillard

" La rade de Cardiff" Sisley.

"Rochers et branches à Bibémus" et "portrait de Vollard" Cézanne 1895

Maurice Denis "baigneuses, plage du Pouldu"

"Berthe Morisot" et "les sœurs  Lerolle" par Renoir.

Sculpture sur bois de Jules Desbois " La misère ".

Une sculpture de Raoul  Larche "la tempête et ses nuées" 1899

" Bustes de femmes " d’après le modèle de la gloire du moment de Jean-Jacques Rousseau par Albert Bartholomé

" La naissance d’Aphrodite" par Bourdelle

Paris un temple de la mode :

Le mythe de la parisienne : Depuis le XVII eme siècle un fossé sépare Paris et la Province dans l’imaginaire  des français, voir des Occidentaux. Paris étant capitale politique , culturelle, et de la mode, les habitantes se doivent de rivaliser d’élégance et de distinction. De nombreux portraits féminins sont exposés dans les salons. Des revues de mode comme "Fémina" et "Les modes" présentent cette parisienne comme un personnage de feuilleton. Mais c’est dans la rue qu’elle est la plus remarquée, quelle soit une bourgeoise passant rue de la Paix, ou  petite parisienne trottine, sa silhouette participe au spectacle de la vie moderne. Pendant l’exposition, un guide est apparu "Vingt jours à Paris pendant l’exposition universelle de 1900 " en fait un attrait touristique. L’image de la parisienne aguicheuse et ouverte à toutes rencontres, nous fait toucher aux fantasmes masculins de la Belle Epoque, Paris n’est elle pas la capitale de tous les plaisirs.

La parisienne bourgeoise habillée par Paquin, sculptée par Paul Moreau-Vauthier ou la petite parisienne ou trottines qui livre les chapeaux des modistes, incarnent l’essence de ce bon goût tout autant que la comtesse de Greffulhe ou la duchesse de Guermante  imaginée par Proust. Les riches clientes étrangères, partaient avec une ombre de cette gloire après la tournée des principaux couturiers et une pause dans l’atelier d’un portraitiste à la mode chargé de les immortaliser ainsi parées. 

Un chroniqueur contemporain définissait ainsi la parisienne différente des autres femmes par une élégance pleine de tact appropriée à chaque circonstance de la vie, ses caractéristiques sont la sobriété, le goût, une destruction innée et quelque chose d’indéfinissable que l’on ne trouve que chez elle , allure, modernisme que nous appelons le chic.  

Exposé :

Portrait de Madame Rémy Salvador par Antonio de la Gandara.

"La femme à Paris" par Pierre Vidal.

Une exposition de cartes postales de Bergeret  montre la journée de la parisienne

"Devant les Watteau du Louvre ou la redécouverte du XVIII eme siècle"  par Paul César Hellen

"La revue de la mode à la gazette de la famille" 1907

"Un ensemble d’amazone et chapeau "de Busvines (Londres)

Toile de  Georges Stein " cavaliers et attelages"

Une publicité pour la maison Redfern

Un boléro décoré de soie beige sur fond beige vers 1902

Une robe garden party, vers 1900 en mousseline de coton blanche avec entre deux de dentelle pour le corsage.

6 projets d’assiettes à dessert avec" figure de la parisienne " d’Albert Guillaume

Une vitrine est consacrée à Louis Dejean et ses sculptures, la parisienne, femme sur un tabouret, sortie de bal.

Un manteau cape du soir de chez Worth  pour la comtesse de Greffuhle, une photo est exposée la comtesse portant le manteau par Nadar.

Un éventail en tulle et dentelle appartenant à la comtesse de Greffuhle

Portrait de la comtesse Pillet-Will daté de 1900-1905 par Albert Menard

Quelques affiches publicitaires des grands magasins la Samaritaine, le Printemps, Magasin du Louvre.

"Le magasin des nouveautés" par Alex Lunois (peintre, graveur et lithographe).

"Georges Desvallières en soirée"par Pascal Blanchard 1903

Une robe du soir de chez Doucet en ottoman de soie et mousseline rose avec volant au décolleté

Un costume tailleur daté 1900

"Femme en noir "  par Lucien Daipy

Une robe habillée tea-gown , pour réunions intimes, il s’agit de la robe de Réjane (1898-99),  voile en coton blanc, dentelle de coton blanc, broderies blanches à motifs de fleurs roses.

