Paul Gauguin nait en 1848 à Paris. Son père Clovis Gauguin (1814-1851), journaliste républicain au " National ", sa mère Aline Chazal (1825-1867), fille de Fora Tristan (écrivain), petite fille de Simon Bolivar et de Thèrese Laisnay. Donc descendante de propriétaires terriens espagnols d’Amérique du sud.

Paul passe une partie de son enfance à Lima, son père décède pendant le voyage en 1851, fuyant le régime de Napoléon III, alors que l’enfant n’a que 3 ans. Paul rentre en France à l’âge de 7 ans et fait ses études à Orléans.

Après ses études il s’embarque dans la marine marchande, puis dans la marine française il navigue sur toutes les mers pendant six ans.

1870, il revient en France à Paris et devient agent de change à la bourse , il obtient de bons résultats en affaires, et a une vie bourgeoise avec son épouse danoise Mette-Sophie Gad, ils ont cinq enfants : Emilie, Aline, Clovis, Jean-René, Paul-Rollon.

1874, il rencontre Camille Pissarro peintre impressionniste et ainsi voit la première exposition  impressionniste. Comme son tuteur Gustave Arosa, Gauguin devient amateur d’art et décide  de peindre. Il expose avec les impressionnistes pendant plusieurs années 1876, 1880, 1881, 1882, 1886.

1882, il quitte son emploi à la Bourse pour se consacrer à sa nouvelle passion la peinture.  

1884, Il part s’installer à Rouen, Pissarro y réside, il l’a guidé dans son approche de l’impressionnisme, il y reste 10 mois et réalise 30 tableaux, des vues de la ville et des environs. Mais ne gagnant pas assez il décide de partir avec son épouse et les enfants,  vivre dans la famille de celle-ci à Copenhague. Tout se passe mal avec la belle  famille et ses affaires ne vont pas bien.

1885, il revient à Paris pour peindre, laissant son épouse et les enfants au Danemark. Il participe aux expositions impressionnistes.

1886, il part effectuer un séjour à Pont Aven, il y rencontre Emile Bernard, artiste peintre les deux hommes auront peu de contacts. Un nouveau courant est créé la même année, par un jeune peintre, Louis Anquetin, il s’agit du cloisonnisme. Cette technique s’inspire de la technique du vitrail, du japonisme, de l’art primitif et des images d’Epinal. Il se caractérise par des zones de couleurs cernées par des traits foncées, ce qui permet de délimiter les aplats de couleurs les uns par rapport aux autres et aussi de mettre en valeur les éléments peints. Les artistes précurseurs : (Emile Bernard et Paul Gauguin).

Paul Gauguin rentre à Paris et rencontre Vincent Van Gogh pour la première fois.

 1887, Gauguin part pour le Panama avec un peintre Charles Laval, pour travailler au percement du canal, mais les conditions de vies sont très difficiles,et décident de partir à la Martinique, lieu que Gauguin avait connu en tant que marin, ils y resteront six mois,pendant le séjour , Gauguin  peindra douze tableaux, enthousiasmé par la lumière et la beauté des paysages. Les deux artistes rentrent fin 1887 malade et sans argent.

Dès 1888, Gauguin repart en Bretagne ou il va être au centre d’un groupe de peintres expérimentaux, (Emile Bernard, Paul-Emile Colin, Paul Sérusier, Charles Filiger, Maxime Maufra, Henry Moret, Ernest de Chamaillard), il s’agit de l’école de Pont-Aven, différents styles sont pratiqués, le synthétisme de Félix Jobbé-Duval et l’impressionnisme né avec Monet, et représenté par Maufra.  

Sous l’influence d’Emile Bernard son style évolue, il devient plus naturel et plus synthétique. Son inspiration il va la chercher dans l’art indigène, les vitraux médiévaux et l’estampe japonaise. Il peint "La Lutte de Jacob avec l’ange " de ce fait il va influencer Picasso, Matisse et Munch.

Il retrouve cette même année Vincent Van Gogh et part vivre à Arles avec lui pendant deux mois. Ils passent leur temps à peindre des séries sur les Alyscamps (nécropoles chrétiennes dans la région d’Arles).  

 1889, il expose au café Volpini à l’occasion de l’exposition universelle de Paris.

 1891, étant ruiné, il décide de partir en Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres, il s’installe à Tahiti, puis aux Marquises, il ne rentrera en France qu’une seule fois.

A Tahiti, il rencontre Téhura, jeune tahitienne âgée de 13 ans, elle devient son modèle et sa compagne. Très inspiré il peint 70 toiles en un temps record. Après des années de bonheur, il a des soucis de santé, administratifs, la mort de sa fille Aline le ronge, Il tente de se suicider.

1901, il va aux Marquises à Atuona sur l’ile de Hiva Oa, afin de retrouver l’inspiration. Il se croit au paradis, mais va être rapidement déçu.

1903, il meurt d’épuisement à Hiva Oa aux Marquises.  

Son art :

Paul Gauguin artiste peintre post-impressionniste, s’intéresse surtout à l’expressivité des couleurs, la recherche de la perspective et l’utilisation de formes pleines et volumineuses. En Polynésie il est influencé par ce qu’il voit quotidiennement, environnement tropical, culture polynésienne. Il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, ses représentations sont uniques. Ses expérimentations sur la couleur (grandes surfaces de couleurs vives) et l'ensemble de son oeuvre, influencèrent l'évolution de la peinture, notamment le fauvisme.

Avec Cézanne et Van Gogh il fut le peintre de la fin du XIXeme siècle qui eut le plus d'influence sur les mouvements de peinture, dans ses écrits il dévoile différentes techniques. Il a animé plusieurs courants :

les mouvements mystiques et symboliques de Pont-Aven, celui des Nabis où ses théories sur le cloisonnement et le synthétisme étaient appuyées par les peintres Emile Bernard, Paul Sérusier, Maurice Denis, Albert Aurier (critique).

Il a influencé Picasso pour sa période bleue et rose, le groupe des fauves Raoul Dufy, André Derain, les cubistes, les expressionnistes allemands ( Jawlensky, Mueller, Ernst Ludwig).

Le post-impressionnisme ensemble de courants artistiques : il diverge de l’impressionnisme  ou s'oppose à lui le néo-impressionnisme, le synthétisme, le symbolisme et le nabis. Ce  courant a duré environ 30 ans de 1885 à 1915, il est attribué à quelques artistes, Van Gogh, Seurat, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Gauguin. Deux sortes de peintures dans ce courant celui de Seurat dont le sujet principal est la vie quotidienne et celui de Van Gogh et Gauguin. En partant en Polynésie Gauguin a échappé à la civilisation européenne, de ce fait il s’est inspiré de la vie insulaire, la faune, la flore,  la culture locale, séduit par la végétation, la beauté des polynésiens, il a composé une peinture aux couleurs somptueuses fasciné par ces iles il a rendu ces lieux mythiques.   

 Ses Peintures et dessins sont venus du monde entier pour l'exposition, 100 tableaux, sculptures sur bois, céramiques, carnets d’esquisses, dessins, lettres, autour du thème "Gauguin, faiseur de mythe", toutes les périodes de l’artiste sont représentées dans l’exposition la période bretonne, ses séjours aux Antilles mais une grande part est réservée à la période polynésienne.

Une salle est réservée à la présentation d’autoportraits de l’artiste, ce qui permet de découvrir les multiples facettes du personnage que Gauguin s’est créé. Ils sont datés de 1888-89

"L’heure du rêve est passée" un autoportrait de l’artiste avec Manao Tupapau,

Un portrait de son ami Meyer de Haan qui fut son élève à Pont-Aven, tableau daté de 1889.

Une sculpture" tête aux cornes ", un dessin  au crayon représentant son "autoportraits" , "l’enfant " daté de1889, 'l’étude du 1^er rêve' 1881 huile sur toile, "Clovis dormant " 1894 (son fils), 

" une nature morte aux pommes, poires cruche en forme de tête" . il s'agit d' un pot en forme de tête, 'force et pouvoir suggestif de cette effigie tient à la fois du bock populaire et des vases anthropomorphes péruviens. La tête coupée évoque saint Jean Baptiste. Gauguin artiste martyr, incompris, persécuté, prompt à s’identifier au Christ. Daté de  1889,

une autre " nature morte histoire d'une vie sketch de  Delacroix" , avec poires et pot en céramique ".

"Dans la maison de la rue Carcel " 1891, on y voit une table avec une belle nappe  un énorme bouquet de fleurs au centre de la table, des sabots accrochés au mur.

Nature morte , un "bouquet de pivoines "1895,

à l’arrière de la toile un tableau accroché avec une danseuse nouant ses chaussons .

Un vase en céramique avec une tête de Tahitienne, quelques natures mortes aux fruits, un représentant une côte de bœuf, une "nature morte aux petits chiens"  3 fruits, 3 verres 3 chiens «  c’est la simplification du dessin et de la couleur, il fait référence aux estampes japonaises, suppression du modelé et des ombres.

La salle des dessins :

Cycle de portraits au crayon. Etude de Bretonne, jeune tahitienne assise 1890-1903, éventails, dessins Tahiti, visages tahitiens

Les Martiniquaises, la Bretagne, Tahiti,

Un autre thème abordé histoires rurales et quelques dessins :

« Bonjour Monsieur Gauguin » daté de 1889, ici l’artiste montre une autre facette de sa personnalité, il n’est plus l’artiste de la peinture moderne, mais l’artiste solitaire, nomade, salué par une modeste paysanne séparée par une barrière. Le ciel sombre indique qu’il a plu ou il va pleuvoir. Gauguin  emmitouflé   dans une houppelande, le visage sombre. Inspiration de Courbet .

Paysage breton 1890

Femme bretonne

Petites filles bretonnes dansant

Bretonnes assises

La virginité 1890

Paysages tahitiens 1891

Le cochon noir Le pui  poi ( le matin)

Haere Mai 1891, paysage tahitien

Allées et venues en Martinique 1897

Etudes de différents visages et danseuse javanaise au crayon datée de 1843 à 1903



thèmes  sacrés : 

La nativité  1896,

Le christ jaune 1889,

le calvaire breton 1889,

vision d’un sermon 1888,

Christ au jardin des oliviers 1889, texte peint au Pouldu, 

 Hina Tefatou ( le ciel et la terre)1892,

Femme tahitienne Arearea no varua ino 

Femme tournant le dos 1854,

  Parahi te marae (le temple),

la montagne sacrée 1891

Différentes études sur le Christ jaune, sur les femmes tahitiennes

Une sculpture sur bois représentant le visage d’une tahitienne



L’éternel féminin :

Bas relief visage et corps de femme de 1890

Panneaux d’encadrement  de la porte de la maison du Jouir en bois de séquoia, les motifs sont sculptés et colorés qualifiés de  primitivisme naïf.

Statue de femme en céramique

Pape Moe (l’eau mystérieuse) 1893-94

Ondine femme sur l’eau, dans les vagues ondoyantes 1889, une personne regarde ondine.

Le bain à Tahiti 1897, attitudes, profondeur dans le regard des tahitiennes.

Parau na te varua ino, 1892 ou l’amusement du mauvais esprit, une femme nue cachant son sexe à l’arrière plan un fond de végétation, une statuette représentant le mauvais esprit.

Une cane sculptée avec un serpent enroulé, le manche est un corps de femme

Te Pape nave nave 1898, femmes nues

E Haere oe i hia 1892 (qu’allez-vous faire ?)

