A l’entrée de l’exposition  une allée de costumes d’apparats, nous arrivons sous une rotonde quelques carrosses sont exposés, une vidéo présente les cours européennes.

20 petits pavillons pour présenter chacune des cours.

Le Portugal

Le roi Louis 1^er (1838-1889) et Maria Pia (1847-1911)

La cour au Portugal au XIX eme siècle  

Second fils de la reine Maria II et de Ferdinand de Saxe Cobourg et Gotha, le futur roi Louis nait à Lisbonne en 1838. Il a reçu une éducation moderne qui lui a permis de voyager en Europe. Il décide de faire carrière dans la marine, il est passionné par la mer,et est nommé capitaine de corvette en 1859, il prend le commandement  du voilier « Pedro Nunes » et de la corvette « Bartolomeu Dias ». Lors d’un de ses voyages en 1861, il apprend le décès de son père et son frère est gravement malade, il ne le reverra pas.

Louis va être acclamé en tant que roi à son retour à Lisbonne fin 1861, prenant le nom de Louis 1^er, il va régner pendant 28 ans. Il va régner d’une manière pacifique et réaliser de nombreuses réformes et innovations : construction des chemins de fer, créations des banques, abolition de la peine de mort 1867, fin de l’esclavage 1869, réformes de l’enseignement et de la législation, fondation de l’Académie des beaux-arts, création de la galerie royale de peintures du palais d’Ajuda en 1869.

Il existe des conflits d’ordre politique, il va s’appuyer sur ses liens familiaux pour maintenir une position favorable au Portugal. N’ayant pas d’héritier il épouse Maria Pia de Savoie, née en 1847 à Turin, fille de (Victor Emmanuel II et de Marie Adelaïde d’Autriche). La nouvelle reine arrive au Portugal en 1862. Les festivités du mariage sont grandioses, la reine est accueillie chaleureusement par le peuple portugais, elle donne naissance à un fils, le prince Charles en 1863, un second fils, Alphonse en 1865. La reine,  fait entreprendre des travaux de restauration et de réaménagement, pour  transformer les lieux, elle  commande du mobilier, de l’argenterie, de la verrerie, vaisselle. Le palais devient l’égal du palais de Turin, durant toute sa vie elle se passionnera pour la décoration. Louis, nourrit un grand intérêt pour les sciences et les techniques. Il fait équiper le palais d’ascendeurs, de l’éclairage au gaz, puis de l’électricité et téléphone.

A l’exposition : Deux portraits un du roi Louis 1er  et celui de la reine Maria Pia, par le peintre Michele Gordigiani. Un tableau représente le mariage de Louis 1er et Maria Pia en 1864, d’Antonio Manuel da  Fonseca, ancien professeur de dessin du Prince. Un autre tableau montre l’arrivée de Maria Pia à Lisbonne à bord de la corvette Bartolomeu Dias, de Joao Pedroso Gomes. Un collier et un diadème en diamants de la reine. Une table est dressée, richement décorée, il s’agit de la reconstitution de la table du repas de mariage.  Présentation du grand service d’orfèvrerie de Joseph 1^er (1714-1777), roi du Portugal, par François-Thomas  germain orfèvre de Louis XV (époque de la découverte de mines d’or , d’argent et pierres précieuses au Brésil, période qui enrichit le Portugal), le service était composé de 900 pièces, la commande passée en 1756 dura jusqu’en 1765 fin de la livraison, le service fut inauguré pour le couronnement de la reine Maria en 1777 grand-mère du roi Louis (ce service est l’un des plus importants au monde, aujourd’hui il est incomplet).

L’Espagne

Philippe V (1683-1746) et Elisabeth Farnèse (1692-1766)

La monarchie espagnole dans la première moitié du XVIII eme siècle

Philippe V de Bourbon et sa seconde épouse Elisabeth Farnèse, couple très unis, ils apportent à la monarchie espagnole le lustre qui la caractérisa sous l’Ancien Régime. Ils donnèrent naissance à de nombreux princes, ce qui permit  d’assurer la continuité dans la dynastie des Bourbons d’Espagne, et fondèrent de nouvelles branches de la famille à Naples et Parme. Philippe V et Elisabeth Farnèse avaient divers intérêts communs, ils souhaitaient maintenir le rang de l’Espagne parmi les puissances d’Europe, mais cherchant aussi à regagner en Italie les terrains perdus pendant la guerre de succession.

Philippe, duc d’Anjou, second fils du grand Dauphin et petit fils de Louis XIV. Charles II le dernier souverain espagnol de la maison des Habsbourg en 1700, en fit l’héritier universel de la monarchie espagnole. C’est ainsi que débuta le règne du premier Bourbon d’Espagne, il s’installa à Madrid en 1701. il épouse Marie-Gabrielle de Savoie, ils eurent 4 enfants. Elle mourut en 1714 et seuls deux enfants survécurent. La même année Philippe V se remarie avec Elisabeth Farnèse (héritière des duchés de Parme et de Plaisance, et des droits héréditaires sur la Toscane). Ils eurent de nombreux enfants.

