Méroé est une cité antique de Nubie, capitale d’un royaume tardif. C’est un état indépendant qui c’était développé de -2500 à -1500 avant J-C, la capitale était Kerma.

La Nubie, aujourd’hui est une région au nord du Soudan et de l’extrémité sud de l’Egypte le long du Nil. Pendant un certain temps les souverains de ce royaume prirent possession du pouvoir sur toute l'Égypte, à partir de -747, et, pendant près d'un siècle, cinq pharaons noirs régnèrent. Défaits par les Assyriens, les nubiens refluent vers le sud.

Débute alors l'époque des royaumes de Napata puis de Méroé.

Napata est à la fois le nom d'un royaume antique d'Afrique et le nom de sa capitale. (Après le royaume de Kerma et avant celui de Méroé).

Le cœur de cet empire est limité par trois cours d’eau, le Nil à l’ouest, le Nil bleu au sud-ouest et l’Atbara au nord-est. Ce qui donne un aspect insulaire. Ce territoire englobe la plaine du Nil, qui s’élargit à cet endroit pour constituer le bassin de Shendi, ainsi qu’une vaste steppe, parsemée de collines, montagnes et de vallées sèches. La région possédait de grandes cités royales au bord du Nil, dont Méroé la capitale. D’autres grands centres religieux et politiques se trouvaient dans les terres tel que : Naga, Moussawarat, Es-Soufra.

Naga et Méroé deux cités impériales au Soudan.

Naga ville royale, située à 130 km au nord-est de Khartoum dans une steppe désertique.

La ville antique se présente avec le temple d’Amon et celui d’Apédémak.

Le temple d’Amon le plus important, dominait la ville comme une acropole, précédé par un immense pylône de 10 m de hauteur. Une allée de 12 béliers conduisait au pylône avec une porte en pierre. Cette structure rappelle l’architecture des temples égyptiens, se poursuit une salle hypostyle (salle dont le plafond est soutenu par des colonnes), il possède 8 colonnes, également dans les salles suivantes et dans le sanctuaire. Le temple serait du 1er siècle après JC époque du règne du roi Natakamani.

Le petit temple d’Apédémak du dieu-lion, est constitué d’une seule salle précédée d’un pylône (on peut y distinguer la reine Amanitore et le roi Natakamani victorieux, massacrant leurs ennemis.

Naga est le lieu de création de la monarchie méroïtique.

Méroé capitale de l’empire qui porte son nom et joue un rôle politique, économique, culturel et religieux entre le III eme siècle avant JC et le début du IV eme siècle. C’est une grande cité du Soudan sur les bords du Nil, au nord de Khartoum. Les villes de Napata, Kawa, Kerma sont plus au nord, et gardent une place certaine à cette époque.

Méroé capitale de Kouch, cette ville est apparue au V eme avant JC, décrite par Hérodote comme la capitale des Ethiopiens, peuple du sud de l’Egypte. Aujourd’hui appelés kouchites (nubiens).

Par les textes nous savons que les habitants de Méroé vénéraient de Zeus (Amon) et Dyonisos (Osiris). Des descriptions détaillées sur cette région ont étés apportées par Pline, Sénèque et Strabon, on y trouvait de l’or des pierres précieuses, des gisements de sel, du fer. Cette ville située au-delà de l’Empire romain, mais connue des auteurs classiques. Son déclin et sa destruction totale au IV eme siècle, par le roi Ezanas de l’empire Aksoum, les bâtiments démolis, mais le souvenir de cette grande capitale est resté, les travaux des auteurs classiques ont été conservés dans les écrits des savants arabes au moyen âge. L’apparition de l’imprimerie a rendu ces descriptions antiques de Méroé disponibles auprès des érudits, c’est ainsi que cette ville a été redécouverte.

 Méroé est l’un des plus grands sites historique et culturel d’Afrique, composé de pyramides, plus petites que celles d’Egypte, une nécropole royale. Pendant VI siècles, cet empire s’est étendu sur 1700 km.

 Placé au contact de l’Egypte Hellénistique 320 à 330 avant JC, puis romane 30 à 395 avant JC, Byzantine jusqu’à 640. Méroé a développé des traits culturels marqués par les influences croisées, issues de l’Egypte, Grèce, Rome, Afrique. Les créations architecturales sont remarquables.

Quelques extraits de la revue dossiers d’Archéologie.

Plus de 200 œuvres exposées, elles viennent de différents musées, Khartoum, Londres, Munich, Berlin, Leyde. L'exposition est divisée en plusieurs sections.

Dès l’entrée de belles sculptures : Un lion, un bas relief visage royal fin du 1er siècle début du second après Jésus-Christ, mélange égyptien et Africain.

Un petit film est présenté, permettant de découvrir les sites et paysages de cette magnifique région.

La découverte de Méroé par le Français Frédéric Cailliaud, premier ouvrage décrivant cette région, ainsi que les travaux de John Garstang et George Reisner, livre publié en 1826.

La seconde section présente la richesse et la diversité de l’artisanat méroitique.

Les premières pièces exposées font parties des objets du quotidien :

En céramique blanche faite de kaolin, nous avons des gobelets, bols à décor estampés de motifs cruciformes, des calices, des coupelles. La céramique noire ou très sombre (Soudan) motifs incisés ou imprimés en peigne (elle exprime l’aspect extérieur des vanneries) nous avons des gobelets, bols, écuelles. Quelques figurines d’argile, animales ou humaines, très stylisées tradition néolithique (vers 5000 à 3400 avant JC, les plus belles représentent des visages féminins (rituel de la fécondité).

L’art du métal, monopole royal dédié à la fabrication des armes, des flèches, haches, bols, coupes.

Les objets de prestige bien souvent trouvés dans les tombes royales et de l’élite.

Quelques œuvres présentées dans des vitrines successives :

L’orfèvrerie :colliers, bagues, clous d’oreilles influence hellénistique ou égyptienne.

Le verre, vases, amphores, vases à huile, influence de l’empire romain.

Les faïences d’influence égyptienne, vases et figurines.

 La troisième section est réservée à la langue méroitique :

Elle possède deux écritures, et comprend deux systèmes graphiques, 24 signes chacun : l’un hiéroglyphe, l’autre cursif.

Les hiéroglyphes réservés aux textes religieux, datent du II eme siècle avant Jésus Christ, usage royal et culturel, écriture sacrée.

La cursive a un emploi très large, elle date du 1er millénaire avant Jésus Christ, utilisée par le roi, les élèves, les tables d’offrandes, sur les stèles.

En exposition quelques bols gravés, ostracon (tesson de poterie réutilisé dans l'Antiquité comme support d'écriture), tables d’offrandes.

