Antonin Artaud, nait à Marseille, le 4 septembre 1896, il décède à Ivry sur Seine en 1948.

Poète, romancier, acteur dessinateur et théoricien du théâtre français. Inventeur du concept du théâtre de la cruauté, dans le théâtre et son double ; il aura  tenté de transformer

 la littérature, le théâtre et le cinéma. Par la poésie, la mise en scène, la drogue, les pèlerinages, le dessin et la radio, chacune de ces activités a été un outil entre ses mains, un moyen pour atteindre un peu de la réalité qui le fuit.

Souffrant de maux de tête chroniques depuis son adolescence, qu'il combattra par de constantes injections de médications diverses, la présence de la douleur influera sur ses relations comme sur sa création. Il sera interné en asile, subissant de fréquentes séries d’électrochocs. 

En 1920, il rencontre Lugné-Poë , directeur du Théâtre de l'Œuvre.Engagé, Artaud révèle de grandes capacités d’acteur, il crée également les décors et les costumes pour "La vie est un songe "de Calderon de la Barca.

Max  Jacob lui suggère de rencontrer Charles Dullin,  qui vient de créer le Théâtre de l'Atelier et reprend les rénovations entreprises par Jacques  Copeau en 1913 « invention » du metteur en scène, et recréation d’une troupe de théâtre.

En 1923, il quitte Dullin   pour la compagnie de Georges et Ludmilla Pitoëff  installée à la Comédie des Champs-Élysées. Puis avec Roger Vitrac, Roger Aron   et l'aide matérielle du D^r René Allendy, psychiatre et psychanalyste, qui le soigne, il fonde le Théâtre Alfred  Jarry et définit une conception nouvelle de l'art dramatique dans le manifeste publié aussitôt :

« Si nous faisons du théâtre ce n'est pas pour jouer des pièces mais pour arriver à ce que tout ce qu'il y a d'obscur dans l'esprit, d'enfoui, d'irrévélé se manifeste en une sorte de projection matérielle. »

 Le théâtre d'Alfred Jarry présentera quatre séries de spectacles : " Les Mystères de l'amour" de Vitrac, "Ventre brûlé ou la Mère folle" d' Artaud et "Gigogne" de Max Robur (pseudonyme de Robert Aron), "Le songe" d'August Strindberg perturbé par les surréalistes en 1927, et le troisième acte du "Partage du midi" de Paul Claudel. Il s'ensuit une brouille avec Jean Paulhan et la reconsidération des surréalistes en 1928. "Victor et les enfants au pouvoir" de Vitrac sera la dernière représentation en décembre 1928.

Il fera de nombreux films en tant qu’acteur.  Mais c’est dans l’univers du  théâtre, chez Dullin qu’il

rencontre une comédienne d'origine roumaine, Génica Athanasiou , qui va partager sa vie de 1922 à 1927.

Génica nait en 1897 à Bucarest et décède en 1966 à Lagny.

En 1919 elle quitte la Roumanie pour devenir comédienne à Paris, elle étudie avec Charles Dullin.  Dès 1921, elle fait partie de la nouvelle troupe de celui-ci et participe à son premier spectacle. Un jeune acteur, nouveau membre de la troupe tombe sous le charme de sa beauté il s’agit d’Antonin Artaud. Une passion nait entre eux, chaque jour où ils sont séparés, Artaud lui envoie des lettres intenses, des poèmes, il écrit qu’il a trouvé  l’amour parfait, céleste qu’il  avait rêvé. Et il dira : Génica est le seul être avec qui je puisse être moi-même.

Elle fut le grand amour d’Artaud.  

En 1927, Génica joue dans "La coquille" et le "Clergyman"   réalisé par Germaine Dulac   sur un scénario d'Antonin Artaud. Dans les mois qui suivent, après cinq ans de passion et de tourments, les deux amants se séparent.

Sa carrière de comédienne se poursuit. Parallèlement au théâtre, elle se tourne vers le cinéma. En  1928 et en 1929 , elle joue dans deux films : "Maldone"  et "Gardiens de phare"   , films du réalisateur Jean Grémillon , dont elle devient la compagne. Leur relation dure plus de dix ans.

Toujours fidèle au théâtre, et à la troupe de Dullin, auprès duquel elle restera durant toute sa carrière, elle abandonne pratiquement le cinéma à la fin des années 1930.

C’est au théâtre de l’Atelier, lieu de rencontre d'Antonin Artaud et Génica Athanasiou que  cette lecture musicale est interprétée par Carole Bouquet, ce sont des extraits de la correspondance d’Artaud. Dans cette correspondance l’écrivain se livre, l’amour qu’il a pour Génica, sa jalousie mais aussi sa maladie, sa folie. 

Une chaise au centre de la scène  devant un rideau de fer (rideau coupe-feu),  la comédienne apparait  sous un faisceau lumineux, vêtue d’une robe sombre, seule en scène elle donne le ton à cette lecture, la passion et l’amour qu’Artaud avait pour Génica , elle partage même la souffrance de l’auteur, tantôt debout, tantôt assise feuilletant de gros cahiers comportant ces lettres qu'elle connait très bien, quittant la scène à plusieurs reprise laissant  le temps de passer quelques extraits musicaux.

La comédienne séduit, excellente performance. 

 Très belle soirée,   Jusqu’au 11 novembre 2010 théâtre de l’atelier Paris

Nous sommes à la fin du  XIX eme siècle. La France est profondément transformée par la révolution industrielle depuis 1850. 

 A Paris on entreprend de grands travaux, création de boulevards, on construit de nouvelles avenues avec des trottoirs et des arbres.

  Le contexte économique est prospère. Le developpement des techniques d'imprimerie est en marche, en particulier la lithographie. La diffusion des images est importante, l'illustration est omniprésente dans la vie quotidienne, les affiches, les livres, journaux, c'est la libération de la presse. Les magasins contribuent à l'intensification des échanges.

 Le chemin de fer est récent, le tourisme apparaît avec les stations thermales, Vichy, Aix les Bains, la Côte d'Azur se développe ainsi que la côte Normande. De nombreuses affiches apparaissent dans les gares et font la publicité des ces destinations en vogue.

 C'est l'époque de la grande bourgeoisie d'affaires, les Rothschild, les Pereire célèbrent la vie parisienne. Les fêtes sont nombreuses, les spectacles, les cabarets : Folies Bergères, Moulin Rouge, l'Opéra comique, le cirque, le café-concert, les théâtres, des affiches par milliers présentent les artistes de ces célèbres établissements.

 Les impressionnistes exposent, les affiches en font la publicité. On prépare l'exposition universelle de 1900.