Sur le plan international, les souverains réussirent, aux prix d’énormes sacrifices de guerre, à corriger la situation créée en Europe par la guerre de Succession, lors de laquelle la couronne espagnole avait perdue les Pays-Bas et ses territoires italiens. Ils s’inspirèrent des modèles administratifs français. Leur palais et les œuvres d’art dont ils s’entouraient constituaient un cadre idéal pour leur mode de vie étroitement lié sur le cycle des saisons, projetant une image très représentative de leur pouvoir monarchique : leurs gouts cosmopolites, influencées par les modèles français et italiens, reflétait leurs attaches dynastiques et leurs aspirations politiques. Philippe V abdiqua en faveur de son fils Louis 1^er, et se réfugia en 1724 dans sa nouvelle résidence royale de la Granja de San Ildefonso.

A l’exposition : un tableau représentant le banquet du mariage d’Elisabeth Farnèse et Philippe V par Lo Spolverini, le portrait du roi Philippe V, Celui d’Elisabeth Farnèse, la reine par le peintre Van Loo, l‘Académie de dessin par Michel-Ange Houasse, Quelques vases du XVIII eme, de la manufacture de Ben Retiro.

La tenture de Don Quichotte de la Mancha, de Miguel Servantes, œuvre devenue intégrante du répertoire classique, le thème fut déjà utilisé par les peintres au XVII eme  siècle, devient très populaire au XVIII eme dans les manufactures de tapisseries européennes, la première tapisserie nous vient d’Angleterre ; Louis XV et Louis XVI firent connaître le don Quichotte des Gobelins partout en Europe. Dans sa jeunesse Philippe, duc d’Anjou, s’était interessé au roman, après avoir été nommé roi d’Espagne, il chargea en 1721 son peintre officiel, Andréa procaccini de réaliser les cartons de l’histoire de Don Quichotte, il commanda des tapisseries sur ce thème aux manufactures royales, il existe 20 scènes à Madrid. Ici trois d’entres elles sont exposées : "l’aventure des moulins à vent et le duel avec le valet biscaïen ", " Sancho est berné dans une couverture " assez comique dans la situation, et " Don Quichotte est enfermé dans une cage ", ici c’est plutôt la tristesse et la mélancolie, le découragement par rapport à la réalité. Ces tapisseries sont très réalistes et les couleurs magnifiques.

La France

Napoléon (1769-1821) et Joséphine (1763-1814)

Joséphine est veuve du général Beauharnais, qui a connu la gloire au service de la République, Napoléon est séduit, ils se marient rapidement en 1796. Bonaparte doit quitter son épouse rapidement pour prendre le commandement de l’armée d’Italie. Joséphine ne peut avoir d’héritier cela va causer une fêlure dans le couple, elle est indifférente à son mari, mais elle finit par le rejoindre pendant plus d’un an, elle s’installe à Milan au palais Serbelloni, séparés à nouveau à cause des combats. Ils reviennent tous les deux à Paris en 1797, Napoléon part en Egypte, mai sachant que son épouse a une relation avec Hippolyte Charles, il décide de divorcer dès son retour. Joséphine n’ayant aucune nouvelle de son mari fait l’acquisition de la Malmaison en 1799, préparant le retour de son époux elle donne des diners aux membres du Directoire, mais sachant qu’il se trouve à Fréjus, Joséphine décide de le rejoindre, ils se réconcilient, le 9 novembre le coup d’Etat donne à Napoléon le plein pouvoir avec le titre de Premier Consul, le 11 elle devient la première Dame de France. Nommée impératrice en 1804, elle se veut irréprochable. Mais elle sera pratiquement toujours seule, à Malmaison, Saint-Cloud, aux Tuileries, ils divorcent en 1809.

A l’exposition : Tableau de Napoléon 1^er en costume de sacre par Gérard, un diadème de l’impératrice avec des camées représentant le char d’Apollon offert par son beau-frère  Joachim Murat, roi de Naples.

 Un tableau représente une vue du salon de musique de Joséphine par Augustin Garneray en 1812 à Ruel Malmaison, une toile montre l’impératrice portant sa parure de saphirs par Henri-François de Riesener, un autre représente le sacre de Napoléon le serment par Fontaine, des bustes de l’impératrice et de l’empereur manufacture en biscuit de Sèvres, une pendule de cabinet de travail de l’empereur au Grand Trianon de Jean-François Bailly horloger datée de 1813, tabatière en corne et miniature sur ivoire représentant Napoléon couronnant Joséphine, service de l’empereur en porcelaine de Sèvres, avec vues du palais de Saint-Cloud, l’orangerie du jardin des plantes, le phare d’Alexandrie, théière du cabaret à thé égyptien composé de neuf tasses et soucoupes porcelaine de Sèvres, la parure de saphirs de l’impératrice (saphirs, perles et diamants), bourse de l’impératrice soie brodée d’argent. 