La quatrième section des vitrines successives présentent des chefs-d’œuvre illustrant les thèmes de la royauté, du panthéon, du temple et de l’au-delà à Méroé.

La royauté, réunie des peuples aux modes de vies diverses, agriculteurs et bien d’autres.

Le monarque possède un réseau de palais implantés dans les villes majeures. Après le 1er siècle plusieurs reines se succèdent dont Amanerinas.

Quelques bouchons de jarres, des pendentifs sont montrés.

Méroé et la vigne, fête de la crue du Nil avec le dieu grec Dionysos, autre fête le culte des ancêtres royaux. Présentation de reliefs provenant des chapelles, des pyramides, tables d’offrandes, rinceaux de vignes et grappes de raisins, tête de Dionysos, frises décorées.

Le Panthéon Deux divinités essentielles sont vénérées, Amon égyptienne, Apedemat locale. On trouve aussi des dieux pharaoniques d’un coté Isis, Osiris, Anubis, Hathet, Nephtys. Puis les dieux du Soudan ancien, Sebioumeker, dieu roi, Arensnouphir dieu chasseur, Mash dieu du soleil.

Représentées : Amon dieu dynastique (Egypte), des statuettes, bagues, différents sceaux .

Une vitrine est consacrée au roi archer Tabo, II eme siècle avant Jésus Christ, revêtu des attributs royaux, il porte un collier à triple têtes de béliers, double uraeus et diadème sur le bonnet kouchite. II est en bronze stuqué et doré, (découvert en 1974 sur la presqu’ile d’Argot) .

Le monde funéraire, on croit à la vie après la mort (on emporte ce que l’on possède dans la tombe). Une pyramide pour la famille royale. Une table d’offrande indispensable fait partie du mobilier essentiel dans la chapelle funéraire érigée devant la pyramide méroitique.

La statue fait partie du mobilier funéraire installé dans les chapelles, inspiration de l’au-delà égyptien.

Le temple monument essentiel, construction royale, honorant un dieu dont c’est la résidence (bonne marche du monde à la légitimation de la monarchie), modèle pharaonique pour l’architecture et la décoration, il possède une façade monumentale.

La fin de Méroé, cet empire décline à partir du III eme siècle, les nubiens sont des ennemis traditionnels, Il laisse place à trois grands royaumes nubiens : Nobadia, Makouria, Alodia, christianisés, ils se partagent la vallée du Nil.

 Le département des antiquités Egyptiennes du Louvre, a ouvert son premier chantier de fouilles en 2007. Cette exposition présente un certain nombre d’objets issus de ces fouilles effectuées proche de Méroé. Elle nous montre aussi l’importance de cette civilisation peu connue.Pourtant cet empire rayonna pendant plusieurs siècles.

Exposition à ne pas manquer au musée du Louvre jusqu’au 6 septembre 2010.

La petite république des Provinces-Unies (sept provinces), actuel Pays-Bas, née depuis 1581 de l’Union d’Utrecht (traité signé en 1579, il unifia les provinces désirant se séparer des Pays-Bas espagnols, les raisons sont politiques et religieuses. Ces provinces s’engagent à se soutenir mutuellement contre l’armée espagnole).  Cette petite République est entrain de devenir la première puissance commerciale du monde, pendant que le reste de l’Europe subit une récession qui va durer jusqu’en 1750.

Par la liberté du culte qui régnait aux Pays-Bas, une population diverse vint s’y installer, protestants, juifs, espagnols, portugais. Le culte dominant devint le calvinisme.

 Ces réfugiés rejoignirent une république en pleine croissance, qui offrait travail et liberté d’opinion.

La puissance néerlandaise ne reposait pas que sur les activités commerciales, l’importation des matières premières permit l’essor d’industries de transformation, la production à son tour alimenta les exportations nationales. Des raffineries de sucre, manufactures de tabac, tailleries de diamants, savonneries, huileries. L’industrie la plus importante reste celle des textiles dont Leyde fut la capitale. Environ 5000 personnes travaillaient dans l’industrie  de transformation.

Les écrivains et érudits s’y établirent pour publier en toute liberté et enseigner avec la fondation de l’université de Leyde et le développement de sciences humaines et naturelles, le pays devint l’un des centres du savoir ce qui  attira d'innombrables penseurs et savants de toute l'Europe. Les penseurs des Provinces-Unies ont également contribués à l’évolution du droit civil.

Plusieurs livres  traitant différents sujets tel que la  religion, la philosophie, les sciences naturelles, interdits ou quelques fois mis à l’index par l’inquisition, pouvaient être imprimés et distribués aux Pays-Bas. Au XVII eme siècle, la République des provinces Unies devint le lieu d’édition de toute l’Europe. Ainsi l’imprimerie et l’édition connurent eux aussi leur âge d’or au XVI eme siècle et XVII eme siècle.

A la tête de la société néerlandaise on trouvait, les nobles, les régents, on jugeait au statut social d’après l’appartenance familiale, le niveau d’éducation, mais aussi d’après la fortune et le revenu des personnes. Dans les autres pays d’Europe, la noblesse formait la classe dirigeante privilégiée politiquement et socialement. Il n’y avait presque plus de noblesse aux Pays-Bas, les clercs avaient peu d’influence, l’église catholique romaine ne dominait plus au profit de l’église protestante. Il n’y avait pas de souverain, de nobles, de clercs.  C’était les Régents et la haute bourgeoisie (riches marchands, armateurs, banquiers, entrepreneurs, officiers généraux) qui géraient la politique et la société, soutenus par la petite bourgeoisie composée principalement d’artisans, d’officiers qui eux géraient la politique dans les petites villes.

C’est le roi Guillaume Nassau par la guerre de 30 ans de 1555 à 1584, qui va conduire les provinces à l’indépendance.

Les Pays-Bas espagnols, territoires possédés par le roi d’Espagne, période allant du XVI au XVII eme siècle, ils comprenaient l’actuelle Belgique (sauf Liège), le Luxembourg, les Pays-Bas actuels et une partie du nord Pas de Calais).

Au XVI eme siècle l’Espagne et le Portugal deviennent grâce au colonialisme les premières puissances européennes et mondiales.

 En 1580, les néerlandais lancent des assauts sur le Brésil, ils s’emparent du Nordeste  de 1630 à 1661, ainsi ils vont obtenir des plantations de canne à sucre. Etant de redoutables corsaires ils vont détourner des marchandises provenant des navires des autres pays européen.

1584 début du siècle d’or qui va se poursuivre jusqu’en 1702.

Dès 1605, la Hollande exploite la pointe nord de l’Australie.