 C'est la belle époque, Jules Chéret est au coeur de cet essor.

 La lithographie :

Chaque lithographe a sa technique. Le tracé peut être exécuté directement sur la pierre, tracé au crayon lithographique, à la plume ou au pinceau avec de l’encre lithographique que peut être étendue à la manière du lavis. On peut aussi avoir recours à diverses techniques afin d’obtenir des matières particulières. Soit gratter certaines parties du dessin, on peut aussi procéder à un report du dessin par un calque ou un papier report. Le tracé exécuté, la pierre est humidifiée pour l’impression, étant poreuse, la pierre calcaire retient l’eau. L’encre grasse est déposée au moyen d’un rouleau de caoutchouc, elle reste sur la pierre aux endroits imprégnés du gras du dessin tandis qu’elle est repoussée par l’humidité tout autour, (l’encre grasse est hydrophobe). Une fois la pierre assez encrée, on pose le papier et on passe sous presse. Pour l’impression en couleur, il faut recommencer l’impression de la même feuille, en redessinant chaque fois, sur une pierre différente, le motif en fonction de sa couleur, et en tenant compte des superpositions de couleurs qui donneront les teintes mixtes. Il y a une difficulté, il faut repérer le positionnement  de la feuille sur les pierres successives, car la feuille étant humectée tend à subir des variations dimensionnelles. On commence par les teintes les plus claires, pour terminer par les plus sombres et le noir.

 Selon certaines techniques, on utilise qu’une seule pierre, en ré-préparant la pierre et y redessiner chaque nouvelle couleur, en se basant sur le premier dessin qui subsiste sur la pierre. Dans ce cas la on ne peut refaire de nouveaux tirages, la pierre ayant été modifiée pour chaque couleur successive.

Les techniques évoluant, Engelmann a mis au point une méthode à la fois théorique : l'emploi des trois couleurs primaires : le bleu, le rouge, le jaune, auxquelles on ajoute le noir, pour obtenir toutes les teintes et nuances possibles. 

Et pratique : la mise au point des presses lithographiques munies de systèmes élaborés pour obtenir un bon repérage des impressions successives.

C'est le procédé de chromolithographie, il facilite le repérage et ne nécessite plus d'humidifier les feuilles, ainsi les difficultés sont résolues.

La lithographie est dite impression à plat, parce que le relief n'intervient pas dans le processus d'impression lui-même, et d'autre part, par opposition aux techniques modernes de l'offset.

Elle est adaptée à la production d'oeuvres d'artistes aux techniques variées, et à des tirages en quantité limitée.

Jules Chéret,

Il prend des cours à l'école des beaux arts et effectue le voyage typique d'une formation artistique de l'époque : l'Italie. Il est un admirateur du peintre Watteau.

Artiste peintre, lithographe, décorateur affichiste, et une grande qualité de coloriste. Il  se réfère à la tradition néo-rococo, il puise dans l’art du Japon, il participe à l’élaboration des rythmes de la vie moderne.

Il aborde  différentes techniques avec aisance.

  Il créé l’affiche artistique, devenu un maitre dans cet art, il est la figure majeure du musée de la publicité. Il tient sa place aux arts décoratifs par sa contribution à la décoration intérieure de la belle époque.

 Le personnage fétiche de ses affiches : une femme joyeuse, élégante qui semble toujours en mouvement. On la reconnait facilement et elle est une des caractèristiques du style Chéret : c'est la "Cherette".

Jules Chéret naît en 1836 à Paris. Son père est typographe.

Dès 1849, il reçoit une formation de lithographe et travaille plusieurs années comme ouvrier dans une entreprise spécialisée dans les images religieuses. Inscrit au cours du soir à l'école nationale de dessin, son maître Horace Lecoq de Boisbaudran ( professeur aux beaux arts) lui apprend l'esquisse de mémoire et le dessin de mouvement.

Il va à Londres en 1854, dès 1858 il réalise une affiche qui fut très remarquée, pour une opérette d' Offenbach

 " Orphée aux enfers".

1859, il repart à Londres, il va admirer les oeuvres de Turner et Constable, il rencontre le parfumeur Eugène Rimmel ( il a créé avec son père en 1834 le premier produit cosmétique non toxique, le mascara), il devient son ami et mécène pour lequel il exécute des étiquettes et des décors floraux.

1866, Jules Chéret ouvre son premier atelier de lithographie à Paris, il réalise de nombreuses affiches.

1881, il cède son imprimerie à la société Chaix (imprimerie de la SNCF), il en devient le directeur artistique.

1889, il présente sa première exposition personnelle d'affiches, pastels, gouaches au théâtre de la Potinière à Paris. Il obtient une médaille d'or, à l'exposition universelle.

1890, il reçoit la légion d'honneur, et débute son activité d'artiste peintre. Il rencontre un grand collectionneur Joseph Vitta, il devient son mécène.

1895, il commence son oeuvre décorative par l'exécution de décors monumentaux dans des lieux privés et publics.

1898, il part s'installer à Nice avec son épouse. Il reçoit des commandes importantes à partir des années 1900, tel que le rideau du théâtre du musée Grévin et la décoration d'un salon de l'hôtel de ville de Paris de 1896 à 1903.

1905, c'est la décoration de la Taverne de Paris.

1906-1907, il décore également la salle des fêtes de la Préfecture de Nice, dont le thème est la fête et le carnaval.

1925, il arrête de peindre, il est atteint de cécité.

1932, il décède à Nice.

Il a influencé les artistes peintres tel que Toulouse Lautrec, Pierre Bonnard, Edouard Vuillard.

 L'exposition est réalisée par le musée des arts décoratifs.

 Nous sommes dans la pénombre, l'éclairage orienté sur les oeuvres de l'artiste pour la mise en valeur.

 Dans la première salle on découvre quelques pastels sur toile daté de 1895-1900 " les jeux" et "tambour et clairon" , des affiches concernant la décoration de l'hôtel de ville de Paris .

Son idée de représenter un spectacle panoramique reprenant les thèmes Devel dans ses papiers peints. Son univers est inondé de lumière, de fleurs de personnages rappelant la comédia del arte. Femmes, fleurs il nomme cette composition "le bouquet harmonieux" assemblage de tâches de couleurs.

 Présentation de "La commédie" datée de 1891, La "danse"  et la " Musique" la même année, ainsi qu'une lithographie représentant la "Pantomime".pour le baron Vitta

.