Par Béraud "la parisienne place de la concorde"

Séance d’essayage  par Albert Guillaume dans un  petit illustré "des arts de la femme "

Une paire de bottines est également présentée.

Quelques chapeaux de Mademoiselle Mestayer en 1902

" Rue de la mode " Jean Béraud, ouvrières de chez Paquin sortent du travail rue de la Paix.

De Joseph Marius Avy "bal blanc "daté de 1903 c’est l’évocation du bal qui précède l’entrée dans le monde des adultes et l’annonce des fiançailles. Œuvre achetée par les artistes français en 1903

Une robe de chez Worth achetée par une cliente américaine vers 1895 en satin de soie orange, avec un liseré à motifs de bouquets floraux et plastron de dentelle ivoire.

Paris la ville spectacle :

Paris la nuit :

Paris s’amuse à Pigalle et s’encanaille à Montmartre :

Avec la modernisation de l’éclairage publique la nuit parisienne devient à la fin du siècle un temps accessible, un temps pour le travail et un espace pour les plaisirs. Paris installe sa réputation de ville festive, tentatrice corruptrice, provoquant les frissons du plaisir voir même d’un certain danger. Princes et aristocrates de toute l’Europe se pressent, magnats de l’industrie américaine, et du commerce international séjournent dans la capitale, tous attirés par l’aura sensuelle des nuits parisiennes. Leur vision de Paris, est faite de luxe et de plaisirs raffinés permettent l’édification de la belle époque. Dandy, cocottes, noblesse se croisent faubourg saint Germain, ils se croisent aux soupers, spectacles. Les boulevards sont les lieux privilégiés de la nuit parisienne, lieu ou l’on trouve le plus de salles de spectacles, concerts, théâtres, ballets se succèdent tous les soirs de la semaine. Le souper tardif après minuit est à la mode, c’est un moment d’affluence après les spectacles, on y découvre la gastronomie, le célèbre restaurant Maxim’s décoré de boiseries et les vitraux d’art moderne, le champagne coule à flots. Les cafés sont aussi très prisés, différentes salles sont à la disposition des clients, plus ou moins bruyantes quelques   petits salons richement meublés sont  lieux de rencontres. Au petit matin ils se retrouvent tous aux Halles. Ces nuits parisiennes se déroulent côté rive droite autour des Champs Elysées, Palais Royal, les Halles, excluant le Marais et l’Ile saint Louis, lieux ou résident de riches bourgeois, qui participent rarement à ce genre de soirées. La Belle Epoque ou rêve d’une fête perpétuelle. L’offre érotique de la ville fait rêver le monde  entier; le prince de Galles fréquente "le Chabanais" fleuron des maisons closes parisiennes. La production des cartes postales exploite ce filon de Paris canaille.

Quelques œuvres exposées :

"Un soir de grand prix au pavillon d’Armenouville" daté de 1905 par Henri Gervex

Un éventail "le bal de l’opéra"

Un tableau de Forain "Dans les coulisses", c’est à l’opéra, l’artiste porte un intérêt sur les intrigues qui se jouent dans les coulisses entre les abonnés et les jeunes ballerines qu’ils entretiennent.

"Les cartes ou une réussite " de Jacques Villon

De nombreuses photos illustrent cette séquence

Toulouse-Lautrec "La clownesque au moulin rouge "

Affiche et enseigne du " Chat noir"

Affiche " le divan japonais " par Toulouse Lautrec.

'Portrait d’Yvette Guibert 'par Emile Blanche

'Yvette Guibert en figurine' de Leonetto Cappiello en plâtre datée 1901

'Réjane' par Capiello 1902

Fauteuil de volupté du Prince de Galles à la maison Soulier

'Les danseuses ' de Fernand Pelez

Bourdelle "buste de Jane Avril"

Photo de Cléo de Mérode danseuse au corps de ballet de l’opéra

Une autre par Nadar

Liane de Pougy aux Folies Bergères par Paul Berthon.