L’Angleterre

Victoria (1819-1901) et Albert (1819-1861)

Une union sous le signe de l’amour, un grand rôle européen

Victoria nait en 1819, héritière d’une dynastie prestigieuse, prédestinée à donner des héritiers à son grand-père, George  III, père de 15 enfants dont 7 parvenus à l’âge adulte, deux lui succèdent, son fils ainé George prince de Galles, marié à Caroline de Brunswick, ils eurent une fille Charlotte, qui épousa le prince Léopold de saxe-Cobourg. Les autres fils du roi  avaient une vie désordonnée, mais la princesse Charlotte décéda très jeune, C’est Edouard duc de Kent qui épousa Victoria de Saxe-Cobourg qui donna naissance à Victoria en 1819, elle perdit son père très jeune, elle fit la rencontre en 1836 des princes Ernest et Albert fils du duc de Saxe-Cobourg et Gotha. En 1837, elle monte sur le trône, couronnée le 28 juin 1838 à L’abbaye de Westminster, elle épouse son cousin Albert dans la chapelle du palais de Saint-James en 1840. Le couple formé par Victoria et Albert,  fondé sur une communauté de valeurs et d’intérêts, est demeuré un modèle du genre. Ils partageaient une même passion pour les arts, les collections royales britanniques recèlent de nombreux témoignages leur peintre préféré était le portraitiste allemand Winterhalter, l’artiste séjournait régulièrement à Londres.

Louis-Philippe manifestait son attachement à la famille princière, il désirait un rapprochement entre la France et l’Angleterre, susceptible de sortir la première de l’isolement diplomatique auxquels les traités de 1815 l’avaient réduite. Les journées de juillet 1830, les " 3 Glorieuses ", l’avaient porté lui-même porté sur le trône, avaient réveillé le spectre des violences révolutionnaires. Il lui fallait rassurer les puissances européennes et, par la même, leur faire accepter sa propre légitimité. C’est Victoria, qui prit l’initiative de rencontrer en 1843 le roi des français, la reine fut reçue au château d’Eu, résidence personnelle de Louis Philippe. La rencontre fut immortalisée par plusieurs artistes.

A l’exposition : Un tableau montrant le festin offert au roi Louis Philippe le 11 octobre 1844, il vient d’être reçu dans l’ordre de la jarretière au château de Windsor. D’Edouard-Henri-Théophile Pingret,

Un autre montre le concert donné dans la galerie des Guise au château d’Eu le 4 septembre 1843, devant Louis Philippe et la famille royale, la reine Victoria et le prince Albert, toile d’Eugène Lami.

Un portrait de la reine Victoria, reine de Grande-Bretagne, d’Irlande et des Indes par Winterhalter,  un buste de la reine Victoria daté de 1888 en marbre du  sculpteur Comte Gleichen, 

Luxembourg

Le grand duc Adolphe (1817-1905)

Duc de Nassau et grand duc du Luxembourg

Adolphe duc de Nassau, devient grand-duc du Luxembourg à partir de 1890. Il joua un rôle décisif. Il a remis de l’ordre dans une Europe bousculée depuis plus de 20 ans par la Révolution française, le Premier  Empire,  le congrès de Vienne en 1815 fait renaitre un Etat entièrement annexé à la France.

L’origine du Luxembourg date de 963. Au XIV eme siècle, les Luxembourg sont parmi les familles féodales qui comptent en Europe, alliés aux rois de France, ils sont puissants dans le saint empire romain, rois de Bohèmes par mariages, ils deviendront a plusieurs reprises empereurs du saint Empire germanique. Mi XV eme, l’âge d’or du pays prend fin, cela pendant plusieurs siècles, la destinée du pays se trouve entre les mains de souverains étrangers. La révolution française et l’Empire en font des départements français. 1815, l’Etat, élevé au rang d’un grand-duché, fut offert au roi Guillaume 1^er, des Pays-Bas pour des territoires cédés à la Prusse. Lorsque la révolution de 1830 éclate en Belgique, suivie de son indépendance l’avenir du Luxembourg est incertain. Le traité de Londres de 1839 consacre son indépendance, après avoir céder sa partie francophone à la Belgique. Guillaume 1^er reste roi des Pays-Bas et d’Orange-Nassau et Grand Duc du Luxembourg. La principauté de Nassau devient  un duché en 1806, le 1^er duc est Fréderic-Guillaume de Nassau Weilbourg, (introduit auprès des puissants de l’époque). Allié par sa famille aux tsars, le duc Adolphe, fils de Guillaume, épouse en 1844, une nièce de Nicolas 1^er, mais la jeune duchesse décède très tôt. Le Duc se remarie en 1851, avec la princesse d’Anhalt-Dessau, Adelaïde-Marie. Ils auront un fils Guillaume IV. Très intelligente, appréciée, elle aime l’art. Le Duc hérite de la couronne  luxembourgeoise par suite des règles du pacte de famille Nassau en 1783 (après décès de 3 fils du roi Guillaume III).