 En 1892, époque où Evian devient un lieu de villégiature très prisé, le Baron Jonas Vitta, riche banquier et soyeux lyonnais, décide de construire une résidence au bord du lac. Elle est de style du  quattrocento florentin inscrit au Patrimoine de France.  Elle est décorée par de nombreux artistes : Cheret fait les peintures murales, " Les saisons" été", "hiver "  pour un panneau de  porte de la salle de billard, Brasquemond (bois), et Charpentier (dessin du mobilier) pour cette même salle. Rodin sculpte les dessus de porte en pierre de l’Estaillade aux motifs des Quatre Saisons.

Un autre projet de cheminée pour la villa de Maurice Fenaille à Neuilly (pionnier de l’industrie pétrolière, mais aussi amateur d’art, mécène et collectionneur, également membre de l’Académie des Beaux-arts) ; les éléments "la terre" et "l’air". En 1920 il décore la villa.

 1892, une autre lithographie "Hippodrome"

 Il fait l'étude du rideau du musée Grévin en 1900, présentation de "Pierrot et Colombine".

Dès l'hiver 1894-1895 une lithographie "Redoute des étudiants".

 L'affiche est dans toutes les maisons. Le développement de la publicité est important ou l'affiche à largement sa place.

 L'exposition présente également le travail de décorateur de Jules Chéret qui a conçu de nombreuses fresques et tapisseries ainsi que du mobilier.

Le salon présenté est composé de panneaux décoratifs, pendules,vases destinés à la chambre de la villa d'Evian( exécuté par Botta) en 1905, un paravent dont les peintures représentent "pantomimes, la musique et la danse" d'après les cartons de Jules Chéret 1913, un tapis en laine, les tons pastels représentent des guirlandes de fleurs "allégorie à la sculpture" de Chéret daté de 1925, tapisseries en laine et soie toujours d'après Chéret de 1911, le printemps et les roses 1909, tapisserie représentant déesses et roses ( suite des artistes du XVIII eme siècle).

 Dans une autre salle plus intimiste quelques tableaux, " le portrait de Katherine Smith épouse de Jules Chéret et deux enfants 1866 ", " le fumeur de narguilé" de  Jean Lorrain 1894, "la femme en noir au manchon 1885 ". Une vitrine présente les objets personnels de l’artiste, une plaque offerte lors de sa remise de légion d’honneur en 1890 par Goncourt,une  toile d’Emile Blanche le représente dans son atelier. Une revue illustrée, des livres, des dessins quelques photos et son buste. Un portrait de la baronne Vitta daté de 1908 qu'il a peint et celui de Marie Chéret daté de 1885 et son autoportrait en 1915.

En poursuivant la visite, on découvre les affiches qui illustrent l'art de la rue, on imagine très bien l'émerveillement du regard des passants à l'époque, elles donnent de la gaité, avec ces affiches on arrache la rue à la monotonie, elles attirent l'oeil et offrent un feu d'artifice de couleurs. Mais il y aussi le texte qui a son importance,c'est le spectacle de la vie parisienne, on présente la mode, les innovations, tel que la transformation de l'éclairage.

Une publicité pour les magasins du Louvre " jouets et étrennes pour 1891", Félix Potin dont un slogan vente les produits "expédition en franco dans les gares", le magasin Aux buttes Chaumont, représentent des mannequins en complets pour cérémonies, Chatriot "comestibles, gibiers, volailles, primeurs, avec un slogan "Ne quittez pas Paris sans faire vos provisions".Un David Coperfield par Dickens pour Hachette et cie. Félix Potin, précise  "transport vers la banlieue",

 Réservez vos places de spectacles avec théâtrophone daté de 1890.

 Le courrier français 1200 dessins originaux à l'Elysées Montmartre. Les affiches présentées dans les gares tel que :  Fêtes de Nice datée de 1907, préparation du carnaval, les chemins de fer d'Auvergne, Vichy,Royat, Cjerlont-Ferrand.

Mais revenons aux affiches de magasins "Au Buttes Chaumont, jouets et objets pour étrennes",

  Diorama au jardin des Tuileries, oeuvre de l'union franco-américaine.

Un autre sujet, les affiches illustrant les spectacles : Yvette Guibert au concert parisien, elle est représentée sur l'affiche. les folies bergères, le cirque, les hippodromes, le bal du moulin rouge.

exposition universelle de 1889, le pays des fées.

Saxoleine pétrole de sécurité d'éclairage, une élégante vêtue d'une longue  robe allume la lampe.

Une autre salle est réservée aux études, des publicités sur les romans d'Emile Zola "la terre", "l'argent" de beaux livres illustrés de l'époque sont présentés, dans une vitrine. Lulu, la gomme, les étoiles de Félicien Champsaur. Des revues de presse comme le Miriton

 Toujours des affiches TA RA Raboum polka américaine illustration de 1893.

Quinquina Dubonnet , une femme assise avec son chat blanc sur ses genoux, tient un verre d'une main, une bouteille dans l'autre main.

Un tableau, Emilienne d'Alençon, aux folies bergères, fusain et gouache daté de 1893,

Dans une vitrine on peut voir des oeuvres délicates tel qu'un  carnet de bal, des enveloppes pour cartes parfumées datées de 1873, elles sont agrémentées de fleurs, des roses, des violettes, un almanach décoré d'artistes peintres, le livre des parfums illustré par Jules Chéret. Il représente des femmes et des fleurs, des affiches de l'Opéra comique pour Mignon de Thomas opéra en trois actes, un autre pour Orphée aux enfers d' Offenbach.

Ses premières oeuvres ou les débuts Paris-Londres-Paris,

Son séjour anglais de 1859 à 1866, quelques partitions musicales, des calendriers, puis c'est à Londres qu'il découvre l'affiche murale, deux le rendent célèbre après son brevet en 1866 "Orphée aux enfers" et "La biche au bois".

Pour terminer cette magnifique exposition, une vidéo présente l'artiste à Paris, en Bretagne à la villa Ker Lamnec sa propriété, à Nice sur le perron de sa grande villa ou il est photographié avec sa famille.

Un grand interêt pour cette exposition, elle nous plonge dans le Paris 1900, par la mode, la nouvelle manière de s"éclairer, les publicités  commerciales, les affiches des spectacles, les illustrations des livres en vogue, la décoration de certaines villas. C'est la gaité, la joie de vivre, les affiches sont animées, la femme est belle, c'est une explosion de couleurs. 

  A voir aux musées des Arts décoratifs à Paris,  jusqu’au 7 novembre.

Une nouvelle saison commence pour les concerts du dimanche matin au théâtre des Champs Elysées

Yasmina Reza , femme de lettres et actrice née à Paris en 1959, son père ingénieur mi-russe mi-iranien, sa mère violoniste hongroise.