Paris en scène :

Promenade dans Paris cabarets , cafés, théâtres, restaurants :

Avant de goûter aux nuits parisiennes, La capitale offre de nombreux divertissements et restaurants le Pré Catalan, le pavillon d’Armenouville ce sont les restaurants à la mode ou une société mélangée et cosmopolite commence sa parade en attendant l’heure du spectacle

L’effervescence des spectacles qu’offre Paris en 1900 se manifeste par un foisonnement de lieux, de formes et de genres, des plus populaires aux plus savants, des plus classiques aux plus-avant-gardistes et pour toutes les bourses.

L’opéra Garnier, lieu emblématique de la haute culture, une autre institution lui fait concurrence il s’agit de l’Opéra comique. Albert carré qui a pris la direction en 1898, en fait un lieu de création lyrique plus moderne, tandis que l’opéra Garnier est dominé par les œuvres de Massenet, Wagner. A l’opéra comique on présente Louise de Charpentier créé en 1900, ce roman musical met en scène, dans le Paris Montmartrois, une petite couturière parisienne.

La création chorégraphique se développe au  théâtre du Chatelêt, il séduit par ses féeries époustouflantes  mais surtout au Music-hall, ou l’on présente de véritables ballets. La danse est un peu méprisée par les intellectuels, car considéré comme divertissement à visée érotique pour messieurs en habits noirs. La danse  gagne ses lettres de noblesse alors qu’un art plus populaire est redécouvert la pantomime. Mallarmé se fait le chantre de cet art muet où s’essaient quelques-unes des Parisiennes célèbres tel que : Cléo de Mérode, Colette, Liane de Pougy.

Le café-concert et le Music-hall connaissent une vogue inégalée. On y fume on y dîne, on y boit tandis que chansonniers et comiques se produisent sur la scène. Au Music-hall les spectacles sont composites où se succèdent des numéros de cirque, de magie, des revues d’actualité à costumes légers, des ballets, opérettes pièces de théâtre. Les Folies-Bergère, l’Olympia, le Moulin-Rouge parmi les salles les plus fameuses. Le cirque est à la mode ce qui permet à des salles permanentes de s’installer à Paris, il est aussi prisé par les peintres et les poètes. Montmartre voit naîre dans les années 1890 les cabarets : "le lapin agile", puis "le chat noir", ils privilégient la chanson et la rime et sont fréquentés par la bohème artistique et intellectuelle.

Au théâtre certains acteurs sont connus hors de nos frontières, Sarah Bernhardt, Constant Coquelin. Les pièces de boulevard se jouent dans Les principaux théâtres privés, Vaudeville, Variétés, de la Porte Saint-Martin se trouvent sur les grands boulevards, dans les théâtres privés comme dans les théâtres officiels. Dans les théâtres : Antoine, de l’œuvre, théâtre libre on cherche à renouveler l’art théâtral par l’apport du naturalisme et du symbolisme. La nouveauté réside aussi bien dans la mise en scène que dans les textes, ils font appels à des auteurs étrangers méconnus, tel qu’Isben et Maeterlinck,   des artistes peintres, et non plus des décorateurs spécialisés, sont recrutés pour confectionner les décors, programmes c’est le cas  de Toulouse-Lautrec, Vallotton, Toorop, Munch, Vuillard. 

Le théâtre rencontre la concurrence du cinéma. En 1895, au sous-sol du grand café, boulevard des Capucines, les frères lumières organisent leur première projection publique. Georges Mélies, réalise de courts films de fiction  pour lesquels il imagine toujours de nouvelles trouvailles techniques. Il a publié en 1902 " voyage dans la lune ". Cette nouvelle forme de spectacle remporte un immense succès, la société Gaumont fonde ses premiers studios de tournage en 1897, et Pathé en 1902. En 1906 la première salle en dure pour faire les projections apparaît , boulevard Montmartre, auparavant les projections s’effectuaient dans des baraques foraines ou au court de soirées de Music-hall.

 Quelques unes des œuvres exposées :

Affiche de théâtre de Mucha pour la pièce d'Alfred de Musset, "Lorenzaccio" au théâtre de la Renaissance.

Un programme de "Raphael et Salomé" donné au théâtre de l’œuvre par Toulouse-Lautrec.

"Venise sauvée des eaux" programme de Toorop.