En 1602, ils créent la compagnie des indes orientales (pendant près de deux siècles l’un des piliers du capitalisme et de l’impérialisme néerlandais) et ensuite occidentales en 1608 (comprenant l’Afrique de l’ouest, le cap de bon espérance, l’Amérique, le Pacifique et la partie Orientale de la Nouvelle Guinée).

 Le monopole commercial néerlandais avec l’océan indien et l’Extrême-Orient devait perdurer deux siècles. Ses routes et commerces s’étendaient le long des côtes d’Afrique et d’Asie avec des comptoirs et mouillages en Indonésie, au Japon, Taiwan, Ceylan et Afrique du sud. En vue du commerce avec l’Afrique de l’ouest et les Amériques, c’est ainsi que les actionnaires créèrent la compagnie des Indes occidentales. Les autres routes commerciales, la Baltique, la Russie, commerce avec l’Italie et le Levant, les pays de la cote orientale méditerranéenne pour l’Europe.

En 1609 La Hollande et l’Espagne signent une trêve de 12 ans, la même année ouverture d’un comptoir hollandais au Japon  sur l’ile Hirado, et la cote ouest de l’Inde. Création la même année de la banque de change d’Amsterdam (première banque centrale au monde)

1611 c’est l’ouverture de la bourse d’Amsterdam.

Le capitaine Hatogh découvre l’Australie occidentale en 1616.

L’église réformée est reconnue officiellement en 1618-19.

Dès 1619, les Néerlandais fondent sur l’ile de Java  le comptoir de Batavia (aujourd’hui Jakarta), ils s’assurent le monopole  et supplantent les Portugais dans le commerce des épices avec l’Inde et l’Insulinde (vaste archipel comprenant l’Indonésie, les Philippines, le Timor oriental, la Malaisie orientale, Brunei, le territoire indien  d’Andaman et Nicobar).

1621, guerre entre l’Espagne et la Hollande.  

En 1625, fondation de la Nouvelle-Amsterdam (actuelle de New-York).

La Hollande obtient son indépendance avec l’Espagne en 1648, ainsi les néerlandais  devinrent l’une des puissances maritimes et économiques du XVII eme siècle. Décès de Maurice d’Orange. Frédéric-Henri devient Stathouder.

1633 la spéculation de la tulipe. Bulle économique pendant 4 ans

La Hollande déclare la guerre à l’Espagne en 1635

1643, massacre des indiens Algonquins par les hollandais.

1647 décès de Frédéric-Henri d’Orange, son fils Guillaume II  lui succède et décède en 1650.

1648, traité de Westphalie, les Pays-Bas dominent le commerce mondial.

Construction de l’hôtel  de ville d’Amsterdam  de 1650 à 1665.

Les hollandais s’installent au cap de Bonne Espérance en 1652.

De 1652 à 1654 c’est la première guerre entre l’Angleterre et la Hollande.

1656, les hollandais s’emparent du port de Colombo Sri Lanka

1664, la flotte hollandaise au profit de la flotte anglaise occasionne  la perte de New Amsterdam  

 1665 à 1667, seconde guerre entre hollandais et anglais.

Vers 1670, la république comptait environ 15 000 navires, cinq fois les effectifs de la flotte anglaise.

1672, La Hollande est attaquée par l’Angleterre, la France, l’évêché de Westphalie et Cologne. Guillaume III d’Orange est nommé Stathouder.

1673, les hollandais sortent victorieux de la guerre avec les anglais.

1678, fin de la guerre qui oppose la France aux Provinces-Unies et à l’Espagne depuis 1872.

1684, La France et la Hollande signent la paix.

1688-89, Guillaume III d’Orange envahit l’Angleterre de la Glorieuse Révolution et renverse pacifiquement James II d’Angleterre. 1688, guerre de la Ligue d’Augsbourg.

1689, Guillaume d’Orange est proclamé Guillaume III d’Angleterre.

1692, La flotte anglo-hollandaise écrase la flotte française.

1697, Les traités de Ryswick mettent fin à la guerre de la ligue d’Augsbourg entre Louis XIV et la Grande Alliance.

Le siècle d’or néerlandais caractérisé par la prospérité économique et culturelle.   Cette période recouvre une floraison de culture, d’art, cette prospérité est due à l’évolution sociale et culturelle de cette époque.

 L’instruction est plus rependue que dans les autres pays d’Europe, cette  jeune république présentait des conditions favorables au développement des lettres, presque toute la population savait lire et écrire dès le XVI eme siècle, le premier enseignement,  la lecture des écritures (influence protestante), les réfugiés protestants étaient de classe supérieure ou d’une  bourgeoisie cultivée, des écrivains, un apprentissage dans des petites écoles privées permettait d’avoir une connaissance, important chez ce peuple de négociants, apprentissage aussi  de l’arithmétique. L’enseignement secondaire était effectué dans des écoles latines pendant six ans, réservé à une élite. D’autres écoles illustres avec un  enseignement supérieur  dont les plus renommées l’Athenaeum d’Amsterdam et Leyde qui attira de nombreux étudiants étrangers dont  Descartes. 

 L’art et la culture,

L’épanouissement culturel y est intense et se différencie des  autres pays européens, car les mécènes et protecteurs des arts étaient de riches aristocrates, au Pays-Bas il s’agissait de négociants aisés, des familles praticiennes qui avaient ce rôle. Une classe moyenne  et les paysans enrichis créaient un potentiel décisif pour le développement économique, social et culturel du pays. Le marché était important pour  les biens industriels et artistiques, commerçants, artisans, officiers éprouvaient le besoin de faire valoir leur statut. Ils ont le désir de posséder des objets d’art, c’est ainsi que la demande des peintures profanes explosa, les portraits permettaient de montrer le rang social de la personne, ceci jamais vu dans d’autres pays, la possession du mobilier tel que des coffres, des objets pendules de luxe, des miroirs, de l’argenterie de la porcelaine,  donc prestige social. Cette richesse croissante  des Néerlandais assurait les revenus des artistes au XVII eme siècle.

Epanouissement de la peinture, nouveau secteur de l’économie, c’est le début de la commercialisation  de l’art, un nouveau métier se développa : marchand d’art. Les tableaux vendus étaient souvent des compositions aux  thèmes profanes, les tableaux d’église étaient délaissés depuis la Réforme,  une spécialisation se développa dans différents genres, avec des thèmes picturaux nouveaux, le paysage, les portraits individuels ou en groupe, représentation de la famille, les membres d’associations, des cérémonies, festivités, la nature morte fournissait des aperçus de la vie quotidienne de la bourgeoisie aux  intérieurs richement décorés. Il y avait même une hiérarchie des genres : L’histoire (et religion), le portrait, la scène de genre, le paysage, la nature morte. Enrichissement de la production même sur un plan stylistique, ainsi les commanditaires pouvaient apprécier la manière de l’artiste, qu’elle se rattache à la peinture italo-flamande ou néerlandaise. Les tableaux de petits formats n’étaient plus fait sur commande, mais trouvés au hasard des marchés, mais il se développa parallèlement un marché des toiles nobles, un marché de collectionneurs très actif.