Statuette de femme tahitienne avec un chien devant elle. Bois



La vie et l’heure ou le temps 1889-1903 :

Moment intense, nous rentrons dans l’univers et l’intimité de l’artiste, dans son contexte de l’époque, une salle est réservée à la présentation d’objets personnels, photos, livres,revues, invitations, courrier et Gauguin écrivain.

 journal de voyage, des livres de Pierre Loti, des photos de l’exposition universelle, le journal illustré (gravures), illustrations de Mallarmé l’après-midi d’un faune. Un menu daté du 23 mars 1898, un banquet avait été donné ce jour en l’honneur de l’artiste, une invitation au café Voltaire, place de l’Odéon, lieu ou se rencontraient les artistes, des photos de son premier séjour à Tahiti 1891-93, livre de Baudelaire, un courrier adressé à son épouse Mette avec un dessin, une carte postale montrant le bateau sur lequel il a voyagé pour aller à Tahiti et l’embarcadère à Marseille, affiches des messageries maritimes indiquant les destinations de rêves, c’est l’époque du développement du voyage, cartes postales, paysages.  

Son livre Noa Noa « odorant » ce livre relate les impressions de l’artiste devant cette âme Tahitienne, il est attiré par cette sensualité dans laquelle  il a le désir de se fondre. 

Un livre de l’artiste  «  les hommes d’aujourd’hui » avec son autoportrait en gravure, quelques livres de Balzac, Verlaine, essai sur » l’art de Gauguin sous les latitudes » par l’artiste, un illustré intitulé ‘la vie artistique » gravure de Gauguin représentant une tahitienne. Un livre de Victor Ségalen couverture cuir illustré, lettre de Georges Daniel  de Monfreid (il  possédait plusieurs toiles de Gauguin) et différents livres écrits par l’artiste.

La Polynésie :

Merahi Metua Tehamana 1893, femme au corsage rayé, avec statuette de femme derrière elle

te foaturumala , boudeuse 1891

Eu Haere la oe, 1893  (ou vas-tu ?) femme tenant un fruit

Aha or feii , 1892 (eh ! quoi tu es jalouse ?) un personnage allongé l’autre assis avec une couronne fleurie sur la tête

Never more 1897, plus jamais, grand nu classique, femme allongée les tons mauves rendent l'enviroonement étrange  .

Teller of tales ou conteurs d’histoires :

Dans cette salle, différentes techniques,  les eaux fortes, cahier pour Aline Ce cahier a été écrit à Tahiti en 1893 par Paul Gauguin pour sa fille Aline. Elle ne le recevra jamais...

Présentation de dessins pour l’Illustration  du  journal "le sourire"

Le paradis :

L’invocation 1903

La lumière clair/obscur daté 1901

L’escape 1902

"2 femmes tahitiennes " 1899, deux femmes l’une a son paréo noué sur l’épaule, l’autre noué à la taille montrant sa poitrine ce qui est inhabituel dans la tradition Polynésienne, l’une semblent offrir des fruits sur un plateau, l’autre tenant des fleurs, elles sont face aux spectateurs (souvenir de Manet). Dans la  société polynésienne les hommes et les femmes ne mangent pas ensemble.

Faa Iheihe,(embellir)1898, Il semble représenter un paradis terrestre des hommes et des femmes en harmonie avec la nature.    

Nave nave Mehana jour  délicieux 1896, Un groupe de jeunes filles mystérieuses semblent s'adonner à la cueillette de fruits parmi les branches des végétaux. Leurs pieds sont solidement ancrés sur un sol rouge. Derrière elles, un ciel jaune. Leur immobilisme et leur monumentalité, la stylisation des formes, le rythme des éléments en frise et la palette de couleurs rappellent les représentations antiques ou dites "primitives".

Deux hommes tahitiens

La barque

Magnifique exposition retraçant le parcours de cet immense artiste qui influença de nombreux peintres à l’aube du XX eme siècle.

Tate Modern Londres jusqu’au 16 janvier 2011

En France, nous sommes sous le régime de Napoléon III, régime autoritaire, la politique culturelle est complètement orientée sur la grandeur de l’empire.

Le second empire 1852-1870, devait marquer une rupture dans l’histoire artistique du XIX eme siècle en France, d’un coté  l’art officiel de l’autre coté l’art indépendant.

La politique culturelle de l’empire est pour un art académique représenté par Cabanel, Bouguereau et Meissonnier. Ils reçoivent les honneurs par le régime et sont à la tête de l’Académie des beaux arts. Ils n’apprécient pas l’art réaliste de Courbet, Daubigny, Rousseau, Millet.

La rupture va se manifester : politiquement,  presque tous les peintres réalistes ou naturalistes  sont républicains et opposant au coup d’état de Napoléon III. Esthétiquement, ils détestent les grandes peintures historiques ou mythologiques, ils veulent exprimer les beautés de la nature avec beaucoup de simplicité, la vie des contemporains humbles, ces nouveaux artistes sont issus de milieux populaires, et ne sont ni liés à l’aristocratie ni au pouvoir et vont vers les sites non industrialisés tel que Barbizon ou la Normandie.

 Corot aura une renommée tardive mais reconnu du public, peintre moderne il est précurseur des impressionnistes, ils en feront une source d’inspiration  et lui voueront une grande admiration. Ses portraits  sont expressifs, il excelle dans les paysages peints sur le motif. 

Nous sommes en 1860, dans la seconde moitié du XIX eme siècle. Une nouvelle peinture plus rapide et plus contemporaine va voir le jour en France, elle va évoluer partout en Europe. Certains peintres se nommeront selon le contexte et les années, "Indépendants", Intransigeants" ou "Groupe des Batignolles", et impressionnisme en 1874. Elle correspond à un monde nouveau, le progrès s’accélère, où les modes de vie évoluent rapidement. C’est le peintre Manet dès 1860 qui va faire admettre et reconnaître cette nouvelle peinture contemporaine, elle sera l’aboutissement d’une série de réflexions, d’intentions.

Le nouveau réalisme des impressionnistes postule d'abord la prépondérance de la vision par rapport à tout schéma conventionnel appris, et la relativité de l'œuvre qui en résulte : relativité des conditions sous lesquelles un même motif peut être observé (lumière, ciels, couleurs...), et relativité de la vision du peintre (les peintres ont une vision différente, en avance sur celle de leurs contemporains). Le souci de parvenir à une représentation traduisant la vision réelle du peintre dans toutes ses nuances, et non plus une quelconque construction selon des règles apprises, va les conduire à mener de multiples recherches picturales et à délaisser nombre de règles qui passaient alors pour immuables en peinture : un dessin et des contours précis, l'utilisation de couleurs plates et aux variations atténuées, le clair-obscur...

Les futurs impressionnistes vont introduire des  procédés picturaux nouveaux : l'utilisation de tons clairs, la division de ceux-là (un orange est représenté par la juxtaposition de deux couleurs pures le rouge et le jaune), l'obtention de la forme et du volume par les touches et les couleurs au lieu du dessin-contour, l'utilisation de l'épaisseur...

De nouveaux thèmes a paraissent, ils vont s’intéresser au monde contemporain. Ils choisissent aussi bien leurs thèmes dans la nature, dans le monde  quotidien dans lequel ils évoluent, fixer sur la toile une réalité environnante, une peinture d’un instant, une impression fugitive. L’artiste impressionniste est libre de choisir ses thèmes et  sa création personnelle.

Ils sont : Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Degas, Caillebotte, Sisley, Gauguin, Van Gogh, Bazille et bien d’autres……………

Ce sont aussi les débuts des marchés de l’art. Avec l'essor économique, la peinture va connaître également une grande évolution libérale, ce n’est plus la peinture de cour comme par le passé  ou quelques mécènes passaient commandes  d’  œuvres auprès des artistes, Les artistes indépendants vendant leurs tableaux à des acquéreurs.

L'art rentre désormais dans une logique de marché : pour trouver un public et des acquéreurs, l'artiste doit pouvoir exposer ses œuvres, ce qui devint la préoccupation première et existentielle pour toute cette nouvelle génération d'artistes.

Grâce à quelques marchands d’art, c’est la naissance des salons parisien, Durand-Ruel, Petit, jouent un rôle important dans le marché de l’art, leurs magasins permettent aux artistes des possibilités de se faire connaître, modestement par rapport au « salon officiel » de Paris, lieu ou tout est décidé le succès, la cote des œuvres d’art ; il devient annuel dès 1863, composé de membres de l’Académie des Beaux-arts , ce sont les médaillés des précédents salons qui sélectionnent les œuvres exposées. Mais en 1863, 4000 œuvres furent refusées sur 5000 demandes faites par les artistes, cela conduisit à la création d’un nouveau salon ‘le salon des refusés’ inauguré par Napoléon III la même année. Certains impressionnistes obtinrent une première exposition au salon, mais furent refusés par la suite. Les mieux acceptés furent Degas et Pissarro qui exposèrent de 1865 à 1870, De Nittis y expose en 1870, Cézanne n’eut qu’une seule participation  en 1882. Mais ces artistes ont entre 20 et 30 ans, ils sortent des beaux-arts, ils vont connaître succès et échecs au salon des refusés, bientôt la guerre de 1870 et la Commune en 1871, Les impressionnistes continuèrent de travailler, libérés de la politique culturelle du second empire, espérant une reconnaissance et augmentation de leurs ventes, ils connurent plus d’échecs d’avant la guerre, la nouvelle III eme république est instable.

Les artistes décident de se passer de salon et de créer une société anonyme des artistes peintres et sculpteurs, soutenus  par Durand-Ruel nous sommes en 1873.

Caillebotte rencontre Degas, Monet et Renoir en 1873, et les aide en 1874 à monter la 1ère exposition des Impressionnistes, avant de devenir co-organisateur et co-financier de la plupart des suivantes.

La première exposition impressionniste eut lieu donc en 1874, boulevard des Capucines, dans un appartement prêté par le photographe Nadar, 31 artistes y participent dont Giuseppe de Nittis.

Le tableau de Monet « impression du soleil levant » donnant son nom au mouvement.

 Le pastel son histoire et sa technique :

Le pastel a été inventé en France et en Italie à la fin du XV eme siècle, il a été utilisé par Léonard de Vinci et en France par Jean Perréal, peintre français du XV eme siècle, enlumineur à Bourges en 1480, peintre, décorateur à Lyon en 1483, attaché à la maison de Bourbon, à Moulins. 

Il va connaître son âge d’or au XVII eme siècle, ses couleurs sont franches il imite les tissus, les textures et les lumières le rendent indissociable de l’art du portrait. Il est utilisé par de nombreux artistes tel que : Charles Le Brun, Robert Nanteuil, Rosalba Carriera.

Au XVIII eme siècle, il connaît son apothéose. Utilisé par Maurice Quentin de la Tour, le prince des pastellistes, qui met au point une méthode de fixation du pastel (cette technique n’existe plus aujourd’hui). Mais après la Révolution le pastel tombe en désuétude au profit du néo-classicisme et de la peinture à l’huile.

Il  n’a plus réellement trouvé sa place dans le monde artistique ; mais  il a continué à être utilisé par les impressionnistes, Degas, De Nittis, et par les nabis, Vuillard et Odilon Redon.

Sa technique s’apparente au dessin et à la peinture. Certains artistes utilisent une technique proche du fusain fondée sur l’utilisation des contours et l’estompage, d’autres une approche plus picturale en superposant des couches épaisses de couleur. Les possibilités du pastel sont nombreuses.