Adolphe prend comme résidence officielle l’ancien hôtel de ville de Luxembourg, il décède en 1905, son fils Guillaume IV, lui succède. La grande duchesse Adelaïde montera sur le trône en 1912, ensuite ce sera la princesse Charlotte en 1919.

A l’exposition : Le portrait de la grande duchesse Adelaïde-Marie à cheval, toile d’Emile Adam, portrait de Frédéric Guillaume de Luxembourg de Johann Friedrich August Tischbein.

 Un service de table aux  armes des oranges Nassau en argent doré de Samuel Bardet, le diadème de la grande duchesse en argent, or, diamants taillés en roses, en poires et en coussin. Deux broches en forme de cœur, souvenirs des noces d’or de Koch, or, brillants, fond nacré recouvert de cristal poli.

Belgique

Léopold 1^er (1790-1865)

Premier roi des Belges et homme d’état européen

Septembre 1830, des régions s’étaient séparées du royaume des Pays-Bas, il fallait un chef d’état pour ces régions, le choix s’est porté sur le prince Léopold de Saxe-Cobourg, veuf de la princesse charlotte d’Angleterre. La Belgique se dotait d’un roi avec une expérience internationale, avec des liens le rattachant presque à toutes les dynasties européennes. Léopold 1^er voulait œuvrer à la paix en Europe et au bien-être du pays. En 1932, il épouse Louise d’Orléans, la fille ainée de Louis Philippe roi des français. Ils eurent 4 enfants.

Le roi s’attacha à préserver la neutralité de la Belgique afin de maintenir la paix. Sa préoccupation la stabilité politique à l’intérieur comme à l’extérieur du pays, désireux que le gouvernement soit aussi indépendant que possible des partis, il défendit une politique nationale modérée, mettant l’accent sur l’unité des citoyens. Léopold considérait les ministres comme ses collaborateurs personnels. La politique étrangère fut son champ d’action de prédilection.

Homme d’état d’envergure, il a su orienter la vie politique en Belgique et en Europe durant 30 ans.

A l’exposition :Une statue équestre de Léopold 1^er XIX eme , un portrait du roi des belges Léopold 1^er en 1840 par Winterhalter, portrait de Louise Marie d’Orléans, reine des Belges par Winterhalter, toile montrant le mariage du roi et de la reine des Belges dans la chapelle du château de Compiègne en 1832 par Joseph Désiré Court, un  buste de la reine en plâtre patiné, la maquette du train " le Belge " offerte au prince Baudouin à l’occasion des fêtes jubilaires en 1938, assiettes à l’effigie de Léopold 1^er et Louise Marie d’Orléans, en faïence fine, pendule à l’effigie de la reine Louise en bronze.

Pays-Bas

Wilhelmine (1880-1962)

L’éducation d’une reine

Wilhelmine nait en 1880. Deux jours avant les 18 ans de Wilhelmine, et une semaine avant l’accession de la princesse au trône des Pays-Bas, Victoria doyenne des souveraines de l’époque, écrits une lettre d’encouragement à Wilhelmine sa nièce. La jeune fille avait reçu le titre royal après la mort de son père Guillaume III en 1890, mais devait avoir 18 ans avant d’être intronisée. Les deux souveraines ont des points communs : fille unique toutes les deux, héritent à 18 ans d’un lourd fardeau de la couronne, jouirent d’un grand prestige en tant que chef d’état régnant sur une grande puissance coloniale, et apportèrent  pendant leur règne  une forte autorité à la fonction  qu’elles exercent  en symbolisant l’unité nationale. Avec sa mère Emma, la jeune fille parcourra le territoire national de 1891 à 1898, rencontrant les autorités locales, assistants a des expositions, rendant visite à des œuvres sociales, participant a des cérémonies officielles, et posa la première pierre de l’université d’Utrecht. Elle prêta serment sur la Constitution, scellant son installation à la tête de l’état néerlandais  à la fin de la régence de sa mère, le 6 septembre 1898.

Après son intronisation, il fallait trouver un prétendant à Wilhelmine, assurer la descendance de la dynastie. Le candidat devait être de la haute noblesse protestante d’Europe, le choix se fit sur Henri (1876-1934), fils du grand duc de Mecklemburg-Schwerin. Le mariage fut célébré en 1901 à La Haye, Juliana naquit 8 ans plus tard. A cette occasion la ville d’Amsterdam offrit à Wilhelmine un berceau  qui accueillerait plus tard sa petite fille Beatrix (1938).