Bien souvent les artistes se spécialisaient dans un thème

  Willem Claeszoon Heda et Willem Kalf peignaient des natures mortes, on y représentait un certain nombre d’objets qui variaient la composition par des modifications de détails. 

Jan Van Goven, Jan Van Ruisdael, Hobbema spécialisés dans la peinture de paysage.

Jan Steen, Adriaen Van Ostade et Brouwer la satire villageoise.

Terborsch, Pieter de Hooch, la comédie de mœurs (variante de scènes de genre) un exemple les fêtes paysannes

 Pieter Jansz Saenredam et Emmanuel de Witte peinture de monuments.

Thomas de Kevser et Frans Hals le portrait.

 Van de Velde les marines.

Paulus Potter, les animaux.

Philips Wouwerman spécialisé dans les chevaux.

Melchior d’Hondecoeter spécialiste des oiseaux.

Van Huysum spécialiste des fleurs.

Abraham Van Beijeren les fruits de mer, coquillages.
 

Pieter Claesz auteur du nautile d’argent.

L’exposition du siècle d’or hollandais présente peintures, dessins, œuvres sur cuivre, argenterie, faïences, ivoires toutes ces œuvres sont d’une qualité égale. On a la technique, la thématique, l’esthétique.

Quelques exemples par thèmes

Les artistes et leur monde :

XVII eme siècle en Hollande, un grand nombre d’artistes virtuoses y travaillaient Acquisition des œuvres d’art par les classes moyennes, les artistes se sont spécialisés, la première partie de l’exposition présente des portraits et autoportraits d’artistes tel que celui de Maria van Oosterwijck peintre de fleurs, œuvre du peintre Wallerant Vaillant 1623-1677, peintre mondain, succès auprès des praticiens. Maria était connue par ses bouquets, disposés sur un fond sombre, des vanités et aussi des natures mortes, ici elle est représentée un livre sur les genoux (symbole d’érudition) dans la main gauche une palette et des pinceaux, elle a une certaine assurance, elle porte une robe de satin jaune, avec une encolure décolletée avec des rubans, c’est la mode de l’époque.

D’autres œuvres de David Bailly autoportrait, Van der Helst portrait de Van de Velde artiste peintre, Van Ostade l’atelier du peintre.

Natures mortes et arts appliqués :

Les natures mortes étaient à la mode, certains artistes s’étaient spécialisés dans cette discipline, on y trouve des fleurs, des vanités, tel que des cranes, sabliers bien souvent associés avec des objets de valeurs. La subtilité de la lumière le rendu des objets  et des textures, la composition en ont fait des œuvres très prisées.

Un exemple avec une œuvre de Jan Davidsz de Heem 1606-1684 artiste qui se spécialisa dans les compositions florales vers 1650, il devient un maitre du genre. Il est un grand observateur de la nature. La composition florale présentée dans un vase en verre sphérique sur un dessus table en pierre, les fleurs sont recouvertes de petits insectes, beaucoup de fleurs différentes dans cette composition, tulipes, pivoines, œillets et autres, les fleurs de coloris semblables sont regroupées, chaque fleur est présentée avec beaucoup de détails. Grande délicatesse, respect dans l’harmonie des  couleurs, dégradations de roses et de blancs des pivoines placées au centre de la composition  rehaussées par les tons chauds de rouges des tulipes et œillets.

Autres œuvres, Davidsz de Heem, nature morte avec des livres, Van de Velde, nature morte avec un grand verre de bière, De Bray, fleurs dans une vase de verre, Abraham Mignon, nature morte aux fruits, huitres et compotier de porcelaine

La ville :

Grande concentration de population dans les agglomérations urbaines, alors que le reste de l’Europe est rurale. Le commerce et l’industrie sont florissants, de nouveaux métiers apparaissent. De nombreux artistes trouvent inspiration et modèle dans leur environnement.

Construction de l’hôtel de ville d’Amsterdam en 1638, aujourd’hui c’est le palais royal. 

Gerrit Berckheyde 1638-1698, cet artiste rend hommage à l’édifice le plus emblématique néerlandais du XVII eme siècle. Ce bâtiment est de style classique italien il  fut conçu par Jacob van Campen.

L’artiste en remplissant la toile par cet établissement a voulu montrer l’admiration qu’il avait pour l’architecture de Campen. Quelques personnages au premier plan devant l’hôtel de ville, ce sont les marchands et conseillers élégamment vêtus, d’autres personnes un cheval sont sur la place. Diversité des personnages pour montrer le coté cosmopolite d’Amsterdam.

Autres œuvres, Cuyp, vue de Dordrecht,Van der Hoeyen, plan de la ville d’Amsterdam, Van der Heyden , le pont levis, Jacob van Ruisdael, vue de Haarlem, Jan Steen, le boulanger de Leyde

La campagne :

Les peintres au XVII eme siècle découvrirent la campagne, c’est un plat pays traversé par des fleuves, source d’inspiration, les rivières et le ciel ont une place importante dans la composition de leurs tableaux. De nombreux artistes préféraient les paysages idéalisés d’Italie, ces paysagistes pour la plus part venaient d’Utrecht et avaient travaillés à Rome.

 Paysage hollandais avec le Ponte Molle (huile sur cuivre) de Jan Both 1615-1652, il est resté 5 ans en Italie, il a réalisé de nombreux croquis pendant son séjour, sur cette toile il représente des éléments d’architecture sur la gauche, la structure un vieux pont de pierre, la tour située derrière le pont est la tombe de Plaute, la campagne ressemble aux environs de Tivoli, à l’arrière plan, collines et montagnes , au premier plan un cheval drapé de rouge, les motifs ornant un char à bœuf, les arbres, les plantes reproduits avec de nombreux détails. La lumière est dorée, les contours des collines dans les tons bleutés.

 Autres œuvres Jacob Van Ruisdael, le château de Bentheim, Van de Velde , la hutte d’un berger dans un bois, Hobbema, le moulin à eau.