Son œuvre est variée, théâtre quelle a étudié, romans, essais.  Elle a reçue deux Molières pour ses pièces : "'Art " et "Conversations après un enterrement".

 Elle a suivi le président de la République pendant sa campagne électorale et a écrit un livre-enquête intitulé "L'Aube le soir ou la nuit".

Tous ses livres sont traduits dans une trentaine de langues ainsi que  ses pièces de théâtre -- qui ont reçu entre autres les prix anglo-saxons les plus prestigieux comme le Laurence Olivier Award (Grande-Bretagne) et le Tony Award (Etats-Unis), elles sont jouées dans le monde entier.

Ses pièces : "Conversations après un enterrement", "La traversée de l'hiver"  ,"Art"," L'homme du hasard", "Le dieu du carnage" , "Adam Haberberg ".

Frank Braley, pianiste français né en 1968. Après des études au conservatoire, Il obtient le premier prix de piano et de musique de chambre. En 1991, il obtient le premier prix et le prix du public du Concours musical international Reine Elisabeth-de-Belgique.

Invité régulièrement au Japon, aux Etats-Unis, au Canada et dans toute l'Europe, Frank Braley se produit avec des formations telles que l'Orchestre national de France, le Philharmonique de Radio France, les orchestres de Bordeaux, Lille, Montpellier et Toulouse, ainsi que l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le London Philharmonic, les orchestres de la Suisse romande et de la Suisse italienne, l'Orchestre de la radio de Berlin, l'Orchestre national de Belgique, l'Orchestre royal de Copenhague, l'Orchestre de Trondheim, le Tokyo Philharmonic, le Boston Symphony Orchestra.

En hommage à son père disparu, qui fréquentait souvent la salle de ce prestigieux théâtre des Champs Elysées pour assister à des concerts.

Yasmina Reza, est venue nous lire quelques extraits de ses œuvres «  nulle part » et  Hammerklavier »…….., l’auteur nous met en situation et nous donne le temps de la réflexion par ses silences. Accompagnée par le talentueux pianiste Frank Braley qui a interprété quelques  belles pages de Schubert, Bartók, Bach, Chostakovitch, Beethoven.

Rencontre entre lecture et musique. La force des mots à la rencontre de la musique des grands compositeurs.

Un excellent moment à la rencontre de deux grands talents.

Frank Braley a interprété :

Impromptu en do mineur no1 op 90 de Schubert

Danses populaires roumaines pour piano  no  3, 5, 6 Bartók 

Moment musical  en fa majeur no 3 op 94 de  Schubert

Concerto italien en fa majeur BWV 971 de  Bach 

Préludes et fugues op 87, no 4 en mi mineur, no 8 en fa dièse mineur, no 5 en ré majeur, et no 16 en si bémol mineur de Chostakovitch

Sonate no3  op 2 no 3 de Beethoven.

Le Gandhara, royaume ancien de l'Afghanistan et du nord-ouest du Pakistan, centré sur la vallée de la Swât et de la Khaboul, deux affluents de l'Indus.

Les villes principales Taxila, Peshawar, Kapishi, aujourd'hui Begrâm, étaient des centres culturels importants, sous l'autorité des satrapes (gouverneurs d'une région) indo-grec, allant de la période -30, puis sous celle des kouchans allant au moins jusqu'au III eme siècle.

 Ces villes étaient aussi des centres commerciaux entre l’Inde et l’Occident.

  Les satrapies, instituées par Alexandre, lors de la conquête de l’Inde. Satrapie de l’Indus supérieur donc  le Gandhara, gouvernée par Nikanor, l’Indus moyen, comprenant le royaume de Taxila et l’ouest du Panjâb dirigée par Philippos, et l’Indus inférieur couvrant le Sind, et la côte, pouvoir partagé par Oxyartès et Péithon.

Le royaume indo-grec est né pendant la période hellénistique, qui a conduit les grecs jusqu’en Asie du sud, où ils ont établi le royaume indo-grec. Son territoire s’est étendu du nord et nord-ouest du sous continent  indien. Ce royaume a existé pendant deux siècles, et a connu trente souverains avant de disparaître à l’époque de l’avènement du Christ.

Les rois indo-grecs, régnèrent sur une civilisation composite, cette civilisation, a su faire la synthèse des différentes influences qui présidèrent à la formation de leur royaume, cela s'est traduit dans l’écriture, le langage, la monnaie, la religion et la pensée. A la croisée des mondes bouddhistes, hindous et hellénistiques. Cette culture a disparue à l’époque des indo-scythes, ( les indo-scythes, branche des Saces ou scythes, indo-européens qui ont migrés de la Sibérie du sud en Bactriane (Bactriane, région importante de l’Asie centrale comprenant, l'Afghanistan, le Pakistan, la Chine, du  Tadjikistan, de l'Ouzbékistan et un peu du Turkménistan, située entre les montagnes de l'Hindu-Kush et la rivière Amou-Daria), en Sogdiane (Sogdiane, région historique recouvrant en partie l'Ouzbékistan, le Tadjikistan et l'Afghanistan , englobant les villes historiques de Samarcande et Boukhara et la vallée irriguée de Zeravchan , elle se situe au nord de la Bactriane), au Cachemire jusqu’en Arachosie (Arachosie, région antique située au sud-ouest de l'Afghanistan ), puis en Inde, du milieu du II eme siècle avant Jésus Christ au 1^er siècle avant Jésus Christ.

L’Empire Kouchan, fut un État qui, à son apogée, vers 105-250, s’étendait du Tadjikistan  à la mer Caspienne et à l'Afghanistan, et vers le sud, à la vallée du  Gange. Il disparut à l’invasion des Huns Hephtalites au V eme siècle. La dynastie Tokhare qui s’y était établie au 1^er siècle avant Jésus-Christ favorisa l’essor, de l’art gréco-bouddhique du Gandhara.

Cette zone était  fertile et peuplée depuis longtemps, parsemée de reliefs aux forment abruptes où se trouvaient bien souvent les temples bouddhiques.

Les fouilles eurent lieues sur le royaume voisin de Taxila, Alexandre Legrand y avait été accueillit. Plusieurs villes furent découvertes, les monastères bouddhiques de différentes époques se situaient dans les collines autour.

Les fouilles ont apportées des découvertes importantes : abondance des monnaies, des bas-reliefs en schiste quelque fois en stuc. Un monde paradoxal par la diversité des sources d’origines différentes qui ont su en parler, des textes grecs et chinois.

Pour le pèlerin chinois, le Gandhara est terre de légende, seconde terre du bouddhisme.