A l’exposition : Une robe de cour portée par les douze années de règne de la reine Wilhelmine, soie brodée de fils d’or, tulle brodé, nacre dans les  tons de beige rosé,  une robe traditionnelle de Frise offerte par les femmes de cette province en 1892, pour l’anniversaire de la jeune reine, tableau représente la reine Wilhelmine dans un parc du palais Soestdijk, 1898 de Willy Martens, un autre tableau montre le mariage de Wilhelmine avec le prince Henri de Mecklenburg-Schwerin à la Haye en 1901, un éventail offert par la ville de Paris à la reine en 1912 (tradition d’offrir un éventail à toutes les reines en visites à Paris), la soie peinte de l’éventail représente l’entrée d’Alexandre Le Grand dans Babylone, au verso inscription concernant la visite officielle de la reine, un cabinet offert à la reine Wilhelmine pour son mariage, comportant 116 petites aquarelles peintes par les peintres de la Haye, berceau de la princesse Juliana offerte à la reine par la ville d’Amsterdam, portrait de la reine Wilhelmine entouré de son époux et de leur fille Juliana en costume du XVII eme siècle, perpétuant les liens historiques unissant les Pays-Bas à la famille d’Orange de Thérèse Schwartze

Danemark

Christian IV (1577-1648)

Christian IV, roi de Danemark et de Norvège

Fils ainé de Fréderic II, roi de Danemark et de Norvège et de Sophie (née duchesse de Mecklenburg), il reçu une éducation très complète, il apprit le danois, l’allemand, le français, l’anglais et le latin et ce qui était approprié à son futur rôle de roi. 1584, son père le roi, lui offre une horloge de grande valeur, un portrait du prince, peint par Hans Knieper en 1585. Au décès de son père le prince va avoir seulement 11 ans, un gouvernement de régence fut constitué. En 1595, le Conseil d’Etat décida que l’héritier était mur pour accéder au trône. Après avoir signé la charte du couronnement, un contrat entre le Conseil d’Etat et le roi, Christian fut couronné en août 1596 à Copenhague.  

Christian IV avait de grands projets pour le Danemark: exercer son pouvoir sur l’entrée de la mer Baltique en contrôlant les voies navigables d’Oresund, Storebaelt et Lillebaelt. En 1620, soucieux de consolider sa position comme principal partisan du luthéranisme dans les régions scandinaves, en compétition, avec la Suède, Christian décida d’engager le Danemark dans ce qui allait devenir la guerre de Trente Ans. Le Conseil d’Etat jugea d’éviter un conflit avec les forces catholiques du saint empire romain, le roi, en sa qualité de duc d’Holstein qui le rendait indépendant de la couronne danoise, et donc du conseil d’état, choisit de passer outre son avis en 1625, des affrontements peu concluent, l’épisode guerrier prit fin en août 1626. Lorsque l’armée de Christian IV fut pratiquement anéantie à la bataille de Lutter-Am-Barenberge (nord-ouest de Goslar, Basse Saxe). Les troupes impériales, sous le commandement du général Wallenstein, mirent à profit cette victoire, le général envahit et pilla le Jutland. Un accord de paix fut conclut en 1629. En 1643, les suédois tentèrent de porter un coup fatal au Danemark, sans déclaration de guerre, le Jutland fut envahit, le roi fut blessé, les danois perdirent cette bataille, à sa mort en 1648, Christian IV laisse le pays ruiné et toujours en conflit avec la Suède. C’est son fils, Frédéric III , qui lui succédera. Christian IV avait épousé en 1597, Anne Catherine de Brandebourg, ils eurent 6 enfants, elle mourut en 1612. Avec sa seconde épouse Kirsten Munk ils eurent 10 enfants, elle fut chassée par le roi en 1630. Christian IV, fut un monarque absolu. Il avait étudié l’art et l’architecture, au début de son règne il fit grandir Copenhague, doublant presque la cité médiévale. On peut voir encore aujourd’hui : l’arsenal et le port, le château de Rosenborg, la bourse, l’église Trinitatis, la tour ronde, il fonda de nouvelles villes et donna son nom a plusieurs d’entre-elles.

 Christian IX (1818-1906)

Christian IX, roi de Danemark et la reine Louise (1817-1898), les beaux parents de l’Europe

Le prince Christian et la princesse Louise de Hessel-Cassel appartenaient tous les deux à des branches lointaines de la famille royale de Danemark, leur mariage fut célébré en 1842, ils eurent six enfants.

1848, Frédéric VII succéda à son père, Christian VIII sans enfants. En 1852, au terme de négociations internationales, le prince Christian fut désigné comme successeur du trône. En 1863, au décès de Frédéric VII, le prince Christian et la princesse Louise montèrent sur le trône du Danemark. Appelés les beaux parents de l’Europe, leurs enfants ayant acquis des positions en vue, grâce à leurs mariages et leurs fonctions. Les enfants dispersés dans les cours européennes se retrouvaient l’été au Danemark dans le château de Fredensborg.