Un buste de Sarah Bernhardt, par Gérôme 1894-1909

 Par Béraud "spectateur au fauteuil de Balcon "

Lithographie de Mucha " les amants "

Coquelin Cadet (il s’est illustré dans les rôles des pièces de Molière)  en Mascarille buste de Bourdelle  en 1891

Aumônière de Sarah Bernhardt, de chez Lalique.

Jacquette de voyage pour l'actrice Réjane, de chez Jacques Doucet

Etude pour rideau de théâtre par  Jules Chéret.

Maquette pour le théâtre Grévin, par Bourdelle, pour les nuées relief destiné au dessus de scène.

"Une soirée au Pré-Catelan" d'Henri Gervex, ce ne sont pas des inconnus qui sont représentés sur le tableau, les dineurs vus à travers les baies vitrées, on peut y voir  : le directeur du journal le "Gaulois"  Arthur Meyer,  Liane de Pougy demi-mondaine, l'aéronaute Santos-Dumont et le marquis de Dion, promoteur de l'automobile, dans le jardin on y voit l'épouse du peintre Madame Gervex, elle discute avec la richissime héritière, Anna Gould accompagnée de son second mari, le prince de Tayllerand-Périgord.

Un phonographe avec pavillon daté de 1900 de la marque Pathé  

Une affiche pour Cendrillon de Massenet.

 Quelques extraits du catalogue de l’exposition

Magnifique exposition qui nous plonge dans l'univers de Paris 1900 , grande époque de révolution esthétique, l’art est partout, c’est la concurrence des styles, de nombreux   Salons permettent aux artistes du monde entier de  se rencontrer et de se faire connaitre, c’est  la naissance du 7eme art, des salles de spectacles. Grâce à l’exposition universelle Paris a attiré les visiteurs du monde entier.

A ne pas manquer jusqu’au 17 août Petit Palais Paris

Gustave Caillebotte naît en 1848 à Paris, il est issu du troisième mariage de son père Martial avec Céleste Daufresne. Deux autres enfants naissent l’un René en 1851 et Martial  en 1853, né d’un précédent mariage, leur demi-frère Alfred est ordonné prêtre en 1858. La famille Caillebotte à fait fortune en vendant des draps aux armées de Napoléon III.

1857, Gustave rentre au lycée Louis Legrand à Paris il y obtient son bac en 1869. Après l’obtention de sa licence Gustave est mobilisé pendant la guerre franco-prussienne, il participe à la défense de Paris dans la garde mobile. La même année il entre dans l’atelier du peintre académique Léon Bonnat (peintre portraitiste et collectionneur).

1860, Les parents de l’artiste achètent une demeure qui devient leur résidence d’été  à Yerres. A cette époque Gustave commence le dessin.

En 1872, Gustave part en Italie avec son père, rencontre un ami Giuseppe de Nittis (peintre italien), il peint pendant son voyage "Une route à Naples"

1873, il est reçu 46 eme au concours de l'école des Beaux-arts à 25 ans, la même année il peint sa première oeuvre connue "Femme nue sur un divan". Il rencontre Degas, Renoir, Monet.

 1874, son père décède et laisse une fortune, sa mère garde  la  propriété Yerroise.

L’artiste peint depuis 1872 de nombreuses œuvres dans cette propriété et dans la région plus de 80 tableaux. La fortune laissée par son père lui permet de  se consacrer à sa passion : la peinture.  

Il réside le reste de l’année avec son frère Martial à Paris, à l’angle de la rue Miromesnil et de la rue de Lisbonne, puis boulevard Haussmann. Les deux frères partagent la même passion (jardinage, horticulture, yachting, philatélie), et ont le même cercle d’amis jusqu’au mariage de Martial en 1887.

1875, Gustave séjourne et travaille à Yerres, il peint 'L'Yerres, effets de pluie", 'Le billard". Il présente "les raboteurs de parquet" au Salon, il est refusé. Le sujet traité heurtant par son coté quotidien ordinaire. Il garde des contacts avec des artistes comme de Nittis et Béraud.

 1876,année importante, il fait l'acquisition d'une oeuvre de Manet et se représente sur le pont de l'Europe construit depuis peu, achevé en 1868, ce pont surplombe les aménagements de la gare Saint-Lazare. Gustave devient membre du cercle de la voile à Paris et participe à la seconde exposition impressionniste, il y présente 8 toiles dont "Les raboteurs de parquets".