Images et objets religieux le monde de Rembrandt :

Rembrandt réalisa un certain nombre de portraits d’apôtres, tous avec une atmosphère religieuse, un exemple avec le reniement de saint Pierre, œuvre saisissante. Dans l’ombre deux soldats attendent la réponse de saint Pierre de savoir si toutefois il connaît Jésus, le visage de Saint Pierre est tourmenté il est éclairé par une source lumineuse, ce qui attire notre regard, la flamme de la bougie est cachée par la main de la jeune fille qui tient la bougie à la gauche de Saint Pierre. Dans cette œuvre Rembrandt joue avec le clair obscur élément constructif du tableau, la matière est travaillée d’une nouvelle manière, il utilise la technique de l’empâtement, ce qui consiste a appliqué la peinture en couches d’épaisseur inégale, le relief obtenu confère à la toile une texture et une luminosité remarquable.

Citoyens régents et aristocrates dans la République :

Dans la seconde partie du siècle, il y a plus de régents et de citoyens nantis, ils ont un certain standing et se font immortaliser dans des tableaux, mise en valeur de l’image de marque.

Frans Hals,1582-1666, grand portraitiste de l’époque, il peint le portrait de Mr et Mme Hasselaer, le mari représente un certain dynamisme, sa chevelure est bouclée et indisciplinée, son corps est désaxé par rapport à sa tête, sa main gauche posée sur sa hanche, le bras droit repose sur la chaise ou il est assis, son vêtement sombre est orné  d’un grand col d’une magnifique dentelle blanche , on aperçoit aussi sa manche plissée blanche également, son épouse fixe le spectateur, sa chevelure tirée, une immense fraise recouvre une robe sombre au broderies d’or, un col de dentelle sort de la fraise , les vêtements sont couteux , ce couple a un certain standing. Le style de Frans Hals est spontané, la palette est claire.

Autres œuvres, Jan de Bray, l’imprimeur de Haarlem, Ter Borch, Jacob de Graeff

La république et le commerce mondial les Indes hollandaises orientales :

Le commerce avec l’Extrême-Orient a une influence sur l‘art hollandais, les poteries, l’or, les épices, les ivoires, la soie.

Les exemples sont nombreux, Jacob Coeman montre Mr Cnoll et sa famille à Batavia avec les domestiques derrière eux ils ont la peau plus sombre et les pieds nus, dans le lointain s’éloignant des navires marchands, il est venu à Batavia pour travailler à la comptabilité de la Compagnie des Indes, et a épousé une japonaise, ils sont élégamment et  richement vêtus, les boutons sont en or, les robes en soie, colliers de perles .Ce tableau obtint un grand succès. 

Les scènes de genre la vie quotidienne :

Ce sont des peintures qui relatent la vie des personnes dans leur quotidien, avec quelques messages cachés.

Vermeer, la lettre d’amour, dans ce tableau Vermeer scrute l’intimité, la lettre d’amour un message sous-jacent, la clé de l’interprétation réside dans la combinaison des motifs au XVII eme siècle, le bateau sur la mer, c’est le thème de la poésie amoureuse, le navire et le galant, l’océan l’amour. Le spectateur est voyeur nous sommes dans le vestibule, nous regardons par la porte, de ce fait il fige le moment et le rend mystérieux. La palette est dans les tons de jaune, blanc, bleu.

Autres œuvres, Rembrandt, son fils Titus, Ter Borch, jeune fille assise en costume de paysanne, Van Ostade, paysans, scènes d’intérieurs, Jan Steen, femme à sa toilette, Pieter de Hooch, scène d’intérieur mère épouillant son enfant.

Exposition à ne pas manquer, le siècle d’or hollandais, période de bouleversements au Pays-Bas de nombreux événements  apportent dans la peinture de nouveaux thèmes, grande richesse culturelle  et artistique.
 
Extraits du catalogue de l'exposition

A la Pinacothèque Paris jusqu’en février 2010.

Venise est fondée au V eme siècle sur la lagune, cherchant à échapper aux invasions barbares, elle doit sa fortune aux croisades, elle fut capitale d’un empire maritime et commercial.

 Au XIV eme siècle, Venise possède le port le plus important de la Méditerranée, et du conquérir des terres sur la lagune pour étendre la surface urbaine de la cité.

Son déclin commença avec la progression turque en Méditerranée (qui la priva progressivement de toutes ses terres grecques, à l'exception des iles Ioniennes , et de ses accès aux débouchés de la Route de la Soie.

Sa lente décadence commence avec la prise de Constantinople en 1453.

Au  XVI eme siècle, malgré la victoire sur les Turcs à Lépante en 1571, où les Vénitiens furent très engagés, la république de Venise entre dans un déclin politique et économique.

Le  commerce européen est  détourné vers les océans (découverte de l'Amérique).

Deux incendies dévastateurs au Palais des Doges en 1574 et 1577  détruisirent un siècle de peinture, une épidémie de peste 1575 et 1577 décime une partie de la population.

 Malgré cela   elle connaît un très fort rayonnement culturel. Elle reste capitale culturelle pendant plus d’un siècle, elle triomphe sur toute l’Europe. Ce bouillonnement culturel est du aux commandes artistiques des familles patriciennes et des confréries religieuses.

Elle tient tête par l’architecture, les églises les palais.

Par contre il y a aucune possibilité d’avoir des fresques, car elles seraient détériorées par l’humidité et le salpêtre.  

De nombreux artistes y naquirent où s’y installèrent.



 

La peinture au XVI eme siècle à Venise :

C’est un grand siècle pour l’art vénitien, il propose un grand nombre d’artistes, l’architecte Palladio, les peintres Titien, Véronèse, Tintoret. Cet épanouissement nous le devons à Giorgione (1477-1510), maillon entre Bellini et Titien. Cet artiste reprend les grands thèmes iconographiques vénitiens,  mais il apporte dans la lumière, aux couleurs une subtilité nouvelle, cela lui permet de traduire un phénomène atmosphérique, un exemple « la tempête », un frisson traverse le paysage, il s’obscurcit, des touches  cuivrées se mêlent a des tonalités de plomb, les deux personnages sur la toile restent indécis. (Tableau ci-dessous).


L ‘école vénitienne :

C’est le symbole de la couleur et de la puissance de celle-ci. Caractérisée par  le gout pour le faste, les brillants, effets d’architecture, les trompe-l’œil audacieux, les chevelures, les bijoux, les étoffes  chatoyantes venues d’orient.

Mais  une influence va s’exercer à  Venise qui va allier les découvertes picturales du nord, (une toile des frères Van Eyck, arrive à Messine  par  l’intermédiaire d’Antonello, cette toile est peinte à l’huile. Antonello montre cette technique aux vénitiens).

Les peintres se précipitent sur cette technique.