Les activités royales furent influencées par le fait que, ayant subi une défaite en 1864, lors d’une courte guerre entre une alliance russo-autrichienne et le Danemark, ce dernier dû céder les duchés de Schleswig Holstein et Lanenburg. La popularité du roi et de la reine due en grande partie à leur image de beaux parents de l’Europe, ne cessa de croitre

A l’exposition : Portraits du roi Christian IX et de la reine Louise par le peintre August Schiott, la famille royale de Christian IX en 1898 par Laurits Tuxin, robe de bal de la reine Louise, uniforme de Christian IX, Boussole aux armes de Christian IV en argent doré (1595) ,une pendule avec automates représentant l’empereur entouré de sept grands électeurs, en bronze doré (1600), une soupière et plat du service Flora Danica (1784-1801) de Soren Preuss. Saucière avec plateau, rafraichissoir  du service Danica.

Histoire du service de table Flora Danica : 1648, un botaniste danois Simon Paulli, publia une étude recensant toutes les espèces de plantes poussant au Danemark et leur utilisation pratique. Il intitula son ouvrage Flora Danica. Dans la seconde moitié du XVIII eme siècle, la botanique gagna en prestige auprès des principaux dirigeants européens comme la plus prometteuse des sciences naturelles, chacun espérant en tirer un bénéfice pour son économie nationale. C’est à cette époque que germa l’idée d’associer la porcelaine à la Flora Danica.

Norvège

Haakon VII (1872-1957) et Maud (1869-1938)

La nouvelle monarchie norvégienne et son contexte

La plus vieille lignée royale norvégienne, remonte à Odin et au monde des dieux norrois. En 872, le roi Harald 1^er fait de la Norvège un royaume. Aujourd’hui le pays est dirigé par son descendant Harald V. Les dynasties royales se sont succédées à travers les âges, de l’unification du royaume, en passant par les rôles du roi et de l’église au moyen âge,  Olav IV meurt en 1387 dernier représentant de la lignée royale, l’union de Kalmar période de rapprochement avec le Danemark (1450-1814), les répercussions des guerres napoléoniennes lorsque la Norvège fut unie à la Suède (1814-1905), jusqu’à la monarchie constitutionnelle  d’aujourd’hui instaurée en 1905. La constitution de mai 1814, apparaît comme l’une de la plus démocratique d’Europe. Elle abolie la noblesse, mais la personne du roi est sacrée et inviolable. Le pouvoir royal et celui du dirigeant suprême de l’Eglise est dans les deux cas d’origine divine. Le roi bénéficie  d’une immunité et  jouit d’un statut d’exception. C’est sur cette base que le peuple norvégien, choisit le prince Charles de Danemark (1872-1957) et la princesse Maud (1869-1938), (fille du roi Edouard VII et de la reine Alexandre de Grande-Bretagne), pour roi et reine de Norvège. Le roi prit le nom de Haakon VII, il devient le symbole de liberté et d’indépendance nationale en particulier pendant la seconde guerre mondiale, ayant refusé de se soumettre aux exigences des nazis, le roi s’exila à Londres, d’où il dirigea le pays. Le roi montait sur le trône en 1905, le roi Haakon VII est la reine Maud, pouvaient retracer leur lignée ayant pour grand-père commun Christian IX du Danemark. La Norvège venait de rompre son union avec la Suède, il était important que les familles royales européennes apportent leur caution au nouveau roi.

Si la constitution a bridé le pouvoir royal, l’exécutif est resté entre les mains du roi, aujourd’hui toutes les affaires sont traitées par le gouvernement.

Haakon VII fut le fondateur de la monarchie norvégienne démocratique et moderne, et son incarnation, tandis que le Parlement et le gouvernement dirigent le Pays. Symbole de l’unité et de l’indépendance de la nation, il fut surnommé par les norvégiens « le roi du peuple » pour le style direct et sobre qu’il adopta dans l’exercice de ses fonctions, pour la simplicité de sa cour et de sa vie. Un  modèle pour ses successeurs. Si le roi est le fondateur du nouveau royaume norvégien, la reine Maud a été l’épouse qui l’a fidèlement suivi dans son nouveau pays, elle a su s’y construire, sans tapage, sans une vie de cour clinquante et superficielle, reine sans reproche, par son apparence, sa présence et par la ferme originalité de sa personnalité. Cependant la reine Maud avait un goût vestimentaire très sûr, s’attachant à suivre la mode, à choisir des lignes saillantes. Elle créa un style moderne et personnel, aussi bien adapté à son rôle de reine qu’à sa vie privée.

Quelques modèles sont exposés : de  Morin-Blossier grande maison parisienne  en 1900 qui habilla la reine, ainsi que la maison Worth. La robe " Arlésienne" est exposée collection de 1912 de chez Worth (noire et blanche), autre robe du soir de 1906, beige brodée de pierres de chez Morin-Blossier, la robe du couronnement 1906, en lamée or et dentelle brodée de fils de métal doré de chez Vernon à Londres. Deux bustes en bronze du roi et de la reine de Lars Utne, un tableau représente le couronnement du roi Haakon VII et de la reine Maud en la cathédrale de Trondheim en juin 1906 du peintre Gabriel Kielland. La Grande croix et chaine de l’ordre royal norvégien de Saint Olav.