Les bâtonnets sont composés :

De pigments pour la couleur (le pigment étant une substance colorée, naturelle ou artificielle, d'origine minérale ou organique).

Pour les pigments minéraux : ocres, terre de Sienne, Lapis-lazulis

Pigments organiques : sépia, azoïques colorant synthétique donne des couleurs vivaces, phtalocyanines, colorant synthétique existe depuis 1938 (donne des gammes de verts et le bleus).

Pastels végétaux : pastels des teinturiers ou la guède plante qui pousse dans le sud de la France donnant des couleurs bleues.

D’une charge, qui est généralement de la craie ou du plâtre qui sert à donner sa texture.

D’un liant qui assure la cohérence et conditionne la dureté du bâtonnet. Il s’agit de gomme arabique pour les pastels secs, d’huile ou de cire pour les pastels gras.

Il existe différents types de Pastels : gras, sec, à l’huile, à la cire, diluables  à l’eau

L’artiste peut utiliser ses bâtonnets de différentes manières :

Avec le chant ce qui donne des traits précis, avec la tranche pour le travail des surfaces, écrasé pour étaler la poudre sur le support et produire une zone de couleur floue.

Ces trois techniques permettent une grande richesse de traits et de textures, mais sa force   reste la pureté et la vibration de ses couleurs. L’artiste peut utiliser des couleurs qui consistent à une application simple des bâtonnets, le mélange de couleurs par superposition et fusion (c’est-à-dire étaler une couleur sur une autre) et le mélange optique l’artiste superpose des traits de couleur.

Le pastel est très fragile et implique une technique de conservation particulière, il se dégrade à la moindre manipulation. La meilleure protection c’est l’encadrement sous verre, on doit aussi fixer les œuvres. Le stockage se fait à plat, la face peinte contre une feuille de papier cristal.

IL existe de nouvelles couleurs, des subtilités, de nouvelles techniques, Giuseppe de Nittis  va donc les exploitées sur des grands formats il est le  premier au XIX eme siècle. L’artiste est séduit par la facilité d’emploi du pastel, il lui permet de travailler rapidement et se prête aux effets de flou, de vaporeux dans lequel il excelle.

Giuseppe de Nittis, artiste peintre italien, nait en 1846 à Barletta, province de Bari dans les Pouilles, ses parents décèdent alors qu’il est encore très jeune et part à Naples  avec deux de ses frères, protégé par un comte, il rentre aux Beaux-arts en 1861, mai à l’école des Beaux-arts à Naples on travaille à partir du plâtre avec modèle, il y a une ligne de conduite on ne doit pas s’en écarter, en 1863 il est renvoyé, il est ainsi libéré et gambade dans la campagne italienne qu’il écume.

Il fait ses débuts auprès du peintre local Giovanni Battista Calo à Barletta.

1864, il fonde une école (L’école de Résina) avec d’autres artistes en réaction contre  la peinture d’histoire, ils veulent promouvoir une peinture de paysage, débarrassée de toute anecdote littéraire ou historique », on y fait du réalisme. 

  Dans ses premières peintures de paysages, particularité de l’école italienne (les macchiaioli.) ou tachisme, cette texture rappelle Barbizon. Ce qui est prédominance pour les italiens,  chez lui quelque chose se dégage, la perspective,  il donne une atmosphère c’est la lumière qui structure ce qui l’entoure, elle s’obtient part la couleur, donc il va rendre l’atmosphère par la nature, les ciels d’Italie, de Paris, de Londres vont l’influencer.

1867, il arrive à Paris et rencontre Ernest Meissonnier et Jean-Léon Jérôme. Il peint ' La traversata degli Appennini '

1869, en contact  avec la nouvelle peinture et les peintres (les indépendants), Manet, est aussi en contact avec les marchands français, Goupil important il commande des œuvres aux artistes pour le public, Goupil lui propose un contrat, donc possibilité, il est entre France et Italie. La même année, il rencontre une française Léontine Gruvelle qu’il épouse,  il va donc pouvoir s’installer, il épouse en même temps la France. Léontine influence ses choix artistiques.

Cette nouvelle peinture, les Intransigeants ou impressionnistes par la suite, la  travaillent par petites touches, Giuseppe va retranscrire l’atmosphère et le ciel donc cela donne un flou.

  Il fait son entrée dans le milieu artistique et intellectuel, il rencontre des collectionneurs passionnés par le japonisme. Edmond de Goncourt, Philippe Burty (qui donna le nom de japonisme au mouvement créé).  

Il constitue une belle collection d’œuvres d’art japonais, de grande qualité, qu’il expose au pavillon de Breteuil. Collection remarquée par les experts.

IL a un cercle privilégié, le samedi soir il reçoit  chez lui, on y rencontre les Manet, Goncourt, Zola, Degas, Caillebotte. 

Cette même année il peint  " Passa il treno " .

1870, date essentielle il vient de s’installer à Bougival avec son épouse Léontine, fille d’un vendeur de costumes d’apparat, (excellent pour lui, il aime se vêtir). Il expose au salon parisien dans la catégorie des peintres étrangers on parle de lui, c’est le salon ou il faut être exposé pour  exister.  

 Edouard Manet échange des tableaux avec lui, Degas est allé en Italie forte amitié entre les trois hommes.

1870, il peint " Lungo l'Ofant "

1872, date ou il est vraiment découvert avec un paysage c’est une scène de genre. Au salon il n’ya que des grands tableaux, le sien est tout petit, il s’agit de : " La route de Naples  à Brindisi "

1874, il va exposer chez Nadar, il présente 5 toiles à la demande de Degas et Caillebotte, mais ses toiles sont isolées pour mettre celles de Pissarro et de Renoir. Mais peu importe, le plus important c’est d’exposer au salon, ce qu’il fera chaque année, c’est le lieu ou l’on reçoit le prestige, on rencontre les dignitaires. Il peint cette année là « Vicence », c’est à la Grenouillère, lieu de villégiature on rencontre les demi mondaines, il est en contact  avec la technique impressionniste, les autres y sont aussi.

1874, il peint " Che freddo ! " 

1876, deux autres œuvres " Place des Pyramides" et " Ponte sulla Senna "

1878, il expose onze de ses toiles, à l’exposition universelle de Paris. Il peint, " La signora con il cane" , " Nubi su Westminster" . Il est au sommet de son art.

1879, il peint "Passa il treno " , " Passeggiata invernale ", " Tra i paraventi ".

1880, il peint : " Effetto di neve "," Figura di donna’"," Passeggiata in slitta ", "Pattinaggio"

1881, " Le corse a Auteuil"

1883 : "Signora in giardino" ,"Colazione in giardino ", " Le corse a Longchamp" , “Le corse a Auteuil”, ”Notturno capriccioso “  

1884, il reçoit la légion d’honneur, peint « Sull'amaca II »

 Il meurt cette même année à Saint-Germain-en-Laye frappé d'une embolie cérébrale, il n’a que 38 ans.

Macchiaioli mouvement pictural qui s’est développé à Florence, pendant la seconde moitié du XIX eme siècle. Ce terme a été donné par un critique, signifiant, le coté péjoratif des peintres tachistes. C’est un mouvement qui propose de renouveler la culture picturale nationale, en opposition au romantisme, néoclassicisme et au purisme de l’académie. Elle affirme que l’image du vrai est un contraste entre les taches de couleurs et le clair-obscur, obtenu au départ via une technique appelée « miroir noir » c’est-à-dire par l’utilisation d’un miroir noirci avec de la fumée permettant de rehausser les contrastes de clair-obscur dans le tableau. Cette technique synthétique était utilisée par les peintres historiques pour esquisser leurs tableaux, mais elle était ensuite complètement masquée par le travail final, qui ne devait pas laisser voir de trace de la main. Ces artistes prônent une "observation scrupuleuse et exacte des formes infinies et des caractères du monde contemporain." Comme les Impressionnistes   (les spécialistes se questionnent encore sur l'antériorité ou la postérité du mouvement italien par rapport au mouvement français), les Macchiaioli accordent une importance prépondérante au paysage, bien qu'ils aient aussi exécutés des œuvres représentant des scènes de la vie bourgeoise ou de l'histoire contemporaine de l'Italie, et à la pratique en plein air. La peinture contrastée qu'ils développent ainsi crée un style puissant, qualifié alors de "puriste" par les artistes eux-mêmes.

Des artistes peintres font parti de ce mouvement mais aussi des sculpteurs, écrivains.

Ce mouvement est né vers 1855, un groupe d’artistes s’est formé et se retrouvait dès 1866 au "Caffé Michelangiolo" leur lieu de réunion. Ce café historique de Florence du milieu XIX eme jusqu’en 1920 ; lieu de rencontre des artistes, des politiques  Degas vient les rencontrer à Florence, lors de ses voyages en Italie en 1856 et 1860, intéressé par leur travail. Les Macchiaioli font des séjours à  Paris  à partir de 1870 , en 1978 une exposition leur est organisée.

A l’entrée de l’exposition, une biographie de l’artiste et ses dates importantes.

Une citation de Jules Clératie écrivain (1840-1913), ami intime du peintre, ardent défenseur il empreinte à Baudelaire le thème de la modernité.

Il dira en 1875 " il reconnaît à l’artiste un genre personnel nouveau, il accueil la modernité, l’égalité".

Son "autoportrait", l’artiste est dans l’embrasure de la porte debout prêt à nous accueillir, il laisse découvrir son intérieur,  il fait parti de la bourgeoisie, c’est l’italien le plus français. Pastel daté de 1883

" Edmond de Goncourt dans son bureau", une grande bibliothèque derrière lui, une fenêtre donne sur un jardin qui est sous la neige 1881 pastel .

" Un portrait de Jules Goncourt " daté de 1861 au pastel

Encre et aquarelle pour un " autoportrait " petit format

Nous poursuivons la visite par la présentation de paysages italiens

" Déjeuner au Pausilippe" 1878, nous sommes au bord de la mer en Italie, des personnes assises à table, nous sommes au restaurant, derrières eux quelques chanteurs  dans le lointain un village. Evocation nostalgique de ses années de jeunesse

Une petite huile sur bois " Rendez-vous au bois de Portici ",entre ombre et lumière, elle passe entre le feuillage, d’ailleurs ce jeu d’ombre et de lumière devient le sujet du tableau, au-delà de l’anecdote de la promeneuse solitaire absorbée par sa lecture.

Plateau des Pouilles ; "sur les rives de l’Ofante" 1865 huile sur toile

"Le champ de blé",représentation de meules de foin, avec un ciel bas. Daté de 1875 

" Printemps ", dans la région des Pouilles il fait très chaud, il donne une vision de la terre aride, les amandiers sont en fleurs, les ombres sont colorées avec des opposés (il colore ses ombres).

  "Soleil rouge" 1864-66, dégradés de rouges dans le ciel tombant dans la mer

2 toiles sur l’étude des nuages 1868, étude pour la mer en tempête 1877,

" Mer en tempête" ; c’est une marine, les nuances de l’eau changent, la mer est déchainée   il faut reproduire cette fureur, ses touches sont apparentes, elles sont larges pas de couleur locale, la couleur est composée il réinterprète la nature par la couleur. Opposition sombre le ciel est la lumière il se jette sur la mer il amplifie le mouvement des vagues. Daté de 1877

  "Golfe de Naples" 1872

"Marine "de 1861

Notes de souvenirs de l’artiste :

L’atmosphère, voyez- vous, je le connais bien, j’ai du le peindre, je sais toutes les couleurs, tous les secrets de la nature de l’air, et du ciel.