A la même période on invente un nouveau mode de tissage des voiles, ce qui permet aux bateaux d’aller plus vite. On utilise cette toile pour la peinture à l’huile. C’est une révolution le transport des toiles va pouvoir s’effectuer, il suffit de rouler l’œuvre et de la faire voyager.

Les trois thèmes importants de l’époque :

1^er la peinture religieuse

2 eme L’antiquité (Ovide pour sujet)

3 eme Les portraits.

La peinture est à son zénith :

Titien peint les visages de l'inquiétude, et la clientèle des gens importants.

Véronèse peint la  fête vénitienne et sa splendeur, les patriciens.

Le Tintoret l'émotion dramatique, il aura la clientèle religieuse.

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Titien, nait  vers 1490 à Pieve di Cadore, proche de Venise. Il débute son apprentissage à l’âge de 9 ans chez Zuccato et Bellini à Venise, il effectue un séjour dans l’atelier de Giorgione qui lui transmet  le gout du paysage, qu’il va rendre plus naturaliste. Mais on retrouve l’aspect fondu de Giorgione et  du Corrège sur le traitement des chairs délicates, les contours indécis, les paysages vaporeux  avec lesquels elles fusionnent volontiers, ainsi que dans les matières veloutées.
Dans sa peinture, les couleurs deviennent éblouissantes, soleils, mêlant ainsi au sein de notre regard ébloui les personnages à leur environnement.

Titien est  considéré comme un des plus grands portraitistes de cette époque, notamment grâce à son habileté à faire ressortir les traits de caractère des personnages. « Il libère aussi la peinture des contraintes de la ligne et de la forme où elle était emprisonnée depuis le Moyen Âge finissant, et cela pour donner tout pouvoir à la couleur. »

Il est le cœur du pouvoir, il peint les rois et empereurs il décide de l’avenir de ses confrères. Portraitiste de génie resté célèbre par la sensualité de ses sujets et de sa touche, il est le maitre de la peinture et maitre des destins.

A la mort de  Bellini en 1516, il est nommé à sa suite peintre officiel de la République de Venise et établit un atelier sur le Grand Canal à San Samuele. De nombreux artistes contemporains y passent, dont Le Tintoret et Le Greco.

 En 1520, il exécute une importante commande pour la décoration du Palais des Doges, " La Bataille de Cadore " (grande fresque qui sera détruite lors d'un incendie en 1577) et trois peintures de scènes mythologiques pour Alphonse Ier d'Este. Il est également chargé de faire tous les portraits des doges successifs, jusqu'en 1555 où la tâche incombe au Tintoret.
A la suite d'un voyage à Ferrare, il fait la connaissance de Frédéric II Gonzague, marquis de Mantoue dont il fait le portrait et pour qui il travaille durant plus de 10 ans, décorant le château de Ferrare de fresques mythologiques.

En 1530, il rencontre Charles V à l'occasion d'un voyage de l'empereur en Italie, par l'intermédiaire du marquis de Mantoue. Trois ans plus tard, Charles V lui accorde le titre de Conte Palatino et Cavaliere dello Sperone d'Oro, un honneur sans précédent pour un peintre. Il peindra une série de portraits des proches de l'empereur.

En 1545, il se rend à Rome à l'invitation du pape Paul III. Le 16 mars il obtient la citoyenneté romaine, et rentre à Venise. La confrontation directe avec les œuvres de Michel-Ange influe énormément sur sa carrière, qui connaît alors une « crise maniériste », marquée par des compositions plus hardies et un coloris aux forts effets de contraste.

En 1548, il se rend à Augsbourg où se tient la Diète du Saint-Empire, présidée par Charles Quint, occasion pour lui de peindre de nombreux portraits de notables et de l'empereur lui-même. Puis il commence à travailler à sa série de Poésie pour le roi Philipe II. Ces peintures représentent des nus féminins mythologiques, telles "Danaé", "Vénus et Adonis" ou "Diane et Actéon", et elles initient la dernière phase de Titien, caractérisée par une touche beaucoup moins graphique et plus libre, où les toiles achevées laissent même voir l'action du pinceau sur la toile; on dit même que Titien aurait peint avec ses doigts certains de ses tableaux à la fin de sa vie.

En 1566 il est élu à l’académie du dessin de Florence avec Andréa Palladio et Jacopo Tintoretto.

 Son dernier tableau connu est une "Pietà", qu'il destinait à orner son tombeau : inachevée à sa mort, l'œuvre sera terminée par  Palma il Giovane.
 Il meurt le  27 aout 1576  , peut-être de la peste, plus probablement de vieillesse. Il est enterré dans l'église Santa Maria dei Frari à Venise.

Autoportrait de Titien

Le Tintoret ou Tintoretto, (1518-1594), Jacopo Robusti de son vrai nom, doit son surnom (le petit teinturier) à son père qui travaillait dans une teinturerie (tintorìa en italien).
Élève de Titien (il ne resta que quelques mois), réputé pour sa maîtrise des couleurs et des ombres, du rendu de la matière, et est considéré comme l'un des plus grands représentants de la peinture vénitienne. Les courants maniéristes toscan, romain et émilien influencent ses premières peintures. Il avait une grande admiration pour Michel-Ange qui l'a influencé dans sa technique du dessin.

A l'inverse de celle de Titien, la peinture du Tintoret possède une dramaturgie, une violence, le surnaturel, une atmosphère assez sombre. Un de ses éléments clef est le principe du déséquilibre et de la chute des corps, ils  semblent en effet tous pliés sous un poids immense. Genoux pliés, torses courbés, très peu de regards se dirigent vers le ciel, ou alors bien souvent avec désespoir. Il y a dans les peintures du Tintoret une chute perpétuelle, un mouvement sans fin d'aspiration vers le bas, et donc, presque paradoxalement, un sentiment de vie omniprésent et très poignant.

Le Tintoret a une passion pour les effets de lumière, réalisant des statues de cire de ses modèles et expérimentant l'orientation des sources de lumière avant de les peindre. En conséquence, certains visages réapparaissent dans différents travaux, sous différents angles et sous un éclairage différent.

Parmi les œuvres les plus connues du Tintoret figurent une série de peintures de scènes de "la vie de Jésus" et de la" Vierge Marie" dans la  Scuola Grande di San Rocco, dont il est nommé décorateur officiel en 1564.

Ces  œuvres sont de dimensions impressionnantes, le Tintoret réalise des compositions aux espaces vertigineux et dynamiques et aux  torsions exacerbées où domine  un clair-obscur fantomatique et dramatique. 

Entre 1578 et 1580 il part à  Mantoue  pour travailler au service du duc Guillaume Gonzague. 
Il meurt le 31 mai 1594 à Venise.   