Suède

Gustave III (1746-1792)

Gustave III, un règne théâtral

Gustave III, est l’une des personnalités les plus fascinantes en raison de sa nature complexe et son goût pour le théâtre. Pourtant peu de souverain suédois ont mieux que lui  tenu leur rôle de roi. Il était aussi écrivain, metteur en scène, architecte. Artiste et homme d’Etat, les deux sont liés dans sa personnalité, amateur d’art passionné, doublé d’un caractère notoirement égocentrique, animé d’un réel souci de propagande nationale. Ces traits sont également décelables chez l’homme d’état. Son enfance fut marquée par la lutte des pouvoirs opposants les états au roi. Sa mère a dominée sa vie. Il avait une attirance particulière pour la France, dès l’âge de 10 ans, il écrivait des pièces en français, dans lesquelles il tint lui-même les rôles.

1771, il accède au trône au décès de son père Adolphe Fréderic, c’est à cette période qu’il prit des distances avec sa mère jusqu’à la rupture. Son épouse Sophie Madeleine (danoise), leur premier fils voir le jour en 1778.

Gustave III fut toujours un personnage insaisissable.

Gustave et le théâtre, son règne débuta et s’acheva au théâtre, il a appris le décès de son père Adolphe Fréderic en 1771 lors d’une soirée lyrique à Paris, il était à l’opéra de Stockholm qu’il fit la fin de son règne, lors du bal masqué il fut assassiné en 1792.

Son règne fut éclatant, ce fut l’âge d’or de l’histoire culturelle de la Suède, musées, théâtres, les académies virent le jour, les beaux arts florissants, de nombreux artistes vinrent en Suède, acteurs, compositeurs, décorateurs, le roi lui-même joua des rôles, les costumes étaient somptueux.

La pendule dynastique de Suède datée de 1784, offerte au roi lors d’un voyage à Paris, par des suédois vivant à Paris, les personnages correspondent aux ancêtres que le roi admirait, disposés l’un au-dessus de l’autre sur l’obélisque de l’immortalité figurent les portraits de Gustave 1^er Vasa, Gustave II Adolphe et Gustave III, la Suède symbolisée par figure féminine, indique des exemples de vertus princières   au jeune prince, elle est à l’exposition. ainsi que le secrétaire de voyage de Gustave III, seconde moitié du XVIII eme de Goerg  Haupt , quelques pièces du service bleu céleste offert par Louis XV à Gustave III lors de son voyage en France en porcelaine de Sèvres. Portraits du roi Gustave III et de la reine Sophie Madeleine, une toile montrant Gustave III s’habillant en Espladiant pour jouer la pièce de théâtre  « La prise de la roche Galtare » de Amadis de Gaule lors du Carrousel en 1779 au château de Drottningholm, un miroir de loge de théâtre XVIII eme siècle.

Russie

Alexandre II (1818-1881)

Alexandre II, dit le libérateur, empereur de Russie.

Fils ainé de l’empereur Nicolas et de l’impératrice Alexandra (née Charlotte de Prusse), il reçoit une éducation soignée, lors de son tour d’Europe il rencontre la princesse Marie de Hesse, il l’épouse en 1841 à Saint-Pétersbourg, convertie à l’orthodoxie, elle devient Maria Alexandrovna, ils auront 8 enfants. Alexandre II met fin à la guerre de Crimée et offre à la Russie, vaincue une paix honorable négociée dans le cadre du traité de Paris (1856). Le pays doit régler le problème de servage (problème politique majeur), nous retrouvons ce sujet dans « les âmes mortes » de Gogol et « les récits d’un chasseur » de Tourgueniev. Cette question d’actualité était internationale : elle avait conduit à l’abolition de l’esclavage en France en 1848 et allait plonger les USA dans la guerre civile. Alexandre II libère les âmes de la couronne en 1858, celle de la noblesse en 1861, donnant ainsi la liberté à plus de 50 millions de sujets. Le système de censure est assoupli, les universités bénéficient de plus d’autonomie, les réformes du système judiciaire , inspirées des modèles européens, prônent l’égalité de tous et donne plus d’indépendance aux juges, l’armée est modernisée, dans l’art en 1863, à Paris le salon officiel doublé d’un salon des refusés, 14 artistes dénoncent les diktats de la peinture officielle et abandonnent les bancs de l’Académie pour peindre la réalité en Russie. Le portraitiste Ivan Kramskoï participe à la fondation du groupe réaliste les ambulants. Cette libéralisation, accompagnée d’un développement de l’économie et de l’industrie russe, restaure le prestige de l’Empire.

Les Russes  et la Côte d’Azur, sous le règne d’Alexandre II

Nice à l’époque, était formé d’une colonie d’étrangers représentant l’élite de la haute société européenne, des souverains, des princes et millionnaires de tous les pays. Le séjour y était enchanteur, l’impératrice de Russie et sa maison donnaient à la colonie étrangère une note de haut ton.