Oh ! Le ciel j’en ai fait des tableaux, rien que des ciels avec des beaux nuages.

" Passa il treno " 1878, la fumée fait une diagonale au centre de la toile (vision mélancolique du paysage avec le panache qui structure le tableau) il montre le premier train en Italie, deux paysans regardent passer ce train, le ciel, la terre  ce qui créé la profondeur c’est la fumée du train, l’élément matériel permet la mise en place, c’est très réaliste, ce sont des touches subjectives qui créent le motif. La machine à vapeur c’est aussi la modernité

" La gardeuse d’oies" 1884

" L’Ofante "1866, un bœuf assis au premier plan, quelques animaux, des personnages, un chariot projette une ombre sur le mur.

De Nittis compose des paysages panoramiques où le ciel, l’eau et la terre sont peints en étroites bandes parallèles.

"Le long de l’Ofante ", Un personnage dans une allée, une route poudrée avec un jaune de Naples, les verts, les gris il fait un équilibre, l’harmonie est constante par touches il contrebalance les zones froides.

" La route de Naples à Brindisi ", une route avec une calèche et des hommes marchants à coté , la luminosité est donnée par la route, il a capté un moment, atmosphère dans la lumière, il y a la précision c’est un travail de matière, touches de pinceau, il travaille par petites touches, chaque élément est rendu, quelques traces sur la route (il a creusé la surface picturale pour donner les traces des roues de la calèche), il a étudié avant de peindre. Daté de 1872

" Les salines de Marguerite de Savoie"1864 

Quelques études à l’aquarelle

"Tête d’homme " 1872,  " visage de femme de profil" 1871, "femmes mi-corps" 1871

Une série de 13 vues sur le Vésuve, probablement un clin d’œil à Hokusai qu’il admirait. (Hokusai a peint une série de vues sur le Mont Fuji). Modernité dans l’étude des rochers, des laves par des variations de couleurs, et formes proches de compositions abstraites.

" La descente du Vésuve" le pente fait une diagonale et sépare les personnages qui sont dans l’ombre d’avec un village qui lui est éclairé. Belle représentation du clair obscur.

" La pluie de cendres " l’énorme  nuage de cendre est le sujet principal.

Une série de toile sur l’éruption du Vésuve.

 Notes de souvenirs de l’artiste :

L’amour du Vésuve de la montagne m’était venu comme il vient à tous, et  surtout alors, avant les ingénieurs qui ouvrirent un funiculaire sur ces laves et gâtèrent, d’un coup d’industrie, cette beauté, sauvage aux heures du silence, et superbe de gaité quand montaient les loures carrosses miroitants et les mules harnachées de poudre et de cuivreries.

 Un autre thème intitulé "en plein air"

1869, Giuseppe de Nittis est en France, il fait la connaissance des impressionnistes. Manet lui offre un tableau "Le jardin"pour le remercier de l’avoir accueillit dans sa maison de campagne.

 Au contact de ses amis il multiplie les scènes de plein air.

Un Bateau deux femmes avec ombrelles intitulé " au bord du lac " il reprend des motifs mais toujours lié avec la modernité constante dans sa peinture. en 1875,  

" Promenade au jardin "1875, une femme se promène dans un jardin, la luminosité de la robe donne le relief et devient le centre du sujet.

"Léontine au jardin "1874, il s’agit de son épouse.

"Heure tranquille promenade en barque" 1878

Il représente aussi la vie contemporaine, il décrit la modernité mondaine.

" Les ruines des tuileries",  il montre la réalité, les transformations de Paris, échafaudages et le chantier de reconstruction suite aux destructions de la Commune  et de la guerre de 1870 ; des personnes, deux élégants s’opposent aux mendiants ; l’espace est creusé, les Tuileries sont en ruines, la place est grande. Il reçoit une médaille pour cette toile,  daté 1882. L’état français achète ce tableau en 1883.

" Place des Invalides "1880 , " La porte Saint Denis" 1880, "Le bassin du Luxembourg" 1880

"La parfumerie Violet", émancipation de la femme, elle monte en amazone, elle promène son chien, elle achète du parfum (le grand spécialiste c’est Violet), il est situé face à Nadar, en vitrine da la parfumerie on peu apercevoir des éventails c’est la grande mode, la femme se parfume, le sujet c’est la boutique qui présente le nec plus ultra. L’atmosphère il a plu il y a des ombres développées avec du rouge et  violet, ombres chromatiques c’est très réel. Daté de 1880

" Parisiennes sur la place de la Concorde"1880

" Place des pyramides ', on y voit Jeanne d’Arc statue de Fremier, des échafaudages, Paris a eu un traumatisme, Paris a été dévasté, en chantier avec Haussmann, la vie parisienne continue, elle est active, on y voit une marchande d’oranges, la couleur dominante de la toile, le reste dans des tons terre, il égaie par les affiches sur un mur ( çà aussi c’est moderne).Il reconstitue une réalité, il saisit le moment du passant). Mais l’atmosphère est donnée par le ciel, la lumière fait vivre l’œuvre. 1875

" La construction du Trocadéro "1876 aquarelle et gouache

Un thème très important les champs de courses

La différence avec Degas, il s’intéresse plus aux a cotés de la course que la course en elle-même, il détaille l’élégant public (interprète des modes féminines, il sait capter le transitoire, le fugitif, le contingent).

Il exécute des études pour les courses 1880

"Scène de flirt" un homme parle à l’oreille d’une femme, la foule regarde les chevaux passés, ils sont aux courses, Auteuil, Longchamp toute la société parisienne se retrouve on montre son gout vestimentaire, la mise en scène est photographique cet instant met aussi la lumière il y a un espace autour du couple qui met en relief, on fond des tâches rapides, l’atmosphère se retranscrit, les tâches sur les vêtements, sur le sol, jeu à  travers les feuilles apparaît. Le ciel de Paris en gris cendré, c’est ainsi qu’il le représente.

"Au courses d’Auteuil",la femme est sur un piédestal, il aine les femmes il est italien, là elle domine la composition, l’homme à coté est statique, la lumière subtile, le vêtement est noir uniforme (le costume signifie les classes sociales) le noir perdure, le moderne, challenge pour les artistes comment rendre le tissu monochrome, il y a plein de teintes dans les noires. Le clair /obscur donne le volume recherche dans le noir, les couleurs chaudes de l’automne, les dernières feuilles, c’est la manière italienne plus celle des impressionnistes.

Son parcours est une suite d’influences, plus sa personnalité, le peintre sait ou il va il fait de la recherche c’est sa vision.

"La femme au chien" c’est après une course, il est au fond de la toile donc vide derrière la femme ce qui la met en relief, la touche est affirmée, elle est sensible lâchée transparence dans ses voiles, elle est seule accompagnée d’un gros chien, elle est indépendante émancipée (réalité) nous sommes en 1870.

 en 1878, "‘Le retour des courses"

" La course à Longchamp " des femmes debout regardent  la course avec des jumelles.

"Avenue du bois de Boulogne" 1882," Au bois de Boulogne"1973, "‘l’Amazone" 1874

Quelques toiles sous la neige :

" Sur la neige" 1875,   " La patineuse " 1875

" Effet de neige", le modèle c'est son épouse Léontine (regard sur le japonisme) équilibre entre le vide et le plein, le blanc, le sombre, les sapins sont esquissés, ce qui vient du japonisme c'est qu'elle médite sur la nature, le travail sur le monochrome existe déjà. L'idée de recherche d'une seule couleur (Whistler travaille sur le blanc), le dessin sur la droite du tableau, est le dessin de la toile qui apparait, il suggère le motif, il place le décor (on peut dire économie de moyens).

De Goncourt dira ; De Nittis est le vrai talentueux paysagiste de la rue parisienne. 

Il peint " Pont sur la seine ", il tourne le dos au Louvre, les éléments sont posés rapidement ; c’est une ébauche, deux diagonales, les ponts, un  vertical, l’arbre, il faut l’équilibrer, il met en place la fumée des Challans qui éclaire la composition, elle rappelle le mouvement du ciel, l’atmosphère, est rendue, c’est son sentiment celui d’un étranger il a un autre regard sur les choses.

  "Le long de la Seine" aquarelle 1876

Giuseppe de Nittis a chez lui des vues de Paris enlevées au pastel, qui m’enchantent c’est l’air brouillardeux de Paris, c’est le gris de son pavé, c’est la silhouette diffuse du passant.

Edmond et Jules de Goncourt

"Coucher de soleil nuageux "

" Dans le salon de la Princesse Mathilde"

Par l’intermédiaire d’Edmond de Goncourt il fait la connaissance de la princesse, nièce de Napoléon 1^er, dans son

célèbre salon de la rue de Berri, elle reçoit écrivains, artistes et musiciens.

" Au salon " 1881, " Avant le bal " 1879, "Dans le monde" 1883, "Le salon de la Princesse Mathilde " pastel 1883,

L’artiste nous fait entrer dans l’univers des salons parisiens, il donne une description des robes portées par les élégantes, on y aperçoit quelques objets d’art, il créé une atmosphère particulière, il plonge les invités dans une pénombre propice à la confidence et aux scènes intimes.

De Nittis présente plusieurs tableaux sur ce thème

"Intérieur à abat-jour" 1879, " rêverie en écoutant le piano " 1879,"Femme vue de face "1880

L'artiste est passionné par le Japon, il a peint quelques toiles sur ce thème. 

Notes de souvenirs de l’artiste en 1875 :

« Je suis comme une vision du Japon, de cette douce vie de rêveur,  à qui  suffit une couchée de choses blanches, pluie de neige ou pluie de fleurs, existence pour laquelle je suis fait, peindre, regarder, rêve »

 Il a le gout pour l’art japonais, aux cotés des Goncourt et de Philippe Burly il est un amateur d’art japonais, Goncourt dans son journal décrit la luxueuse demeure de l’artiste.

Il cite " C’est le petit hôtel, le domestique est en cravate blanche, l’appartement au confort anglais, où l’artiste se révèle par quelques japonaiseries  d’une fantaisie où d’une couleur adorablement exotique, c’est le gout du Japon qu’il partage avec Manet et Degas, cela se retrouve dans sa peinture de 1878 à 1881, des paravents à l’arrière plan de ses toiles, des peintures en forme d’éventails ou motifs et techniques d’inspiration japonaises".

" Entre les paravents " 1875, « La femme sur le divan rouge » 1875, "Figure de dame" 1880,  " Le paravent japonais "1878, "

"Le kimono couleur orange", les touches sont rapides, superposition de couleurs, magenta, vermillon, jaune de Naples, couleur donc lumière, zone d’ombre à l’arrière, c’est l’intensité de la couleur qui apporte la lumière. 1884.

 Quelques tableaux aux formes d’éventails tel  que : "Les chauves-souris" 1880, " Nocturne capricieux "1881, "Nature éventail " 1883,"Paysage japonais"1880, " Feuilles de vignes" ; "chrysanthèmes et bambous" 1883. Motifs et techniques japonaises.

Dans les années 1878-1881, l’artiste représente des paravents dans ses toiles qui lui ont appartenu.

L'art japonais part du vide, la forme est dans le mouvement.

  Autre thème : "Modèles et figures"

Léontine Grevelle son épouse peinte à de nombreuses reprises.