L’art du Gandhara est célèbre pour son style bouddhique,. Fusion d’influences indiennes et hellénistiques au cours des siècles, qui suivirent  l’expédition d’Alexandre Le Grand en Asie centrale au IV eme siècle avant Jésus Christ. Dès le 1^er siècle, sous la dynastie Kouchane on trouve le style Gandhara, Il disparaît au V eme siècle avec l’invasion des Huns blancs.

Le bouddhisme du Gandhara, est un mélange d’influences indienne, perse et Hellénistique, il a vu la naissance du Mahayana et a influencé le bouddhisme de l’Extrême-Orient.

Les premiers missionnaires en Chine, les sutras provenaient des régions indo-grecques et kouchanes.

Une influence aussi s’exerça sur le bouddhisme tibétain. Les manuscrits bouddhistes les plus anciens viennent du Gandhara ; ils sont écrits en gandhari, langage du royaume, cette langue est dérivée du sanskrit

 Le fondateur du bouddhisme tibétain serait né au Gandhara, à Padmasambhava.

A l'exposition, nous allons découvrir cet art gréco-indien empreint au monde Hellénistique.

 Le site de Taxila, Fouillé dès 1920 (John Marshall), il se situe proche d’Islamabad. C’était un centre d'étude bouddhiste antique, relié à la  route de la soie par le passage de Khunjerab, il attirait des étudiants de l'ensemble du monde bouddhiste ancien. Le site est en plein épanouissement entre le 1er et le V eme siècle, ainsi que Peshawar. 

il abrite 3 villes :

Une gréco-indienne : Bhir Mound

Les ruines de la ville forment une zone irrégulière mesurant 1km du nord au sud et 600 m de l’est en ouest.

La couche des ruines la plus ancienne date de l’origine au  V eme siècle avant notre ère ou :

Niveau IV- 6, 5 avant JC

La seconde couche du IV eme siècle avant JC, elle existait au moment de l’invasion d’Alexandre Le Grand ou :

Niveau III- 4 avant JC conquête d’Alexandre

La troisième couche est de la période de la Maurya, roi de l’Inde III eme siècle avant JC ou :

Niveau II -3 eme avant JC

La quatrième période, les constructions  après la période de  Maurya ou :

Niveau I- 2 eme avant JC et plus.

Une autre Gréco parthe : Sirkap

Site sur la rive opposée de la ville de Taxila, construit par les gréco-bactrien . Ce site  a été construit selon les hippodamien (Hippodamos de Milet, architecte grec, urbaniste), les plans caractéristiques grilles des cités grecques, organisé autour d'une avenue principale et quinze rues perpendiculaires, couvrant une surface d'environ 1200x400 mètres, avec un mur d'enceinte 7.5 mètres de large et 4,8 kilomètres de long. Les ruines sont de caractères grecs, semblables à ceux d' Olynthe en Macédoine.  

Niveau VII – pré-bactrien

Niveau VI – Début des bactriens

Niveau V – bactriens 190-90 avant JC

Niveau IV – Saka indo-scythes

Niveau III – Saka

Niveau II – Saka tremblement de terre 30 avant JC, domination Parthes.

Niveau I – fin des Parthes vers 5 eme siècle après JC

La troisième  Kouchan : Sirsukh

Cette ville a été fondée par les Kouchans, la dernière des grandes villes de Taxila. Le mur de la ville est d'environ 5 kilomètres de long et environ 5,4 mètres d'épaisseur. Il couvre une superficie d'environ 2300 x 1000 mètres en direction est-ouest, il est aménagé dans un style typiquement d'Asie centrale, avec des banlieues. Cette ville n’était pas habitée lorsque les Huns blancs envahirent le Pendjab au Ve siècle. 

 Autour des fondations bouddhiques plus tardives. Développement de l’art du stuc, proche de celui d’Hadda (Afghanistan).

Les œuvres présentées à l’exposition viennent pour la plupart de Taxila, de Sirkap, de Lahore. Environ 200 pièces, soit en or, en stuc, en schiste. De grandes photos permettent d'avoir une vue sur certains sites.

Ci-dessous Taxila.

On découvre :

Un Ivoire de Nisa (capitale des Parthes 250 avant JC), imprégnée de l’influence hellénisante de la Badriane grecque.

L’Athéna du musée de Lahore (ville du Pakistan), vraie ronde-bosse.

Bas-reliefs du Gandhara témoignent d’une atmosphère perméable aux apports venus de l’Occident, dans leur sens du mouvement de la profondeur. Le souvenir des grecs s’est gardé jusqu’à l’époque Kouchane, du temps de l’empereur Kanishka 120-146.

En suivant le parcours de l’exposition, dans la première salle:

Un bas relief "la légende d’Asoko ", un  stupa et un reliquaire (trois joyaux du bouddhisme) décor palmettes.

Un autre bas relief montre la retraite de Bouddha et un autre le culte de stupa.

Une vitrine est réservée au centre de Taxila :

Une femme debout, une feuille de vigne, patère à manche époque niveau II, une tête de faune Sirkap

Un miroir, une bouteille et un pot à fard.

Une autre vitrine présente des pièces de la période Sirkap II, Aphrodite, pendentif décor de cavalier, une bague, une divinité aux lions, fragment de femme assise, Harpocrates (ci-dessous).

Les soldats de Mare, décor motifs floraux (ronde-bosse) du Gandhara motifs sur d’autres pièces de Lahore, stèle avec les soldats.

Autre bas-relief, "les frères Kasyape éteignant l’incendie de Mare".

 Bouddha de Ganghara

Dans une vitrine : un reliquaire en forme d’architecture, lion (Taxila), l’adoration du stupa, Bouddha assis style de Mathura, reliquaire en forme de boite.

Des boucles d’oreilles en or ainsi qu’une  broche Amour et Psyché, broche à motif de croissant, pendentif, figurine femme debout époque (Sirkap niveau III)

Une reproduction en photo du site de Peshawar en fond représentation d’un banquet, une tête de femme de Taxila, tête masculine, une tête de moine , lotus, Taxila.

Stupa de Sikri  Lahore.

Dévot portant un reliquaire de Taxila au Swat.

Dynastie Kouchane 1^er et 3 eme , empire nomade qui s’installe sur les débris de la Bactriane grecque (statue).

Quelques bas-reliefs, un ascètes sur arcature indienne (Butkara III), dévots et Bouddha assis, l’école, visite en palanquin, musique et danse. Fragment de torchère, tête à turban (en vitrine)

Le retour au palais (Swat), la conversion du naga Apalala.

Photo du site de Ranagat.