 Autoportrait Le Tintoret
 

Véronèse nait en 1528 à Vérone, Paolo Caliari de son vrai nom, son père Piero di Gabriele est architecte et tailleur de pierre, comme l’étaient précédemment ses parents. Avec son épouse il eurent 10 enfants.

Il débute très jeune dans l’atelier de son Père et acquiert une habileté de modeleur pour les figures et ornements en relief, mais il s’oriente vers la peinture. Placé comme apprenti chez Antionio Badille, famille de peintres locaux. Il étudie les œuvres de celui-ci, qui plus tard sera son beau père, il étudie aussi les œuvres de tous les autres peintres de Vérone et alentours  comme les fresques et tableaux de Falconetto, Domenico, Morone, Dai Libri, Caroto,Torbido.
Il va acquérir des connaissances en matière d’architecture et de perspective, mais aussi de vivacité et d’élégance des figures, la dignité et le naturel dans les expressions, l’éclat et l’harmonie dans le jeu des colorations. Avant 20 ans il avait signé plusieurs retables pour les églises de Vérone, décoré des façades de maisons, ce qui fit sa réputation. " La Pala" un de ses chef d’œuvre réalisé en 1548 pour la chapelle de la famille Bevilacqua-Lazise.

Véronèse suivit le courant baroque dans une aspiration maniériste.  

Son œuvre est dense et comporte de nombreuses fresques d’inspiration religieuse, mais aussi des tableaux profanes, mythologiques ou allégoriques. Pour la plupart ce sont des tableaux monumentaux.

Il utilise des couleurs  accentuées, il représente des scènes très détaillées, des personnages nettement dégagés des fonds, avec de forts contrastes, des architectures théâtrales et rythmées. Sa palette claire, ses ombres colorées, son univers poétique, la grâce sensuelle de ses personnages et son sens du décor en font un maître incontournable de la peinture du XVI^e siècle.

 Il est également célèbre pour sa série de portraits aux visages éblouissants de naturel. Le maître s'intéresse surtout aux visages.

Dès 1548, il quitte sa ville natale, sa renommée est grandissante, il obtient plusieurs commandes. En 1551 il va à Trévise, il est chargé de décorer la villa Soranza près de Castelfranco proche de Venise,  l’architecte San Micheli et le peintre  Battista Zelotti venaient de la construire. Son travail remarqué par le Cardinal Ercole Gonzague, l’année suivante, il lui commande un tableau pour la cathédrale de Mantoue " la tentation de saint Antoine ". Par la suite il décore une autre villa dans la province de Trévise construite par Palladio, qu’il avait rencontré à Vincence.  Il décore aussi le palais du Collatéral, à Thiène en compagnie de Battista Zelotti, son style très libre et personnel, il peint plusieurs peintures sur l’histoire ancienne.

1552, il reçoit sa première commande pour l’église San Francesco della vigna à Venise ; il y réalise " la conversation sacrée".

L’année suivante il est appelé par le père Torlioni , prêtre de l’église San Sébastiano à Venise, les deux hommes s’étaient rencontrés à Vérone, il veut lui confier les peintures de l’église.

Installé à Venise en 1553 les commandes officielles sont nombreuses, il est devenu le peintre de la république, il va réaliser avec d’autres artistes, les fresques de la salle des conseils des dix au palais des Doges. Véronèse exécuta un médaillon qui décorait, en son centre, le plafond de la salle des audiences " Jupiter foudroyant les vices ",il décore également la salle de la Boussolla d’un "Saint Marc couronnant les vertus".
En 1555, il réalise le plafond de la sacristie de l’église San Sébastiano avec « le couronnement de la vierge », ensuite il peint les trois plafonds de la nef avec « Esther présentée au roi Assuérus », «  le couronnement d’Esther », « Le triomphe de Mardochée » peintures qu’il acheva en 1556, onze mois après leur commande.

En 1560, il fait un voyage d’étude à Rome et découvre Raphael et Michel Ange, il y reste deux ans.

 Avec le soutien de Titien et de Jacopo Sansovino, il est désigné avec six autres artistes célèbres dont Battista Franco, Giuseppe Porta, Bartoloméo Ammannati, Le Tintoret pour participer à la décoration du plafond de la salle libreria de la bibliothèque Marciana (bibliothèque saint Marc). Il réalise trois allégories " la musique "," la géométrie "," l’arithmétique", pour lesquels il est récompensé par une prime et un collier d’or, décerné publiquement par Titien.

Quelques années plus tard il revient à Venise, ou  il est devenu le peintre à la mode, le décorateur des nobles et des ecclésiastiques. Il est aussi célèbre dans les provinces autour de Venise. Il reçoit des commandes de toutes sortes : des fresques, des tableaux, des sujets profanes ou sacrés, des allégories ou des portraits.

IL retravaille à l’église San Sébastiano, il y peint en 1561 " La vierge en gloire  avec saint Sébastien et d’autres saints", vers 1565 "  Saint Marc et Saint Marcellin conduits au martyre" et "Le martyr de Saint Sébastien".

A la même période il entreprend la décoration de la villa Barbaro à Maser en Vénétie, cette villa appartient aux frères Barbaro (artistes peintres).L’architecte de cette villa  est Palladio, la décoration picturale confiée à Véronèse, Daniel Barbaro avait rencontré l'artiste lorsqu’il exécutait les compositions du Palais des Doges. Dans cette villa Véronèse réalise des fresques qui marquent l’apogée de son art parmi lesquelles " l’harmonie universelle"," l’amour divin entouré des dieux olympiques "," Vénus et Vulcain avec Proserpine"," Bacchus et les nymphes ", l’espace architectural mis au défi grâce à l’usage du trompe l’œil d’illusions picturales.

1562-1563, période ou il peint 'les noces de cana" 'commandée pour le réfectoire du monastère bénédictin de penquesten, sur l’ile de San Giorgio de Maggiore, à Venise. Véronèse représente un banquet, scène qui reflète les festivités qui étaient courantes à l’époque à Venise. Il y a plus de cent personnes sur cette fresque, on y reconnaît Titien et Tintoret et Véronèse.

Dès 1566 il retourne à Vérone, il se marie et aura quatre enfants.

De 1575 à 1577, il réalise au Palais des Doges " le triomphe de Venise" pour la salle du grand conseil et " les allégories de la Vertu"pour la salle du collège qui comprend ses grands chefs d’œuvres.

À partir de 1575, Véronèse s'intéresse davantage aux paysages, il abandonne progressivement les grandes compositions et porte plus d'intérêt aux petits formats où il s'exprime  d'une manière très lyrique. C’est de cette époque que datent les scènes mythologiques comme "L’Enlèvement d'Europe "et"La Mort de Procris".