" Journée d’hiver " Léontine (son épouse) pose, c’est un pastel sur papier, elle est assise devant une fenêtre, il y a jeu de matières c’est très réaliste, une nappe sur une table ou un plateau est posé, le papier est gris bleu, les touches sont fines, la couleur du papier fait ressortir son motif.

Un "portrait de Madame Hérédia", épouse du poète "des trophées " et mère de Marie de Regnier.1882

 "Sur le Hamac"1884,

"Le Bow Windows " 1880,

"Déjeuner au jardin "1873, la place de l’artiste est disponible, tandis que son fils et son épouse son à table, juste son rond de serviette apparaît.

" Mme de Nittis avec son fils ",le visage est extrêmement travaillé, les taches colorées mettent en avant son visage, le mouvement de sa robe, le visage du fils est effacé, on croirait un tableau inachevé, c’est le peintre qui décide lorsqu’ un tableau est terminé. Daté 1876

" Promenade hivernale ",la femme est vêtue de noir, le fond c’est du pictural, tâches uniformes, elle a une présence, ce qui met le regard sur le visage, subtilité des tons. 1879

« Londres et la Tamise »

En 1873-74, De Nittis y effectue des séjours réguliers, il se lie d’amitié avec James Tissot, qui vit à Londres depuis 1871, il obtient des succès, il rencontre le banquier Kaye Knowles qui lui commande un certain nombre de tableaux, il a peint plusieurs toiles sur la ville de Londres, »L ‘amélioration de la ville moderne »avec une multitude de détails et une exigence du réalisme.

Il peint également une série de paysages atmosphériques, influencé par Turner et Whistler. 

Une de ses toiles " le palais de Westminster  et ses tours" représenté  noyé  dans la brume, 1878. La sensibilité rendue, la splendeur du ciel ouaté, étouffé, les brumes rousses sur un fond neutre.

" Le dimanche à Londres " 1878, l’architecture est présente, les rues désertes

"La nationale Gallery" 1877," Trafalgar square" 1878. " La banque d’Angleterre à Londres" 1878, "Picadilly promenade hivernale "

Il montre l’animation de la ville, avec une multitude de détails et un grand réalisme

L’exposition se termine par la présentation d’œuvres littéraires ayant appartenus à l’artiste :

"Dépravée" d’Ernest le Blanc 1882 avec dédicace, " l’Art et les artistes français contemporains"de Jules Caretie 1876, "Poèmes d’Italie "Emile Blémont en 1870, d’Edmond et Jules de Goncourt "Zemganno "1879 lettres à Eugène Delacroix période de 1815 à 1863, « Renée de Mauperin » des frères Goncourt en 1884 » " Numa Roumestan "d’Alphonse Daudet 1881 et les "Notes et souvenirs de l'artiste".

Somptueuse exposition, l’artiste a traité différents thèmes avec beaucoup de délicatesse ,peintre moderne, il montre la réalité, il saisit l’instant, la reconstruction des monuments, la vie des boulevards, mais aussi l’atmosphère des salons parisiens mettant en avant la mode de l’époque, les courses hippiques et la bourgeoisie, son amour pour le Japon. Paysagiste sensible, il nous emmène dans le sud italien inondé de lumière, à Paris il nous montre les ciels brumeux, les brouillards londoniens , magnifique carnet de voyage.

A ne pas manquer au petit palais Paris jusqu’en Janvier 2011

Le Gandhara, royaume ancien de l'Afghanistan et du nord-ouest du Pakistan, centré sur la vallée de la Swât et de la Khaboul, deux affluents de l'Indus.

Les villes principales Taxila, Peshawar, Kapishi, aujourd'hui Begrâm, étaient des centres culturels importants, sous l'autorité des satrapes (gouverneurs d'une région) indo-grec, allant de la période -30, puis sous celle des kouchans allant au moins jusqu'au III eme siècle.

 Ces villes étaient aussi des centres commerciaux entre l’Inde et l’Occident.

  Les satrapies, instituées par Alexandre, lors de la conquête de l’Inde. Satrapie de l’Indus supérieur donc  le Gandhara, gouvernée par Nikanor, l’Indus moyen, comprenant le royaume de Taxila et l’ouest du Panjâb dirigée par Philippos, et l’Indus inférieur couvrant le Sind, et la côte, pouvoir partagé par Oxyartès et Péithon.

Le royaume indo-grec est né pendant la période hellénistique, qui a conduit les grecs jusqu’en Asie du sud, où ils ont établi le royaume indo-grec. Son territoire s’est étendu du nord et nord-ouest du sous continent  indien. Ce royaume a existé pendant deux siècles, et a connu trente souverains avant de disparaître à l’époque de l’avènement du Christ.

Les rois indo-grecs, régnèrent sur une civilisation composite, cette civilisation, a su faire la synthèse des différentes influences qui présidèrent à la formation de leur royaume, cela s'est traduit dans l’écriture, le langage, la monnaie, la religion et la pensée. A la croisée des mondes bouddhistes, hindous et hellénistiques. Cette culture a disparue à l’époque des indo-scythes, ( les indo-scythes, branche des Saces ou scythes, indo-européens qui ont migrés de la Sibérie du sud en Bactriane (Bactriane, région importante de l’Asie centrale comprenant, l'Afghanistan, le Pakistan, la Chine, du  Tadjikistan, de l'Ouzbékistan et un peu du Turkménistan, située entre les montagnes de l'Hindu-Kush et la rivière Amou-Daria), en Sogdiane (Sogdiane, région historique recouvrant en partie l'Ouzbékistan, le Tadjikistan et l'Afghanistan , englobant les villes historiques de Samarcande et Boukhara et la vallée irriguée de Zeravchan , elle se situe au nord de la Bactriane), au Cachemire jusqu’en Arachosie (Arachosie, région antique située au sud-ouest de l'Afghanistan ), puis en Inde, du milieu du II eme siècle avant Jésus Christ au 1^er siècle avant Jésus Christ.

L’Empire Kouchan, fut un État qui, à son apogée, vers 105-250, s’étendait du Tadjikistan  à la mer Caspienne et à l'Afghanistan, et vers le sud, à la vallée du  Gange. Il disparut à l’invasion des Huns Hephtalites au V eme siècle. La dynastie Tokhare qui s’y était établie au 1^er siècle avant Jésus-Christ favorisa l’essor, de l’art gréco-bouddhique du Gandhara.

Cette zone était  fertile et peuplée depuis longtemps, parsemée de reliefs aux forment abruptes où se trouvaient bien souvent les temples bouddhiques.

Les fouilles eurent lieues sur le royaume voisin de Taxila, Alexandre Legrand y avait été accueillit. Plusieurs villes furent découvertes, les monastères bouddhiques de différentes époques se situaient dans les collines autour.

Les fouilles ont apportées des découvertes importantes : abondance des monnaies, des bas-reliefs en schiste quelque fois en stuc. Un monde paradoxal par la diversité des sources d’origines différentes qui ont su en parler, des textes grecs et chinois.

Pour le pèlerin chinois, le Gandhara est terre de légende, seconde terre du bouddhisme.

L’art du Gandhara est célèbre pour son style bouddhique,. Fusion d’influences indiennes et hellénistiques au cours des siècles, qui suivirent  l’expédition d’Alexandre Le Grand en Asie centrale au IV eme siècle avant Jésus Christ. Dès le 1^er siècle, sous la dynastie Kouchane on trouve le style Gandhara, Il disparaît au V eme siècle avec l’invasion des Huns blancs.

Le bouddhisme du Gandhara, est un mélange d’influences indienne, perse et Hellénistique, il a vu la naissance du Mahayana et a influencé le bouddhisme de l’Extrême-Orient.

Les premiers missionnaires en Chine, les sutras provenaient des régions indo-grecques et kouchanes.

Une influence aussi s’exerça sur le bouddhisme tibétain. Les manuscrits bouddhistes les plus anciens viennent du Gandhara ; ils sont écrits en gandhari, langage du royaume, cette langue est dérivée du sanskrit

 Le fondateur du bouddhisme tibétain serait né au Gandhara, à Padmasambhava.

A l'exposition, nous allons découvrir cet art gréco-indien empreint au monde Hellénistique.

 Le site de Taxila, Fouillé dès 1920 (John Marshall), il se situe proche d’Islamabad. C’était un centre d'étude bouddhiste antique, relié à la  route de la soie par le passage de Khunjerab, il attirait des étudiants de l'ensemble du monde bouddhiste ancien. Le site est en plein épanouissement entre le 1er et le V eme siècle, ainsi que Peshawar. 

il abrite 3 villes :

Une gréco-indienne : Bhir Mound

Les ruines de la ville forment une zone irrégulière mesurant 1km du nord au sud et 600 m de l’est en ouest.

La couche des ruines la plus ancienne date de l’origine au  V eme siècle avant notre ère ou :

Niveau IV- 6, 5 avant JC

La seconde couche du IV eme siècle avant JC, elle existait au moment de l’invasion d’Alexandre Le Grand ou :

Niveau III- 4 avant JC conquête d’Alexandre

La troisième couche est de la période de la Maurya, roi de l’Inde III eme siècle avant JC ou :

Niveau II -3 eme avant JC

La quatrième période, les constructions  après la période de  Maurya ou :

Niveau I- 2 eme avant JC et plus.

Une autre Gréco parthe : Sirkap

Site sur la rive opposée de la ville de Taxila, construit par les gréco-bactrien . Ce site  a été construit selon les hippodamien (Hippodamos de Milet, architecte grec, urbaniste), les plans caractéristiques grilles des cités grecques, organisé autour d'une avenue principale et quinze rues perpendiculaires, couvrant une surface d'environ 1200x400 mètres, avec un mur d'enceinte 7.5 mètres de large et 4,8 kilomètres de long. Les ruines sont de caractères grecs, semblables à ceux d' Olynthe en Macédoine.  

Niveau VII – pré-bactrien

Niveau VI – Début des bactriens

Niveau V – bactriens 190-90 avant JC

Niveau IV – Saka indo-scythes

Niveau III – Saka

Niveau II – Saka tremblement de terre 30 avant JC, domination Parthes.

Niveau I – fin des Parthes vers 5 eme siècle après JC

La troisième  Kouchan : Sirsukh

Cette ville a été fondée par les Kouchans, la dernière des grandes villes de Taxila. Le mur de la ville est d'environ 5 kilomètres de long et environ 5,4 mètres d'épaisseur. Il couvre une superficie d'environ 2300 x 1000 mètres en direction est-ouest, il est aménagé dans un style typiquement d'Asie centrale, avec des banlieues. Cette ville n’était pas habitée lorsque les Huns blancs envahirent le Pendjab au Ve siècle. 

 Autour des fondations bouddhiques plus tardives. Développement de l’art du stuc, proche de celui d’Hadda (Afghanistan).

Les œuvres présentées à l’exposition viennent pour la plupart de Taxila, de Sirkap, de Lahore. Environ 200 pièces, soit en or, en stuc, en schiste. De grandes photos permettent d'avoir une vue sur certains sites.

Ci-dessous Taxila.

On découvre :

Un Ivoire de Nisa (capitale des Parthes 250 avant JC), imprégnée de l’influence hellénisante de la Badriane grecque.

L’Athéna du musée de Lahore (ville du Pakistan), vraie ronde-bosse.

Bas-reliefs du Gandhara témoignent d’une atmosphère perméable aux apports venus de l’Occident, dans leur sens du mouvement de la profondeur. Le souvenir des grecs s’est gardé jusqu’à l’époque Kouchane, du temps de l’empereur Kanishka 120-146.