1877, il organise et finance la 3 eme exposition impressionniste, il y présente plusieurs toiles dont : "Rue de Paris", "Temps de pluie", "Le pont de l'Europe", "Les peintres en bâtiment", "Portrait à la campagne".

1878, décès de sa mère, il réalise « les orangers ».

1879, la propriété Yerroise est vendue. Gustave Caillebotte présente de nombreux tableaux à la 4 eme exposition impressionniste dont les canotiers, le  grand  triptyque   périssoire, les baigneurs, pêche avec Zoé.

1880, acquisition de la maison du petit Gennevilliers. 5 eme exposition des peintres " Indépendants ", on note l’absence de Renoir et de Monet qui exposent au Salon officiel. L’artiste présente 11 toiles dont « dans un café ». A la même période il peint : "la partie de Bésigue", " nu au divan ".

1882, 7 eme exposition impressionniste, l’artiste y présente 17 œuvres

1884, la production de l’artiste est dense  dans les dix dernières années de sa vie.

"Vues du petit bras de la Seine à Argenteuil ". " Vues des champs autour de Gennevilliers   et Colombes ". "Vues de Trouville ". " Le Père Magloire à Etretat" (le père Magloire était un jardinier). "Richard Gallo et son chien au Petit-Gennevilliers"  (Richard Gallo rédacteur au journal le "Constitutionnel", quotidien politique français fondé à Paris pendant les cent jours par Fouché sous le titre de l’Indépendant, il prendra son titre définitif que sous la seconde restauration) et "Homme sortant du bain".

1885, l’artiste peint "Le pont d'Argenteuil et la Seine" "Tournesols dans le jardin du Petit-Gennevilliers" "Soleils au bord de la Seine" "Enfant au canapé" "Portrait de l'artiste se promenant au bord de la mer" "Portrait de Jean Daurelle".  

1886, "Portrait en pied de Jean Daurelle " "Voiliers sur la Seine à Argenteuil" "Paris sous la neige".

1887 Gustave Caillebotte, laisse à son frère Martial l’appartement du boulevard Haussmann, et s’installe définitivement au Petit Gennevilliers. Il peint le vase de glaïeul

1888 il peint : "Paysage urbain sous la neige" "Portrait de Madame Renoir" "Autoportrait" Scènes de bateaux à Argenteuil et Natures mortes.

1891 : "Portrait de Madame Renoir dans le jardin du Petit-Gennevilliers" "Château au bord de la Seine, Argenteuil"

1892 : "Autoportrait" "Séchage du linge au Petit-Gennevilliers" Fleurs et scènes de bateaux à Argenteuil.

1893 : "Régates à Argenteuil" "Dahlias dans le jardin du Petit-Gennevilliers", "chrysentèmes jaunes et blancs"

1894,  Décès de l’artiste en février.

Sa technique :

Caillebotte aime les vues plongeantes. Il est le maître du cadrage, son sens de la composition est étonnant, il ose des constructions picturales inédites, il est fasciné par la modernité, il fait un arrêt sur l’image ce qui détonne à son époque. Il ne vise pas simplement à reproduire les impressions visuelles, et plus que le sujet, c’est sa la mise en scène qui importe. Les éléments de sa composition deviennent des protagonistes à part entière, dans ses œuvres ce qui frappe c’est sa structure souvent inattendue. Caillebotte s’interroge  non sur ce que le spectateur regarde mais sur la façon dont il regarde, et, sur les conditions de la visibilité.

Surement influencé par son frère Martial photographe. L’artiste a aussi une connaissance de l’art de l’estampe japonaise, on retrouve cet art dans plusieurs de ses œuvres dont  "Yerres, effets  de pluie ", " pont de l’Europe ".

Caillebotte se représente souvent sur ses compositions.

Son style :

Tout au long de sa carrière, il   développe un style, une esthétique, 

Sa palette :

Dès les années 1877-78,  son traitement se rapproche des impressionnistes, sa palette s’éclaircie, avec des touches fragmentées surtout en ce qui concerne les extérieurs,  ses portraits restent classiques. Des épaisseurs souvent extrêmes  dans sa peinture, (lorsqu’il n’était pas satisfait, il ne raclait pas ses toiles comme les autres artistes), il ajoutait couche sur couche, souvent le cas dans les rendus de l’eau. Quelques exemples avec les périssoires, le plongeon, les baigneurs, cela donne une intensité dramatique, avec une présence renforcée par un cadrage  serré.