Représentation de la femme à la fleur, statue en pied tenant des lotus. Buste de femme Bukkara (I) Harmika, scène de la vie de Bouddha, tête de Bouddha Bukkara (I). Dévot avec putti et guirlandes.

Reliefs de la vallée du Swat, ce site évoque le temple de Bel à Palmyre, style graphique, atmosphère romane. Le sommeil des femmes bas-relief, lion, Sahghao.

Yraksa (II) Taxila dans une vitrine un couple de Yakse, une torque, un collier niveau III, encensoir (IV), palette à fard, Apollon et Daphné (IV) Taxila.

D’autres bas-reliefs : chapiteau décor de quadrige Buthare (I), vendanges, scènes érotiques.

Le thème du vin et des vendanges est évoqué.

Thème trouvé fréquemment au Gandhara, souvent paradoxale au contexte bouddhique (période ancienne) rapportés des légendes grecques.

Augrupèdes musiciens.

Jataka légende bouddhique.

Gandhara veut dire peuple. Situé au-delà de l’Hindus kush.

Chronologie :

IV avant JC

III empire mauriya

II Royaume indo-grec

I invasions scytho-parthes.

Athos assis, palette à fard, Athos buste, Dieu du fleuve en vitrine

Des bas-reliefs représentent des scènes de banquet.

 Aphotéose bouddhique

Extraits du catalogue de l’exposition.

Très belle exposition à ne pas manquer qui permet de découvrir ou redécouvrir cet art métissé.

AU Musée Guimet Paris - Jusqu’au 16 aout 2010

 Tsugouharu Foujita, nait le 27 novembre 1886 à Tokyo, fils d’un général et médecin de l’armée impériale du Japon. 

Il fait des études à l’école des Arts de Tokyo jusqu’en 1910, année ou il obtient son diplôme.

Sa première commande officielle date de 1911, "le portrait de l’empereur de Corée", en exil au Japon.

Il décide de s’installer à Paris, fasciné par l’occident, surtout par l’art français, il rêve de Paris,  il y arrive en 1913 et continue d’étudier les arts à l’Ecole de Paris, il est peintre et graveur. Il rencontre Modigliani, Soutine, Pascin, Léger, il se lie d’amitié avec Picasso, Gris et Matisse. Mais aussi fasciné par le Douanier Rousseau.

L’artiste installe son atelier, Rue Delambre à Montparnasse il décide d’y faire quelques aménagements, que faire mettre une baignoire et l’eau chaude, dès qu’il aurait de l’argent. Des modèles viennent admirer ce luxe, Kiki de Montparnasse (modèle, muse et amante d’artistes célèbres, mais également, chanteuse, danseuse, gérante de cabaret, peintre et actrice de cinéma et anima le quartier Montparnasse, pendant l’entre-deux guerres de 1921 à 1939) , elle pose nue pour l’artiste,ainsi que pour Man Ray le célèbre photographe. Un portrait de Kiki sur fond blanc ivoire, " Nu couché à la toile de Jouy" fit sensation au salon d’Automne à Paris.

1914, il part à Londres.

1915,  Il est engagé comme coupeur-modéliste par le couturier Gordon Selfridge ou il obtient beaucoup de  succès.

1917, au café la Rotonde il rencontre Fernande Barrey c’est le coup de foudre. Ils se marient quelques jours plus tard. Cette même année il a ses premières commandes.

Il obtient très vite une notoriété surtout après l’exposition de 1918. Il peint de belles femmes et les chats, sa technique est originale. Il est l’un des artistes qui gagne beaucoup d’argent.

1918, il expose au salon d’Automne à Paris, ses œuvres à coté de celles de Matisse, Dunoyer de Segonzac et Maurice Denis.

1919, il est le sociétaire du salon d’automne.

1920, il est membre du jury de ce même salon, le président, Pierre  Bonnard.

1924, grand succès au salon avec son œuvre "Youki, déesse de la neige"

 1925, il est décoré de l’ordre de Léopold en Belgique  et fait chevalier de la légion d’honneur en France.

1927, il va habiter près du parc Montsouris, proche de Derain et Braque. Cela montre sa réussite.

1928, il décore la maison du Japon à la cité universitaire à Paris et réalise quatre grandes toiles combat, grande composition.

1929, il réalise pour le cercle interallié à Paris, huit panneaux muraux, le style est traditionnel. Il part ensuite au Japon il reçoit un accueil triomphal.

1930, rentré du Japon, il exécute une série de toiles uniques dans son œuvre, il montre un intérêt pour le surréalisme. Il rencontre Madeleine Lequeux, danseuse au casino de Paris.

Après la dissolution de son 3eme mariage, il part en Amérique du sud, avec sa nouvelle amie et y resteront deux ans. Nous sommes en 1931. Ils voyagent dans toute l’Amérique latine, de Cuba au Brésil, en Argentine organisant des expositions ou il rencontre un grand succès. A Buenos Aires, 60 000 visiteurs viennent à son exposition.

1933, ils partent  au Japon, il devient membre de Nikakai. Il réalise des peintures murales.

1934, il expose dans la célèbre galerie Nichido au Japon et au salon Nika,  manifestation prisée par la bonne société. Il commence une peinture murale dans un immeuble.

1935, Il réalise deux décors l’un pour le magasin  Sogo à Osaka et le plafond du grand café Colomban à  Giza. Il revient à Tokyo ou il rencontre Kimiyo Horyuchi qui épousera en 1954.

1936 Il participe à la 3 eme exposition des 10 grands maitres de la peinture occidentale, organisé par Kyuryudo dans le magasin Sisheido à Ginza. Il réalise également une peinture murale pour l’institut franco-japonais du Kensai à Kyoto, et pour le salon de thé d’un grand magasin Marubutsu.

1937, il relève le défit de construire le plus grand tableau du monde, il représente les fêtes des 4 saisons à Akita. Il se fait construire une maison traditionnelle au Japon.

1938, il va en Chine envoyé par le ministère de la Marine tant que peintres attaché aux armées de guerre. Il réalise des dessins de batailles. Plus tard il peindra "l’embrasement du nouvel aérodrome de Nanchang".

1939, il revient à Paris, jusqu’à l’arrivée des allemands en 1940. De 1939 à 1945, il se consacre à sa peinture, il organise des expositions de peintures de guerre.

1940, Il est nommé peintre officiel de l’armée de la grande guerre d’Asie.  

1941, alors que son père décède. Il devient membre de l’Académie impériale des Beaux-arts, Teikoku Geijutsu. La même année il est envoyé en Indochine française, comme attaché culturel, nommé par l’Académie et l’Association pour la promotion de la culture internationale au Japon.