En suivant le parcours de l’exposition, dans la première salle:

Un bas relief "la légende d’Asoko ", un  stupa et un reliquaire (trois joyaux du bouddhisme) décor palmettes.

Un autre bas relief montre la retraite de Bouddha et un autre le culte de stupa.

Une vitrine est réservée au centre de Taxila :

Une femme debout, une feuille de vigne, patère à manche époque niveau II, une tête de faune Sirkap

Un miroir, une bouteille et un pot à fard.

Une autre vitrine présente des pièces de la période Sirkap II, Aphrodite, pendentif décor de cavalier, une bague, une divinité aux lions, fragment de femme assise, Harpocrates (ci-dessous).

Les soldats de Mare, décor motifs floraux (ronde-bosse) du Gandhara motifs sur d’autres pièces de Lahore, stèle avec les soldats.

Autre bas-relief, "les frères Kasyape éteignant l’incendie de Mare".

 Bouddha de Ganghara

Dans une vitrine : un reliquaire en forme d’architecture, lion (Taxila), l’adoration du stupa, Bouddha assis style de Mathura, reliquaire en forme de boite.

Des boucles d’oreilles en or ainsi qu’une  broche Amour et Psyché, broche à motif de croissant, pendentif, figurine femme debout époque (Sirkap niveau III)

Une reproduction en photo du site de Peshawar en fond représentation d’un banquet, une tête de femme de Taxila, tête masculine, une tête de moine , lotus, Taxila.

Stupa de Sikri  Lahore.

Dévot portant un reliquaire de Taxila au Swat.

Dynastie Kouchane 1^er et 3 eme , empire nomade qui s’installe sur les débris de la Bactriane grecque (statue).

Quelques bas-reliefs, un ascètes sur arcature indienne (Butkara III), dévots et Bouddha assis, l’école, visite en palanquin, musique et danse. Fragment de torchère, tête à turban (en vitrine)

Le retour au palais (Swat), la conversion du naga Apalala.

Photo du site de Ranagat.

Représentation de la femme à la fleur, statue en pied tenant des lotus. Buste de femme Bukkara (I) Harmika, scène de la vie de Bouddha, tête de Bouddha Bukkara (I). Dévot avec putti et guirlandes.

Reliefs de la vallée du Swat, ce site évoque le temple de Bel à Palmyre, style graphique, atmosphère romane. Le sommeil des femmes bas-relief, lion, Sahghao.

Yraksa (II) Taxila dans une vitrine un couple de Yakse, une torque, un collier niveau III, encensoir (IV), palette à fard, Apollon et Daphné (IV) Taxila.

D’autres bas-reliefs : chapiteau décor de quadrige Buthare (I), vendanges, scènes érotiques.

Le thème du vin et des vendanges est évoqué.

Thème trouvé fréquemment au Gandhara, souvent paradoxale au contexte bouddhique (période ancienne) rapportés des légendes grecques.

Augrupèdes musiciens.

Jataka légende bouddhique.

Gandhara veut dire peuple. Situé au-delà de l’Hindus kush.

Chronologie :

IV avant JC

III empire mauriya

II Royaume indo-grec

I invasions scytho-parthes.

Athos assis, palette à fard, Athos buste, Dieu du fleuve en vitrine

Des bas-reliefs représentent des scènes de banquet.

 Aphotéose bouddhique

Extraits du catalogue de l’exposition.

Très belle exposition à ne pas manquer qui permet de découvrir ou redécouvrir cet art métissé.

AU Musée Guimet Paris - Jusqu’au 16 aout 2010

 Tsugouharu Foujita, nait le 27 novembre 1886 à Tokyo, fils d’un général et médecin de l’armée impériale du Japon. 

Il fait des études à l’école des Arts de Tokyo jusqu’en 1910, année ou il obtient son diplôme.

Sa première commande officielle date de 1911, "le portrait de l’empereur de Corée", en exil au Japon.

Il décide de s’installer à Paris, fasciné par l’occident, surtout par l’art français, il rêve de Paris,  il y arrive en 1913 et continue d’étudier les arts à l’Ecole de Paris, il est peintre et graveur. Il rencontre Modigliani, Soutine, Pascin, Léger, il se lie d’amitié avec Picasso, Gris et Matisse. Mais aussi fasciné par le Douanier Rousseau.

L’artiste installe son atelier, Rue Delambre à Montparnasse il décide d’y faire quelques aménagements, que faire mettre une baignoire et l’eau chaude, dès qu’il aurait de l’argent. Des modèles viennent admirer ce luxe, Kiki de Montparnasse (modèle, muse et amante d’artistes célèbres, mais également, chanteuse, danseuse, gérante de cabaret, peintre et actrice de cinéma et anima le quartier Montparnasse, pendant l’entre-deux guerres de 1921 à 1939) , elle pose nue pour l’artiste,ainsi que pour Man Ray le célèbre photographe. Un portrait de Kiki sur fond blanc ivoire, " Nu couché à la toile de Jouy" fit sensation au salon d’Automne à Paris.

1914, il part à Londres.

1915,  Il est engagé comme coupeur-modéliste par le couturier Gordon Selfridge ou il obtient beaucoup de  succès.

1917, au café la Rotonde il rencontre Fernande Barrey c’est le coup de foudre. Ils se marient quelques jours plus tard. Cette même année il a ses premières commandes.

Il obtient très vite une notoriété surtout après l’exposition de 1918. Il peint de belles femmes et les chats, sa technique est originale. Il est l’un des artistes qui gagne beaucoup d’argent.

1918, il expose au salon d’Automne à Paris, ses œuvres à coté de celles de Matisse, Dunoyer de Segonzac et Maurice Denis.

1919, il est le sociétaire du salon d’automne.

1920, il est membre du jury de ce même salon, le président, Pierre  Bonnard.

1924, grand succès au salon avec son œuvre "Youki, déesse de la neige"

 1925, il est décoré de l’ordre de Léopold en Belgique  et fait chevalier de la légion d’honneur en France.

1927, il va habiter près du parc Montsouris, proche de Derain et Braque. Cela montre sa réussite.

1928, il décore la maison du Japon à la cité universitaire à Paris et réalise quatre grandes toiles combat, grande composition.

1929, il réalise pour le cercle interallié à Paris, huit panneaux muraux, le style est traditionnel. Il part ensuite au Japon il reçoit un accueil triomphal.

1930, rentré du Japon, il exécute une série de toiles uniques dans son œuvre, il montre un intérêt pour le surréalisme. Il rencontre Madeleine Lequeux, danseuse au casino de Paris.

Après la dissolution de son 3eme mariage, il part en Amérique du sud, avec sa nouvelle amie et y resteront deux ans. Nous sommes en 1931. Ils voyagent dans toute l’Amérique latine, de Cuba au Brésil, en Argentine organisant des expositions ou il rencontre un grand succès. A Buenos Aires, 60 000 visiteurs viennent à son exposition.

1933, ils partent  au Japon, il devient membre de Nikakai. Il réalise des peintures murales.

1934, il expose dans la célèbre galerie Nichido au Japon et au salon Nika,  manifestation prisée par la bonne société. Il commence une peinture murale dans un immeuble.

1935, Il réalise deux décors l’un pour le magasin  Sogo à Osaka et le plafond du grand café Colomban à  Giza. Il revient à Tokyo ou il rencontre Kimiyo Horyuchi qui épousera en 1954.

1936 Il participe à la 3 eme exposition des 10 grands maitres de la peinture occidentale, organisé par Kyuryudo dans le magasin Sisheido à Ginza. Il réalise également une peinture murale pour l’institut franco-japonais du Kensai à Kyoto, et pour le salon de thé d’un grand magasin Marubutsu.

1937, il relève le défit de construire le plus grand tableau du monde, il représente les fêtes des 4 saisons à Akita. Il se fait construire une maison traditionnelle au Japon.

1938, il va en Chine envoyé par le ministère de la Marine tant que peintres attaché aux armées de guerre. Il réalise des dessins de batailles. Plus tard il peindra "l’embrasement du nouvel aérodrome de Nanchang".

1939, il revient à Paris, jusqu’à l’arrivée des allemands en 1940. De 1939 à 1945, il se consacre à sa peinture, il organise des expositions de peintures de guerre.

1940, Il est nommé peintre officiel de l’armée de la grande guerre d’Asie.  

1941, alors que son père décède. Il devient membre de l’Académie impériale des Beaux-arts, Teikoku Geijutsu. La même année il est envoyé en Indochine française, comme attaché culturel, nommé par l’Académie et l’Association pour la promotion de la culture internationale au Japon.

1942, il est envoyé par la marine, sur le front du Pacifique sud comme officier et chef d’un groupe de peintres. Il participe à de nombreuses expositions consacrées à la guerre et à l’armée japonaise.

1943, il obtient le prix  de la culture du quotidien Asahi au Japon.

1945, sa maison est détruite à Tokyo

1946, Foujita veut rentrer définitivement en France.

1947, Il présente à l’exposition d’art contemporain de Tokyo, "Mon rêve ". Il envoi 40 toiles à New York ou deux expositions lui sont consacrées, il reçoit une très bonne critique 

1948, La galerie Shiseido lui consacre une exposition, et a participé à l’exposition totale d’art moderne du Japon, il présente "Mon atelier". Il veut rompre avec le Japon d’après-guerre, il fait une demande de visa pour les Etats-Unis.

1949, Grâce à l’intervention du Général MacArthur, il obtient son visa, il part aux USA, son épouse le rejoint. Il est nommé professeur à l’Ecole des beaux-arts de Brooklyn. Il achève sa série de toile en hommage à La Fontaine.

1950, Il revient en France. Il expose 50 toiles à la galerie Pétridès.

1951, Il part en Afrique du nord, plusieurs expositions lui sont consacrées, Alger, Oran, Casablanca. En Espagne.

1952, Il fait don de 4 toiles au musée d’art moderne à Paris : Mon intérieur, Café, Notre Dame, Quai aux fleurs, c’est un hommage à la France.

1953, Deux expositions en Espagne, Bilbao et Barcelone.

1954, Il organise une 3eme exposition chez Pétridès.

1955, il obtient la nationalité française, au Japon, à Tokyo une grande exposition lui est consacrée.

1956, Il illustre une œuvre de Cocteau, il s’agit du « Dragon des mers », sur son voyage au Japon.

1957, il est promu au grade d’officier de la légion d’honneur. Il illustre un ouvrage de son ancienne compagne " Confidences deYouki ".

1958, il est élu membre de l’Académie Royale de Belgique.

1959,Il illustre "l’Apocalypse de Saint Jean", livre tiré à 7 exemplaires , son poids 110 kg, cet ouvrage réunit : Dali, Fini, Mathieu, Zadkine, Trémois, mais aussi Cocteau, Rostand, Daniel-Rops, Guitton, Cioran, Giono, Jünger, ils écrivent un texte "la méditation sur la fin du monde".

Foujita se convertit au catholicisme, après une illumination mystique qu’il a ressenti dans la basilique Saint-Rémi à Reims. Le 14 octobre 1959, il est baptisé, ainsi que son épouse,  à la cathédrale de Reims et prend le nom de Léonard Foujita en hommage à Léonard de Vinci. Il a pour Parrain René Lalou, qui dirigeait la maison de champagne Mumm, il décide quelques années plus tard de construire une chapelle romaine, appelée Notre Dame de la Paix, commencée en 1965, terminée en 1966, il en fit la décoration.