Ses thèmes :

La botanique, jardins, les jeux d’eaux sur la rivière à Yerres, les scènes familiales, scènes de la vie parisienne.

Gustave Caillebotte était organisateur des expositions des impressionnistes pour les années : 1877, 1879, 1880, 1882. Lié  avec ces artistes, il exposait à leurs côtés.  Mécène et collectionneur, il possédait : 5 Cézanne, 7 Degas, 4 Manet, 16 Monet, 18 Pissarro, 8 Renoir, 9 Sisley.

L’époque de Gustave Caillebotte :

1852 proclamation de Louis-Napoléon Bonaparte comme empereur le 2 décembre 1852 jusqu’en 1870.

Paris connaît de grandes transformations urbaines sous le règne de Napoléon III , sous la direction du Baron Haussmann préfet de la Seine. D’immenses travaux ont bouleversé le Paris de l’Ancien régime avec la percée de grandes avenues et de larges  trottoirs, de nouvelles places, la construction des immeubles haussmanniens, des grands magasins (Printemps, Samaritaine, Bon Marché) l’Opéra Garnier. Le peintre Camille Pissarro peint de nombreux tableaux, il y montre la modernité des aménagements de la capitale, l’activité des grands boulevard, Gustave caillebotte présente également la gare Saint-Lazare, le pont en fer, les immeubles haussmanniens. C’est l’époque de la construction de la Tour Eiffel, des gares Saint-Lazare, Lyon, du Nord, Montparnasse. 

Ainsi Paris peut montrer  toute sa splendeur et toutes les nouveautés technologiques françaises, car la ville organise 5 expositions universelles entre 1855 et 1900.

Le second empire, marque une rupture dans l’histoire artistique du XIX eme siècle en France, l‘art officiel d’un côté de l’autre l’art Indépendant.

La politique culturelle de l’empire est pour l’art académique, représenté par Meissonnier, Cabanel, Bougereau comblés d’honneur par le régime, et à la tête  de l’académie des beaux arts, et dénigre l’art réaliste, illustré par Courbet, Daubigny, Millet, Rousseau.

De 1860 à 1880 la révolution industrielle apporte des changements dans le milieu artistique, le tube de peinture fait son apparition, un groupe d’artistes autour d’Edouard Manet dès 1860 se constitue en groupe indépendant, Degas, Cézanne, Monet, Renoir, Bazille et bien d’autres tentent d’exposer au Salon officiel mais son rejetés par le jury. 1863, le pouvoir décide d’ouvrir un Salon des refusés, on y découvre " le déjeuner sur l’herbe"qui fait scandale, " Olympia " autre tableau de Manet qui provoque également des réactions.  

Après la guerre de 1870, les artistes continuent leur travaille.

La III eme République est proclamée le 4 septembre 1870 par Gambetta, mais elle est instable, la société subi un choc  avec la Commune de  Paris en 1871, cela instaure un climat intellectuel de défiance envers toute innovation ou révolution artistique. Les artistes décident d’organiser leur propre exposition, le photographe Nadar prête son atelier.  

En 1874, le tableau de Monet "impression du soleil levant " est exposé, c’est le critique Louis Leroy qui employa le terme d’impressionnisme. La fin du siècle voit une explosion de styles et de courants dans la peinture française, et, de plus en plus salons voient le jour : dont  le "Salon des Indépendants" en 1884, plus tard  le "Salon d’automne en 1903".

Le marché de l’art s’est développé quelques grands noms Durand-Ruel, Le père Martin, Petit …..Les artistes vendent   leurs tableaux à des acquéreurs. L’art rentre ainsi dans une logique de marché, au même titre qu’un autre produit.

La propriété Caillebotte :

A l’entrée, sur la gauche du parc, le bâtiment principal nommé le « Casin » (nom inspiré de la Casina de Raphael, située dans les jardins de la villa Borghèse à Rome). La construction date de 1830 de style néoclassique, sur la façade une colonnade de style palladien, donne un côté très italien à la demeure. Deux statues dans des niches celle d’Apollon et de vénus.