1942, il est envoyé par la marine, sur le front du Pacifique sud comme officier et chef d’un groupe de peintres. Il participe à de nombreuses expositions consacrées à la guerre et à l’armée japonaise.

1943, il obtient le prix  de la culture du quotidien Asahi au Japon.

1945, sa maison est détruite à Tokyo

1946, Foujita veut rentrer définitivement en France.

1947, Il présente à l’exposition d’art contemporain de Tokyo, "Mon rêve ". Il envoi 40 toiles à New York ou deux expositions lui sont consacrées, il reçoit une très bonne critique 

1948, La galerie Shiseido lui consacre une exposition, et a participé à l’exposition totale d’art moderne du Japon, il présente "Mon atelier". Il veut rompre avec le Japon d’après-guerre, il fait une demande de visa pour les Etats-Unis.

1949, Grâce à l’intervention du Général MacArthur, il obtient son visa, il part aux USA, son épouse le rejoint. Il est nommé professeur à l’Ecole des beaux-arts de Brooklyn. Il achève sa série de toile en hommage à La Fontaine.

1950, Il revient en France. Il expose 50 toiles à la galerie Pétridès.

1951, Il part en Afrique du nord, plusieurs expositions lui sont consacrées, Alger, Oran, Casablanca. En Espagne.

1952, Il fait don de 4 toiles au musée d’art moderne à Paris : Mon intérieur, Café, Notre Dame, Quai aux fleurs, c’est un hommage à la France.

1953, Deux expositions en Espagne, Bilbao et Barcelone.

1954, Il organise une 3eme exposition chez Pétridès.

1955, il obtient la nationalité française, au Japon, à Tokyo une grande exposition lui est consacrée.

1956, Il illustre une œuvre de Cocteau, il s’agit du « Dragon des mers », sur son voyage au Japon.

1957, il est promu au grade d’officier de la légion d’honneur. Il illustre un ouvrage de son ancienne compagne " Confidences deYouki ".

1958, il est élu membre de l’Académie Royale de Belgique.

1959,Il illustre "l’Apocalypse de Saint Jean", livre tiré à 7 exemplaires , son poids 110 kg, cet ouvrage réunit : Dali, Fini, Mathieu, Zadkine, Trémois, mais aussi Cocteau, Rostand, Daniel-Rops, Guitton, Cioran, Giono, Jünger, ils écrivent un texte "la méditation sur la fin du monde".

Foujita se convertit au catholicisme, après une illumination mystique qu’il a ressenti dans la basilique Saint-Rémi à Reims. Le 14 octobre 1959, il est baptisé, ainsi que son épouse,  à la cathédrale de Reims et prend le nom de Léonard Foujita en hommage à Léonard de Vinci. Il a pour Parrain René Lalou, qui dirigeait la maison de champagne Mumm, il décide quelques années plus tard de construire une chapelle romaine, appelée Notre Dame de la Paix, commencée en 1965, terminée en 1966, il en fit la décoration.

En, 1961, il obtient la médaille d’or à la première exposition d’art sacré à Trévise.

Les expositions se succèdent dans le monde pendant ces années.

Il meurt en 1968, à Zurich. Il repose dans cette chapelle ainsi que son épouse.

 Ses œuvres sont nombreuses, des portraits féminins, des chats, les lutteurs, ses autoportraits .

Ses techniques :

Ses fonds blancs, lisses, satinés sont obtenus avec plusieurs couches de craie (appelé blanc de Meudon), et de blanc d’argent (plomb). L’opalescence est obtenue par l’adjonction, dans la dernière couche, de talc associé à l’huile de lin. Cette matière remplace la poudre de coquillage broyée utilisée en peinture japonaise, méconnue en France.

Le trait à l’encre de chine, l’estompe, le lavis. Il alterne l’encre et l’huile, il utilise aussi la tempera à l’essence. Il mélange les traditions orientales et occidentales.

Il est influencé par Michel Ange, Poussin, Rodin.

Foujita c’est La ligne de Holbein, la rigueur de l’Orient, le trait de Matisse.

Il a illustré de nombreuses œuvres littéraires, des légendes japonaises, de Pierre Loti, Claudel, Giraudoux, Kikou Yamata, Cocteau.

Montparnasse, ou le Paris du début du XX eme siècle

Le Paris des années folles, après Montmartre qui fit venir de nombreux artistes étrangers en France, Picasso fut l’un des premiers à déménager dans le quartier Montparnasse, plus au centre de Paris, ils vont créer une communauté artistique internationale et ainsi formeront l’école de Paris, Modigliani, Giacometti (italien), Soutine, Zadkine, Chagall, Marie Vassilieff (Russe), Gris, Picasso, Dali, Miro (espagnol), Diego Rivera (mexicain), Foujita (Japon), Nina Hamnett, Henry Miller (USA) , mais aussi Guillaume Apollinaire, le Douanier Rousseau, Bourdelle, Fernand Leger, Max Jacob, Blaise Cendars, Marcel Duchamp, Brancusi, Paul Fort, Jules Pascin ; Jean-Paul Sartre, Django Reinhardt. La photo avec Man Ray qui eut son premier studio tout proche, James Joyce, Cocteau, Gertrude Stein, Kiki de Montparnasse posèrent pour  ce grand photographe. Il créera une galerie d’art et après la guerre un journal " Montparnasse carrefour des arts". Des amateurs d’arts américains fortunés sont venus leur rendre visite tel que Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Harry Crosby, accompagnés de critiques, Lawrence, MacLeish, Joyce, Boyle, Faulkner, Parker.

Ils se retrouvaient tous  dans les cafés du quartier, le Dôme, la Closerie des Lilas, La Rotonde, le Sélect, la Coupole, le Bœuf dur le toit, ces établissements devenus renommés, acceptaient que les artistes affamés occupent une table toute la soirée sans être dérangés. Il y régnait une ambiance toute particulière, de grandes discussions arrosées d’alcool, ils ne payaient pas l’addition la plupart du temps, le directeur de l’établissement demandait un dessin, ainsi les murs de ces grands cafés étaient couverts d’œuvres d’art. La vie nocturne était aussi très  agitée, le bar Dingo faisait Montparnasse, les habitués tel que Scott Fitzgerald, Callagnan, puis il y avait les théâtres, le music-hall, Bobino, les artistes s’y produisaient tel que Damia, Kiki, Mayol, Georgius. Le groupe des Six, créant une musique fondée sur des idées de Cocteau et Erik Satie.