En, 1961, il obtient la médaille d’or à la première exposition d’art sacré à Trévise.

Les expositions se succèdent dans le monde pendant ces années.

Il meurt en 1968, à Zurich. Il repose dans cette chapelle ainsi que son épouse.

 Ses œuvres sont nombreuses, des portraits féminins, des chats, les lutteurs, ses autoportraits .

Ses techniques :

Ses fonds blancs, lisses, satinés sont obtenus avec plusieurs couches de craie (appelé blanc de Meudon), et de blanc d’argent (plomb). L’opalescence est obtenue par l’adjonction, dans la dernière couche, de talc associé à l’huile de lin. Cette matière remplace la poudre de coquillage broyée utilisée en peinture japonaise, méconnue en France.

Le trait à l’encre de chine, l’estompe, le lavis. Il alterne l’encre et l’huile, il utilise aussi la tempera à l’essence. Il mélange les traditions orientales et occidentales.

Il est influencé par Michel Ange, Poussin, Rodin.

Foujita c’est La ligne de Holbein, la rigueur de l’Orient, le trait de Matisse.

Il a illustré de nombreuses œuvres littéraires, des légendes japonaises, de Pierre Loti, Claudel, Giraudoux, Kikou Yamata, Cocteau.

Montparnasse, ou le Paris du début du XX eme siècle

Le Paris des années folles, après Montmartre qui fit venir de nombreux artistes étrangers en France, Picasso fut l’un des premiers à déménager dans le quartier Montparnasse, plus au centre de Paris, ils vont créer une communauté artistique internationale et ainsi formeront l’école de Paris, Modigliani, Giacometti (italien), Soutine, Zadkine, Chagall, Marie Vassilieff (Russe), Gris, Picasso, Dali, Miro (espagnol), Diego Rivera (mexicain), Foujita (Japon), Nina Hamnett, Henry Miller (USA) , mais aussi Guillaume Apollinaire, le Douanier Rousseau, Bourdelle, Fernand Leger, Max Jacob, Blaise Cendars, Marcel Duchamp, Brancusi, Paul Fort, Jules Pascin ; Jean-Paul Sartre, Django Reinhardt. La photo avec Man Ray qui eut son premier studio tout proche, James Joyce, Cocteau, Gertrude Stein, Kiki de Montparnasse posèrent pour  ce grand photographe. Il créera une galerie d’art et après la guerre un journal " Montparnasse carrefour des arts". Des amateurs d’arts américains fortunés sont venus leur rendre visite tel que Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Harry Crosby, accompagnés de critiques, Lawrence, MacLeish, Joyce, Boyle, Faulkner, Parker.

Ils se retrouvaient tous  dans les cafés du quartier, le Dôme, la Closerie des Lilas, La Rotonde, le Sélect, la Coupole, le Bœuf dur le toit, ces établissements devenus renommés, acceptaient que les artistes affamés occupent une table toute la soirée sans être dérangés. Il y régnait une ambiance toute particulière, de grandes discussions arrosées d’alcool, ils ne payaient pas l’addition la plupart du temps, le directeur de l’établissement demandait un dessin, ainsi les murs de ces grands cafés étaient couverts d’œuvres d’art. La vie nocturne était aussi très  agitée, le bar Dingo faisait Montparnasse, les habitués tel que Scott Fitzgerald, Callagnan, puis il y avait les théâtres, le music-hall, Bobino, les artistes s’y produisaient tel que Damia, Kiki, Mayol, Georgius. Le groupe des Six, créant une musique fondée sur des idées de Cocteau et Erik Satie.

Marc Chagall dira pourquoi il était venu :

«  J’aspirais à voir avec mes propres yeux ce que j’avais entendu de si loin : la révolution de l’œil, la rotation des couleurs qui spontanément et astucieusement se fondent ensemble dans un flux de lignes conçues. Ceci n’aurait pu être vu dans ma ville. Le soleil de l’Art alors brillait seulement sur Paris. »

 C’est ce Paris là que découvre Foujita lorsqu’il arrive à Paris en 1913.

L’exposition

Quelques salles du musée des Beaux-arts sont réservées à l’artiste

Le premier thème :

Traditions, extravagance et volupté

Quelques toiles d’artistes contemporains de Foujita, un nu de Van Dongen, de Modigliani et bien sur un de  l’artiste. La période de 1921 à 1929, les tableaux de nus son au centre de son œuvre.

Un autoportrait daté de 1917, un de Kisling "femme au châle ", Modigliani fit le portrait de son amie " Jeanne Hébuterne".

Des masques, dont un autoportrait en bronze.

Un autoportrait de Foujita daté de 1922 sur fond or.

Peintures d'animaux ,tel que le lion du Douanier Rousseau, l’atelier de Soutine peint par Foujita et une vue de Cagnes, à coté  un paysage de Cagnes par Soutine.

La seconde salle présente :

Au grands fonds blancs ou le manifeste de 1928 " combat ".

Peintures monumentales. Quatre grandes toiles forment un diptyque, ce qui crée un jeu structuré d’oppositions,  entre lutte et volupté, le lien de l’homme à l’animal,  guerre et paix .Cet ensemble conclut le premier séjour parisien de l’artiste.

 Cette peinture presque monochrome démontre l’éclatante maitrise de ses fonds blancs opalescents.

2 des panneaux représentent des lutteurs (1928) les deux autres compositions aux lions et aux chiens.

Ces panneaux fonds blancs représentent pour les lutteurs des corps musclés, on y voit un de ses modèles favoris, Kiki de Montparnasse, des animaux dont les chats.

Il cherche à reproduire le marbre blanc dans sa peinture, dans les lutteurs un rappel de Michael Ange, les chiens, lions de Jean de Bologne, on retrouve aussi les influences de Poussin, Rodin.

On est saisi par la beauté de l’œuvre, la délicatesse,  la précision du trait, le rendu du corps humain, grand raffinement pour ces toiles monumentales, entre peinture occidentale et orientale.

Un portrait du lutteur japonais Tochigiyiema, il s’agit d’une peinture sur soie

  La salle suivante :

Le muralisme des années 30 et 40

Alternance de photos et peintures. Comme nous l’avons vu, Foujita fit un séjour au Brésil

"Mangue, les prostituées à Rio"  daté de 1932

Baptême de fleurs en 1959

Une grande photo représente l’artiste travaillant au Brésil.

La colombe, Le soleil , dessins de l'artiste comportant quelques anotations. (projets en cuivre ou fer non réalisés)

Il a également un peint certain nombre de boites avec un grand raffinement.

Autres tableaux "les grotesques"

"Les 7 péchés capitaux", esquisse pour les fresques de la chapelle,Notre-Dame de la Paix.

Quelques dessins pour les fonds baptismaux de la chapelle, étude pour un vitrail de l’abside. Foujita a eu un attrait pour l’art religieux occidental, dès 1917.

La nativité

Vierge couronnée par deux anges

Vierge miraculeuse

Vierge nourricière

En poursuivant nous arrivons à la salle de l’apocalypse

La crucifixion

La descente de croix

Les 4 chevaliers de Durer

Le Christ tableau et dessins

Quelques fresques pour sa chapelle Notre-Dame.

Reproduction de L’atelier de l’artiste, photos, objets personnels, objets de son quotidien soulignent son habileté créative en tout domaine et toute liberté. Grand art au kitsch, dans cet atelier un tableau «  l’âge mécanique » ici l’artiste fait référence à son enfance, on voit sur cette toile, avion, train, mécano.

Jean Cocteau dira " il est le Lewis Caroll de la peinture ".

Pour son œuvre, il s’ est inspiré  par la Renaissance italienne.

La ligne de Holbein, la rigueur de l’Orient, le trait de Matisse

Très beau parcours dans le musée des Beaux-arts de Reims, rendant hommage à ce grand artiste, peu connu.

Une autre exposition concernant Foujita se situe à Pithiviers à la Grande Halle de Chamarolles,  il y a environ 150 œuvres. Cette exposition marque le centième anniversaire de l’avènement de Foujita en tant qu’artiste, 1910 il obtient son diplôme.    A ne pas manquer

Jusqu’en 18 septembre 2010

Quelques extraits du catalogue de l'exposition. 

La chapelle Notre-Dame de la Paix :

A l’âge de 82 ans Foujita réalise cette chapelle, après la seconde guerre mondiale l’artiste  renoue avec la tradition de l’art sacré en France, il privilégie le dialogue entre l’architecture et la peinture.

Alternance de vitraux et fresques

En entrant, à droite, on voit Jésus lavant les pieds d’un apôtre, une Nativité, l’enfant Jésus couché au sol, éclairé par le rayon de l’étoile. Le portement de croix, qui suit, montre deux scènes différentes : Une saint femme essuie le visage de Jésus et Jésus console les femmes de Jérusalem.

La disposition de ces œuvres marque le début et l’achèvement de la mission terrestre du Christ.

La cène est disposée dans une voûte, les Christ et les apôtres sont assis à la table. Des vitraux présentent  des scènes tirées des danses macabres (fréquent au Moyen-âge), ces scènes évoquent les horreurs de la guerre au Japon. Sous les dalles du sol, le cercueil de Foujita et de son épouse. A coté une résurrection. Au fond de la nef, l’abside présente 3  scènes : Dieu le père en majesté, la visitation, au fond on aperçoit Notre-Dame de la Paix bénit et protège des femmes, des enfants. Sous la signature de l’artiste, il a représenté sa femme à genoux. La pêche miraculeuse. Quelques marches descendent dans la petite chapelle, consacrée à Notre-Dame des vendanges, un grand vitrail avec 6 panneaux : La création, la chute de l’homme, l’Arche de Noé, à droite, Notre-Dame des vendanges on y aperçoit la cathédrale de Reims et la basilique Saint Remi, à gauche, les 7 péchés capitaux. Les fresques suivantes présentent : le christ guérissant des malades, la descente de Croix et le baptême du christ. Au dessus de l’entrée, la crucifixion. La Vierge jeune mère en blanc, à droite, la Vierge de douleurs, en noir , elles sont agenouillées, leurs vêtement soulignent la courbe de la porte, Foujita s’est représenté dans la foule, également à genou proche de lui René Lalou.

Collection Motais de Narbonne, tableaux français et italiens du XVII et XVIII eme siècle.

 Nous sommes au XVII eme siècle, beaucoup d’artistes français se rendent en Italie certains ont obtenus le prix de Rome.

Les XVII et XVIII eme sont traversés par différents courants artistiques tel que le classicisme, le baroque, le rococo et le néo-classicisme.

Avec le classicisme, la peinture tend vers un idéal de la beauté et de perfection a travers des sujets nobles, de préférence inspirés de l'antiquité ou de la mythologie gréco-latine tels que les figures héroïques, les victoires ou la pureté des femmes. Les artistes cherchent à symboliser le triomphe de la raison sur le désordre des passions : la composition et le dessin doivent primer sur la couleur, le concept sur la séduction des sens. La peinture classique porte à la méditation et étudie les maîtres nouveaux pour exprimer la morale et, par ailleurs, le drame. Les cortèges triomphaux occupent une large place ainsi que les sujets qui exaltent les sentiments nobles.