La bourgeoisie de l’époque avait le goût pour l’Antique.

" Le casin " fait face au parc à l’anglaise de 10 hectares. Sur la droite la ferme Ornée, utilisée comme dépendances à l’époque, devant, une grande volière en forme de rotonde, les oiseaux étant recherchés pour leur chant,  installée en 1860 par Martial Caillebotte nouveau propriétaire et père de l’artiste. En prolongement de la ferme, le chalet suisse, ( laiterie à l’époque), la décoration raffinée, en bois, est  due au père de Gustave.

A coté l'exèdre ( dans le monde Antique, c'est une salle de réunion destinée à la conversation, statuaire gallo-romaine montrant l'enfant à l'oie, sorte de retour aux sources de la civilisation).

En continuant, le kiosque ou petit pavillon belvédère , il permet de dominer le parc avec une vue sur le mont Griffon, il est richement décoré, avec  ornements en bois et  griffons sur les vitraux, il est de style oriental. Dessous se trouve la glacière, elle fait 7 mètres de profondeur, permettant de garder les aliments au frais pendant l'été. La porte d'entrée encadrée par des rochers donne l'impression d'une grotte.

Proche une chaumière, de style montagnard, utilisée pour le rangement des outils . dans le prolongement, une petite chapelle recouverte de lierre, d'où son nom Notre-Dame du lierre, construite en 1864, à l'initiative du père de Gustave, en hommage à son fils aîné, Alfred, devenu prêtre. Son architecture : fin XIX eme , avec un mélange de style roman (arc en plein cintre) et néo-gothique (formes élancées et découpées). Au fond du parc, se situe le potager, apprécié par Gustave passionné d'horticulture.

En revenant vers le Casin, de l'autre coté du parc, une petite passerelle au-dessus d'un ruisseau, conduit le visiteur vers l'Orangerie, elle est de style néo-classique avec quelques figurines sur le fronton, élégance du bâtiment, utilisée pour abriter les orangers pendant l'hiver, on la découvre sur plusieurs oeuvres de l'artiste.

La rivière l'Yerres, passe tout le long de la propriété.

Par sa peinture l'artiste nous transmet sa vie de villégiature à Yerres, l'importance du parc, ses nombreux loisirs autour de la rivière. Toutes les fabriques (mot utilisé à l'époque) existantes dans le parc montrent qu'il y avait  de nombreux domestiques.

Plus de 40 tableaux pour le retour de Gustave Caillebotte à Yerres :

Différents thèmes pour illustrer la période Yerroise de l'artiste :

La première salle  est réservée aux activités sur l'eau.

La rivière l’Yerres :

Exposé :

"Périssoires sur l’Yerres " 1877

" Le canotier au chapeau haut de forme" 1878, Le personnage principal est en costume de ville, il occupe le devant de la scène.

Trois  toiles emblématiques datent de 1878, ce triptyque montre les bords de l’Yerres en été : l’eau, la nature,  qui favorisent les activités de la baignade, la pêche, le canotage :

"La pêche à la ligne " 1878, le personnage de profil au premier plan, quelques tâches de soleil passent à travers les arbres sur le chapeau, le dos et la jambe du pêcheur montrent l’intérêt de l’artiste pour la lumière et ses variations.

" Baigneurs,  bord de l’Yerres "  œuvre est plus  audacieuse le  personnage principal est de 3 :4 arrière, le visage caché, les fesses en évidences, il est situé dans la moitié gauche du tableau tourné vers l’extérieur, il est prêt à plonger.

"Périssoires sur l’Yerres ", la composition est plus cohérente dans la dissymétrie, le dos coupé, Caillebotte est familiarisé avec l’art de l’estampe japonaise.

Yerres, la ferme, le jardin :

Présentation de la palette et de la boite de peinture de l’artiste, depuis peu les tubes sont en étain, sa palette est de dominance de gris, violet, couleurs que l’artiste affectionne.

Gustave Caillebotte a présenté le domaine familial sous de nombreux angles, Yerres, Brunoy, Boussy Saint-Antoine, avec de nombreuses vues du potager.