Marc Chagall dira pourquoi il était venu :

«  J’aspirais à voir avec mes propres yeux ce que j’avais entendu de si loin : la révolution de l’œil, la rotation des couleurs qui spontanément et astucieusement se fondent ensemble dans un flux de lignes conçues. Ceci n’aurait pu être vu dans ma ville. Le soleil de l’Art alors brillait seulement sur Paris. »

 C’est ce Paris là que découvre Foujita lorsqu’il arrive à Paris en 1913.

L’exposition

Quelques salles du musée des Beaux-arts sont réservées à l’artiste

Le premier thème :

Traditions, extravagance et volupté

Quelques toiles d’artistes contemporains de Foujita, un nu de Van Dongen, de Modigliani et bien sur un de  l’artiste. La période de 1921 à 1929, les tableaux de nus son au centre de son œuvre.

Un autoportrait daté de 1917, un de Kisling "femme au châle ", Modigliani fit le portrait de son amie " Jeanne Hébuterne".

Des masques, dont un autoportrait en bronze.

Un autoportrait de Foujita daté de 1922 sur fond or.

Peintures d'animaux ,tel que le lion du Douanier Rousseau, l’atelier de Soutine peint par Foujita et une vue de Cagnes, à coté  un paysage de Cagnes par Soutine.

La seconde salle présente :

Au grands fonds blancs ou le manifeste de 1928 " combat ".

Peintures monumentales. Quatre grandes toiles forment un diptyque, ce qui crée un jeu structuré d’oppositions,  entre lutte et volupté, le lien de l’homme à l’animal,  guerre et paix .Cet ensemble conclut le premier séjour parisien de l’artiste.

 Cette peinture presque monochrome démontre l’éclatante maitrise de ses fonds blancs opalescents.

2 des panneaux représentent des lutteurs (1928) les deux autres compositions aux lions et aux chiens.

Ces panneaux fonds blancs représentent pour les lutteurs des corps musclés, on y voit un de ses modèles favoris, Kiki de Montparnasse, des animaux dont les chats.

Il cherche à reproduire le marbre blanc dans sa peinture, dans les lutteurs un rappel de Michael Ange, les chiens, lions de Jean de Bologne, on retrouve aussi les influences de Poussin, Rodin.

On est saisi par la beauté de l’œuvre, la délicatesse,  la précision du trait, le rendu du corps humain, grand raffinement pour ces toiles monumentales, entre peinture occidentale et orientale.

Un portrait du lutteur japonais Tochigiyiema, il s’agit d’une peinture sur soie

  La salle suivante :

Le muralisme des années 30 et 40

Alternance de photos et peintures. Comme nous l’avons vu, Foujita fit un séjour au Brésil

"Mangue, les prostituées à Rio"  daté de 1932

Baptême de fleurs en 1959

Une grande photo représente l’artiste travaillant au Brésil.

La colombe, Le soleil , dessins de l'artiste comportant quelques anotations. (projets en cuivre ou fer non réalisés)

Il a également un peint certain nombre de boites avec un grand raffinement.

Autres tableaux "les grotesques"

"Les 7 péchés capitaux", esquisse pour les fresques de la chapelle,Notre-Dame de la Paix.

Quelques dessins pour les fonds baptismaux de la chapelle, étude pour un vitrail de l’abside. Foujita a eu un attrait pour l’art religieux occidental, dès 1917.

La nativité

Vierge couronnée par deux anges

Vierge miraculeuse

Vierge nourricière

En poursuivant nous arrivons à la salle de l’apocalypse

La crucifixion

La descente de croix

Les 4 chevaliers de Durer

Le Christ tableau et dessins

Quelques fresques pour sa chapelle Notre-Dame.

Reproduction de L’atelier de l’artiste, photos, objets personnels, objets de son quotidien soulignent son habileté créative en tout domaine et toute liberté. Grand art au kitsch, dans cet atelier un tableau «  l’âge mécanique » ici l’artiste fait référence à son enfance, on voit sur cette toile, avion, train, mécano.

Jean Cocteau dira " il est le Lewis Caroll de la peinture ".

Pour son œuvre, il s’ est inspiré  par la Renaissance italienne.

La ligne de Holbein, la rigueur de l’Orient, le trait de Matisse

Très beau parcours dans le musée des Beaux-arts de Reims, rendant hommage à ce grand artiste, peu connu.

Une autre exposition concernant Foujita se situe à Pithiviers à la Grande Halle de Chamarolles,  il y a environ 150 œuvres. Cette exposition marque le centième anniversaire de l’avènement de Foujita en tant qu’artiste, 1910 il obtient son diplôme.    A ne pas manquer

Jusqu’en 18 septembre 2010

Quelques extraits du catalogue de l'exposition. 

La chapelle Notre-Dame de la Paix :

A l’âge de 82 ans Foujita réalise cette chapelle, après la seconde guerre mondiale l’artiste  renoue avec la tradition de l’art sacré en France, il privilégie le dialogue entre l’architecture et la peinture.

Alternance de vitraux et fresques

En entrant, à droite, on voit Jésus lavant les pieds d’un apôtre, une Nativité, l’enfant Jésus couché au sol, éclairé par le rayon de l’étoile. Le portement de croix, qui suit, montre deux scènes différentes : Une saint femme essuie le visage de Jésus et Jésus console les femmes de Jérusalem.

La disposition de ces œuvres marque le début et l’achèvement de la mission terrestre du Christ.

La cène est disposée dans une voûte, les Christ et les apôtres sont assis à la table. Des vitraux présentent  des scènes tirées des danses macabres (fréquent au Moyen-âge), ces scènes évoquent les horreurs de la guerre au Japon. Sous les dalles du sol, le cercueil de Foujita et de son épouse. A coté une résurrection. Au fond de la nef, l’abside présente 3  scènes : Dieu le père en majesté, la visitation, au fond on aperçoit Notre-Dame de la Paix bénit et protège des femmes, des enfants. Sous la signature de l’artiste, il a représenté sa femme à genoux. La pêche miraculeuse. Quelques marches descendent dans la petite chapelle, consacrée à Notre-Dame des vendanges, un grand vitrail avec 6 panneaux : La création, la chute de l’homme, l’Arche de Noé, à droite, Notre-Dame des vendanges on y aperçoit la cathédrale de Reims et la basilique Saint Remi, à gauche, les 7 péchés capitaux. Les fresques suivantes présentent : le christ guérissant des malades, la descente de Croix et le baptême du christ. Au dessus de l’entrée, la crucifixion. La Vierge jeune mère en blanc, à droite, la Vierge de douleurs, en noir , elles sont agenouillées, leurs vêtement soulignent la courbe de la porte, Foujita s’est représenté dans la foule, également à genou proche de lui René Lalou.