 Le baroque utilisation du clair obscur, les expressions faciales intenses pour faire passer des sentiments. L’action ne se trouve pas forcement au centre de la toile, obliques et courbes utilisées. Impression de mouvement dans les vêtements, drapés. 1590-1790

Le rococo vers 1730, les couleurs plus tendres, des tons pastels, des formes incurvées. Les peintres décorent leurs tableaux d’anges chérubins et de tous les symboles de l’amour. Le portrait est aussi un style très en vogue.

Le néoclassicisme s’est développé entre 1750 et 1830, les thèmes moralisateurs ; mise en avant des valeurs civiques, Thèmes inspirés par l'antiquité grecque et romaine, la forme prime sur la couleur.

En Italie de nombreuses écoles se sont développées depuis la Renaissance, et ont crées de grands mouvements qui se sont répandus dans toute l’Europe.

Au XVII eme deux grandes écoles :

 Bologne : L’école se releva brillamment à la fin du XVIe siècle sous la direction de Louis Carrache (il ouvrit une académie), qui était allé puiser de nouveaux principes à Rome, à Florence, à Parme et à Venise. Ecole de la perspective, d’anatomie.

Naples : La première moitié du XVIIe siècle fut l'âge brillant de la peinture napolitaine, et elle dut cet éclat à la présence de maîtres étrangers. Ce fut aussi un temps d'intrigues, de haines, de persécutions, de crimes même parmi les artistes.

Hélèna et Guy Motais de Narbonne, couple de collectionneurs parisiens, ont constitués cette collection de plus de 40 tableaux français et italiens du XVII eme et XVIII eme siècle.

Les sujets : l’histoire, inspiration religieuse ou mythologique.

Quelques exemples illustrant cette collection :

Pierre Mignard 51612-1685) XVII ; travaille à Versailles et est anobli par le roi. Il va à Rome ou il rencontre Poussin.

"Le temps coupant les ailes de l’amour" .

Sujet - Figure allégorique. Thème moralisateur et désabusé. (Ce tableau peut-être le ressenti du peintre et de ses enfants).

Charles Mellin (1597-1649) XVII, il va à Rome travailler avec Simon Vouet .

"Apollon "

Cette œuvre a été peinte pour le cardinal Barberini.

Jacques Blanchard (1600-1638) XVII, va à Rome, Venise et Turin ou il est au service du duc de Turin, peintre du roi en 1636. Ses modèles Titien, Tintoret, Véronèse.

" La Madeleine pénitente" place privilégiée dans l’œuvre de cet artiste, il a montré la Sainte à différentes repentances.

Claude Deruet (1588-1660) XVII, était peintre de cour officiel du duc Charles III de Lorraine. Il étudie ensuite à Rome, il est anobli en 1621.

" La bataille entre les amazones et les grecs"

 Sujet – les amazones, femmes guerrières, popularisées par les grands récits antiques et les poèmes du Tasse et d’Aristote. Les héroïques guerrières on remporté la victoire sur les grecs. Un blason sur le montant du pont présente les armoiries de Gaston d’Orléans.

Jean-Baptiste Champaigne (1631-1681) XVII eme, neveu de Philippe de Champaigne.

"Marc et Mathurin"

 Le sujet - les anges venant mettre un terme au jeune de 40 jours que le Christ s’était imposé au désert.

Jacques Stella (1596- 1657) XVII eme, il va à Rome en 1623, a son retour il devient peintre de Richelieu qui le nomme peintre du roi, Louis XIII et de la régence d'Anne d'Autriche.

" Vénus et l’amour dans la forge de Vulcain "

Jean Tassel, (1608-1667) XVII eme, il est à Rome en 1634, il entre, comme Bourdon, en contact avec le milieu des peintres de bamboches.

" Le repos de la Sainte famille pendant la fuite en Egypte"

 Dominico Maria Viani (1668-1711) XVII eme Bologne

"Le retour du fils prodigue", intensité du regard importante.

 Francesco Caro (1607-1665) XVII eme formation à Milan, intérêt pour le Caravage, la manière de premières bambochades.

" David avec la tête de Goliath"

 Antonio Tampesta XVII eme Rome

" David décapitant Goliath devant l’armée des philistins opposé à Israël".

  Charles Le Brun (1619-1690) XVII eme, premier peintre du roi, directeur de l'Académie royale de Peinture et de Sculpture, et de la Manufacture royale des Gobelins. Il s'est surtout illustré dans la décoration du château de Versailles et de la galerie des Glaces.

" Mucius Scævola devant Porsenna "

Sujet historique -Caius Mucius, devant le spectre terrible d'une défaite que faisait craindre le siège de Rome par les Étrusques, décide de lui-même de s'introduire dans le camp ennemi et d'assassiner son roi. Pour éviter qu'on le prenne pour un déserteur, il met le Sénat au courant de sa décision Sujet raconté dans l’histoire romaine par Tite-Live.

 Laurent de La Hyre XVII eme

" Assomption de la Vierge"

 Simon Renard de Saint André (1613-1677) XVII eme, portraitiste mais aussi connu pour ses vanités

" Vanité "

Sujet – Le crâne, sablier, bougie, violon font partis des composantes vanités ; type d’image destinée au XVI eme à favoriser la méditation des derniers instants.

Nicolas Chaperon XVII eme, carrière entre Rome et Paris dans le sillage de Vouet et Poussin.

"Le repos de la sainte famille pendant la fuite en Egypte".

Sébastien Bourdon XVII eme.

" Saint Charles de Borromées secourant les pestiférés".

Sujet – Saint Charles invoque l’ange Gabriel pour éradiquer la peste à Milan, le calice et l’hostie à ses pieds.

Lubin Baugin (1610-1663) XVII eme, spécialiste de natures mortes, il part en Italie vers 1640 ou il ne peindra plus que des scènes religieuses,

"La Vierge à l’enfant".

Charles Poerson (1653-1725) XVII eme, directeur de l'Académie de France à Rome, de 1704 à sa mort, en 1725. Il a participé à la décoration de l’hôtel des Invalides.

"L’annonciation", identique à une tapisserie de la série tenture de la Vierge, tissée au XVI eme siècle.

Nicolas Mignard (1606-1668) XVII eme, frère de Pierre Mignard, il passe deux ans en Italie à Rome. Appelé à Paris par Mazarin en 1660, il fut chargé par Louis XIV de décorer plusieurs appartements du rez-de-chaussée des Tuileries. Il fut reçu à l'Académie le 3 mars 1663 et en devint recteur .

"Saint Jean- Baptiste au désert"

Grégorio de Ferrari (1647-1726) XVII eme Florence, peintre baroque, chef d’œuvre dans la cathédrale San Lorenzo à Gènes.

" Le repos pendant la fuite en Egypte"

Le Guerchin (1591-1666) XVII eme siècle Bologne.

" Saint Pierre apôtre" , il a les clefs du royaume des cieux.

Antonio de bellis (1616) XVII eme Naples Au IV eme siècle,

"Dorothée envoyée au supplice en Cappadoce par Fabricius, car elle refusait de se marier "

Mattia Preti (1613-1699) XVII eme La Valette, il va à Rome, issu de l’ecole napolitaine.

" Thomyris faisant plonger la tête de Cyrius dans le sang".

Sujet- Cyrus grand vaincu par Thomyris, reine des Massagètes. Arès avoir soumis les peuples d’Asie mineure et de Babylone, Cyrus est encore avide de conquêtes et jette son dévolu sur les contrées dirigées par Thomyris. Elle le demande en mariage, il décapite son fils, elle lui plonge la tête dans le sang humain.

Nicolas Bertin (1667-1736) XVIII eme, prix de Rome en 1685.

"Le Christ et la Samaritaine",

Sujet- Le Christ demande à boire à une femme de Samarie.

François Lemoyne 1688-1737 XVIII eme, prix de Rome en 1736, fut nommé premier peintre du roi, le plafond d’Hercule à Versailles, classé dans les peintres rococo période allant de 1730 à 1770.

" Jacob et Rachel au puits "

Sujet -lié à un épisode biblique, jugement dans la genèse.

Antoine Rivalz (1667-1735) XVIII, il fait son enseignement à Toulouse, Paris et Rome, influencé par l’art baroque et classique il décore l’hôtel de ville de Toulouse .

"La mort d’Arria"

 Sujet- noble romaine, elle veut convaincre son époux, accusé de corruption contre l’Empereur Claude, de se donner la mort.

Nicolas Colombel (1646-1717) XVIII, admis à la l’académie saint-Luc à Rome ; Louis XIV le chargea de décorer plusieurs appartements à Versailles et à Meudon.

"Portrait d’une femme sous les traits d’une source ou de Venus"

 (ce serait un portrait d’Adrienne Lecouvreur) Adrienne Lecouvreur (artiste dramatique française XVIII)

Joseph Marie Vien 1716-1809) XVIII eme, précurseur du néoclassicisme, Il est directeur de l'Académie de France à Rome de 1775 à 1781 et premier peintre du roi en 1789 ; cette toile fut exposée en 1755 au Salon.

"Saint Jérôme en prière." 

 Michel-François Dandré Bardon (1700-1783) XVIII, formation à Aix en Provence, va à Rome et Venise.

" Antiochus, Epiphane ordonne le massacre des 7 frères Maccabées"

 Sujet – scène biblique, persécutions du peuple juif.

Louis de Boullogne (1657-1733) XVIII eme, grand prix de peinture, il part à Rome en 1676, avant de revenir à Paris il passe par la Lombardie et Venise.

" Le triomphe de Gallatec"

 Donato Creti (1671-1749) XVIII eme peintre italien rococo bologne

"La vierge de l’apocalypse entre Saint Vincent Ferrier et Saint Antoine de Padoue"

 Sujet – prédicateur de l‘ordre des dominicains Saint Vincent reconnaissable à la flamme sur sa tête, Saint Antoine porte la robe et le lys devant lui.

P-Hubert Subleyras (1699- 1749) XVIII eme Rome, artiste français, établi à Rome après avoir remporté le Premier Grand Prix de peinture de l’Académie de Rome en 1726 .

"L’annonciation"

 François Boucher XVIII eme rococo

"Joshua cédant les trésors du temple de Jérusalem à Titus" tiré de la guerre des juifs.

 Nicolas Vlughels (1668-1737) ; XVIII eme, en 1724 nommé directeur de l’académie de France à Rome

"Apelle peignant Campaspe"

 Sujet – tiré de l’histoire naturelle de Pline l’Ancien, chargé par Alexandre Legrand de faire le portrait de sa maitresse Campaspe.

 Francisco de Mura XVIII eme Naples

" Le roi Salomon dirigeant la constitution du temple de Jérusalem". Pour l’église Santa chiara à Naples

Sujet- Robert d’Anjou.

 Luca Giordano (1632-1705) XVIII eme Naples, placé en apprentissage auprès de José de Ribera par le vice-roi de Naples, il va à Rome, Venise pendant plus de 10 ans et va à Madrid invité par Charles II d’Espagne ou il restera peindre les fresques au monastère de l'Escorial, au palais royal de Madrid et de Tolède qui conservent une partie de ses œuvres

"Le Christ devant Caïphe", 

Sujet - épisode  qui se place juste après l’arrestation du Christ.

Francesco Botti (1640-1710) XVIII eme Florence.

" Le temps démasquant le mensonge"

 Sujet- le retrait des masques entre homme et femme.

Quelques salles du Louvre réservées à la présentation de cet ensemble cohérant réunissant artistes français et italiens du XVII eme et XVIII eme siècle, dont certains peu connus.

Belle collection à visiter au Louvre jusqu’au 28 juin