Présenté :

"Prairie à Yerres" 1875

"Le Casin partie  de la façade sud" 1872-78

"Yerres, la colonnade du Casin" 1870-71

"Yerres de l’exèdre, le porche et la demeure familiale" 1875

"Vue du jardin de l’artiste et la vallée d’Yerres" 1877

"Le jardin potager" 1875-78

"Le mur du jardin potager deux toiles l’une" datée de 1877, et l’autre de 1875-78

"Yerres, le cheval bai cerise à l’écurie" avant 1879

"Yerres devant la ferme Ornée, la volière" 1872-78

"Yerres, l’allée du grand ah ah" 1872-78

"Boussy, la moisson paysage aux cinq meules" 1872-78

"Brunoy, le pont des Soulins" 1872-78, pont datant du XVIII eme siècle, proche la gloriette, dont le premier état fut commandé par Jean Paris de Monmartel (marquis de Brunoy)  à la même époque.

La vision de la nature :

Les impressionnistes ont représenté la nature changeante sous l’effet de la lumière, ainsi que les mouvements créés par l’eau, le vent et une variété infinie des couleurs du ciel. Caillebotte a su traduire à son tour ses impressions avec la nature à Yerres.

Exposé :

"Yerres,Effet de pluie" 1875, très bel exemple, comme le montre le motif choisi par l’artiste par sa composition, sa facture. Le point de vue sur la rivière et ses berges est décentré et joue sur les horizontales et les obliques, ce qui donne une profondeur, la rive inférieure est marquée par une diagonale qui contrarie la berge supérieure représenté par une ligne presque horizontale, l’ensemble étant ramené à la verticale dans le plan du tableau, c’est très proche de l’art des estampes japonaises. Un autre point, la pluie est invisible, elle est représentée par des ronds dans l’eau.

"Yerres, la pelouse dans le parc couché de soleil" de 1872-73 , quatre effets sont présentés.

"Yerres, sur l’étang les nymphéas" vers 1874

"Allée dans le parc à Yerres" 1872-78

"L’Yerres effets de lumière" 1872-78

La propriété familiale :

Sa période picturale s’étend sur 5 ans à Yerres :

Présenté :

"Le parc de la propriété à Yerres" 1875, l’ensemble dissymétrique, le banc est petit et semble partir vers le haut du tableau, l’herbe est brossée, le chemin en touches roses allant vers le violet, le personnage à  gauche sur le tableau fait pendant à l’arbre à droite ce qui équilibre la composition, et mène le regard vers le Casin.

"Jardin à Yerres" 1876

"Le parc d’Yerres" ,1877

"Peintre sous son parasol "1878,il s’agit de Edouard Dessommes, peintre amateur, ami de la famille invité à Yerres

"Camille Daurelle dans le jardin à Yerres" (fils du valet de chambre de la famille Caillebotte) 1877

"Autoportrait au chapeau d’été" 1872-78,le portrait est lumineux, grâce à la lumière venant de droite, l’artiste esquisse un léger sourire.

"Yerres, militaires au bois" 1870-71

"Yerres, les bouleaux" 1870-71

"Parc d’Yerres, chemin sous-bois"

"Le billard" vers 1875

"Portrait de Zoé Caillebotte" (cousine de l’artiste) 1877

L’univers parisien :

L’artiste a illustré de nombreuses scènes de la vie parisienne tel que les raboteurs de parquet, le pont de l’Europe, la leçon de piano 1881, postérieures à la période Yerroise évoque l’univers parisien de l’artiste.

Présenté :

" La leçon de piano "  1881, l’artiste a offert cette œuvre à son ami Monet, deux personnages féminins dans un cadre resserré, les personnes passionnées par la musique, le professeur de piano sur la droite du tableau lève la main surement pour battre la mesure,   l’élève coiffée de son chapeau. Elles sont vêtues de couleurs sombres, sur le piano quelques objets exotiques. 

Régate à Argenteuil, cette œuvre rappelle la passion de l’artiste pour la pratique du nautisme et son goût pour la représentation du vent, du mouvement des reflets et de la lumière.

" Le boulevard vu d’en haut " 1880, cette composition audacieuse termine l’exposition.

Un petit film montre la propriété à l’époque sous différentes saisons.

Quelques extraits du catalogue.

Exposition organisée dans la propriété de l’artiste, très belle association du lieu et des œuvres.

A ne pas manquer du 5 avril au 20 juillet, Yerres.