Il décède en 1588 à l’âge de 60 ans, d’une pneumonie, il est enterré dans l’église de San Sébastiano.

À sa mort, en 1588, Véronèse ne laisse pas d’école, mais son œuvre va influencer toute la peinture postérieure et de nombreux artistes tels que Vélasquez, Rubens puis, au XIX eme siècle, les coloristes européens Delacroix et Cézanne.

L’exposition est présentée d’une manière chronologique et thématique, le choix des thèmes communs permet de confronter ces trois grands artistes que sont Titien, Le Tintoret et Véronèse. Des thèmes chers aux vénitiens du « siècle d’or ».

Titien génie inventif, Tintoret génie dynamique, Véronèse génie décoratif.
Ces trois artistes sont rivaux et complémentaires, ils se détestent mais se respectent.


Danaé Titien


 La tentation de Saint-Antoine Véronèse

Au fil des salles :

Portraits des Praticiens et Praticiennes, c'est l'apogée de la classe dominante, l'art du portrait atteint Venise, un moyen de décrire la structure sociale de la cité, montrer ses citoyens, l'image sociale est idéalisée par la peinture. Le costume exprime la fonction publique,religieuse,politique.
Le portrait masculin, la gestuelle, l'expression, illustrent la vigueur morale du personnage. Par son costume, ses insignes, sa fonction publique est déterminée, l'ouverture sur l'extérieur célèbre un épisode historique qui le glorifie.
Le portrait féminin, si la praticienne est figée dans une posture impassible répondant l l'exigence de retenue imposée par la société. Sa représentation sans ouverture sur l'extérieur évoque son rôle de femme au sein de la maison, la famille, le prestige et la richesse sont révélés par le costume, la parure.
Les trois artistes reprendront ce thème. 

Clarisse Strozzi Titien


Iseppo de Porto Véronèse
 

Le reflet et l’éclat, jeux d’envers dans la peinture. A la Renaissance les peintres se servent des effets de reflets pour leurs valeurs artistiques. Les reflets montrent une grande force d'illusion de leur art et de sa supériorité confimé par la couleur. Dans les armures métalliques les forment arrondies reflétent la lumière et la face non visible des personnages.

Titien et Tintoret montrent l’image cachée et inverse d’une figure. Véronèse et Bassano utilisent les éclats colorés de la lumière pour donner l’illusion du relief. Dans le miroir, le reflet d’une femme à sa toilette célèbre sa beauté en permettant de l’admirer de plusieurs cotés ; mais dénonce aussi sa vanité, par le jeu érotique dans les miroirs la femme répond au spectateur qu’elle surprend entrain de la contempler.

Vénus au miroir Véronèse

Entre sacré et profane, la tendance des peintres vénitiens à décrire la vie quotidienne et à figurer leur société dans des portraits de famille les conduits à estomper les frontières entre sacré et profane, transpose dans un décor contemporain l’évènement religieux, prend l’allure d’une fête ou les commanditaires du tableau se mettent en scène à coté du Christ et des Apôtres. 

Véronèse se distingue des autres par ses repas bibliques grandioses, synthèse entre histoires sacrées et narration profane.

Tintoret animé d’une spiritualité plus profonde s’oppose à ces tendances par des compositions sombres et dramatiques. Dans ces scènes bibliques la présentation d’animaux est fréquentes, elle renforce le caractère profane de l’image tout en apportant une connotation symbolique.

Les pélerins d'Emaus Titien
 

Nocturnes sacrés, dramatisation effets de nuit, à partir du XVI eme siècle la représentation des thèmes sacrés, dans une ambiance crépusculaire ou devient un genre caractéristique de la peinture à Venise. Cette tendance s’inscrit dans la réforme engagée par l’église qui détermine une nouvelle sensibilité spirituelle préconisant l’expérience individuelle de la religion. Cela privilégie les scènes de prières de pénitence ou les épisodes tragiques de la vie du Christ.

Tintoret le premier à renouvelant la peinture sacrée par des effets de nuit dramatisant le récit. Chaque peintre le suit.

Tintoret adapte ce luminisme dans les grandes scènes théâtrales, Bassano de manière plus réaliste et angoissante.

Véronèse hésite à abandonner sa vision cristalline et ne s’essaye pas à ce langage qu’à la fin de sa vie.

Saint Jerôme Titien

 Portraits d’artistes et collectionneurs, le gout particulièrement développé pour les portraits à Venise. Réservé aux lettrés et aux nobles autrefois, désormais partagé par les artistes qui veulent célébrer le caractère intellectuel de leur pratique et contribution à la connaissance du monde.

Le rôle intellectuel présenté par des objets caractéristiques du savoir tel que vestiges antiques, pièces de monnaie, sculptures rappelant la conscience artistique des collectionneurs et la primauté du modèle antique comme source d’inspiration pour les artistes, les peintres sont souvent auteurs de leur propre représentation.

Jacopo Strada (antiquaire) Titien

Quelques petits tableaux semblent liés aux décors intérieurs des résidences privées.

Les scènes sont souvent des scènes mythologiques antiques ou bibliques contenant un message moral introduites dans l’intimité des jeunes époux elles sont censées leur inspirer une conduite idéale tel que fidélité, prudence. Beaucoup de détails précieux ce genre très prisé au XVI eme siècle à Venise par tous les grands maitres.

Le nu féminin à Venise,un des thèmes le plus représenté de la peinture du XVI eme siècle. Ce genre trouve son origine dans les images de femmes à la beauté idéale peint par Bellini et Giorgione dans le début du XVI eme siècle.

La femme nue apparaît dans des scènes historiques ou dans des images ou son corps étendu est offert à la contemplation devient sujet principal du tableau. Ce thème érotique devient incontournable pour tous les peintres vénitiens ou changer de passage dans la lagune.

Titien triomphe dans ce genre sensuel, ses nus sont recherchés dans les cours princières d’Europe. Ses mythologies peintes pour Philippe II d’Espagne montrent le corps féminin dans différentes positions servent de modèle.

Véronèse les transpose dans un style serein et mesuré.

Tintoret leur confère un caractère énergique souvent emprunt d’ironie.



Mars et Vénus Véronèse



Danaé Tintoret
 

Les trois points importants :

Assurer définitivement une place au peintre face au pouvoir Appel en est l’exemple c’est Titien qui débute.

La peinture va prendre un nouveau rôle, les portraits, cadeaux diplomatiques, c’est la mise en place de l’image du pouvoir.

Titien est l’inventeur du marché de l’Art (par l’expédition des toiles) la peinture européenne ne sera plus la même.

Exposition à ne pas manquer au Louvre jusqu'en Janvier 2010