Ils arrivaient par l’Italie, donc par la mer, l’impératrice Alexandra Feodorovna prend ses quartiers à Nice, les hivers 1856-57 et 1859-60, le climat est agréable, elle s’installe dans la villa Avigdor, avec une suite de 102 personnes, accompagnée par ses enfants et les membres de la cour Russe, la grande Duchesse Elena Pavlovna (née Charlotte de Würtemberg) habituée de la côte d’Azur. Elle reçoit des souverains tel que Victor- Emmanuel  d’Italie, elle rencontre Napoléon III et la princesse Eugénie. Diplomatie, politique et repos sont liés dans ces séjours.

L’Empereur Alexandre II et la résidence officielle d’été de Tsarskoïe Selo.

La cour impériale de Russie, quittait Saint-Pétersbourg pendant la période estivale. Début XVIII eme , ensemble architectural grandiose, aménagé dans le grand palais de Tsarskoïe Selo. Constituée d’œuvres de maitre européens, orientaux et russes, elle reflétait les goûts des empereurs et de la famille impériale.

A l’exposition : Des portraits du Tsar Alexandre II, de l’impératrice Maria Alexandrovna, de l’impératrice Alexandra Feodorovna (mère du tsar Alexandre II) en costume russe, du grand duc Nicolas Alexandrovitch (1843-1865)  fils d’Alexandre II, en uniforme du régiment des hussards de la Garde Impériale, et du grand duc Alexandre Alexandrovitch (1845-1894) fils d’Alexandre II.

Une épée d’apparat d’Alexandre II, uniforme du tsar Alexandre II. Paire de tables ovales en lapis-lazuli et bronze doré, une paire de candélabres taillerie impériale de Peterhof, service à thé aux vues du Palais et du parc de Gatchina, manufacture de porcelaine de Saint-Pétersbourg (1860-70). Un bronze du grand duc Nicolas Alexandrovitch 1870, une icône offerte par l’impératrice Alexandra, (mère d’Alexandre II) à l’occasion de la fondation de l’église russe de la rue de Longchamp, une aquarelle montrant la première église russe à Nice en 1860. Des robes d’après-midi, de promenade, une robe habillée (robe trois pièces, corsage, jupe et jupon) en satin de deux tons

Pologne

Jean III Sobieski (1629-1696)

Jean III Sobieski et Marie Casimire d’Arquiem

Jean Sobieski remarquable guerrier et membre de la noblesse polonaise. Il a conduit ses troupes vers une victoire écrasante contre les turcs en 1673. En 1674, il fut couronné roi de la Pologne-Lituanie. Son règne dura 22 ans et marqua la période la plus brillante de l’histoire de la Pologne, il est resté l’un des monarques les plus apprécié. Chef d’état sage, protecteur des arts et sciences, il admirait son épouse et était un père affectueux. Ses succès militaires internationaux, en firent, un symbole de prestige. Ses ancêtres durent chasser les turcs et les tatars venus du sud.

Jean Sobieski a fait des études à l’université de Cracovie. Il a voyagé en Europe, 1848 après ses voyages il s’est  engagé dans l’armée, la situation était difficile en Pologne, très vite sa carrière prit une tournure éblouissante, un des confidents de Marie-Louise de Gonzague, reine de Pologne, soutenant ses ambitions politiques il se trouva de plus en plus impliqué à la cour. Il y rencontra Marie Casimire d’Arquiem, l’une des premières dames de la reine, le mariage fut célébré en 1665. Un grand défi attendait le couple en 1674, ils étaient destinés à devenir roi et reine de la Pologne-Lituanie. Ils eurent de nombreux enfants seuls 4 vinrent à l’âge adulte.

Des projets dynastiques se renforcèrent après la bataille de Vienne en 1683, à la suite d’un revirement politique de la cour, qui comptait sur ses liens avec la France, Sobieski répondit à l’appel de Léopold 1^er et se précipita pour vers la capitale de l’empire pour la libérer des turcs. C’est en 1683 qu’il fut nommé commandant en chef. Le palais royal de Varsovie était la résidence officielle de la famille royale, celui de Cracovie le siège du pouvoir et le lieu du couronnement du roi, la demeure préférée de Sobieski était le palais de Wilanow, à la construction duquel et à l’aménagement duquel il avait activement participé, aujourd’hui c’est un musée. Ce palais en dit long sur sn propriétaire, éclairant son talent militaire, son érudition, ses valeurs morales et intellectuelles, et son goût pour l’art. Le respect des sentiments, la bravoure, le sens des responsabilités politiques, le patriotisme et l’attachement) de grands idéaux sont les qualités du roi Jean Sobieski III.

A l’exposition : Un portrait de Jean III Sobieski, de Marie Casimire Louise de la Grange d’Arquien, épouse de Jean Sobieski, par  Alexandre Jan Tricius, une table offerte à Jean Sobieski après la victoire de Vienne argent et ébène, une coupe avec médaillon représentant Jean III Sobieski en argent, un bouclier du XVII eme siècle Turquie, en bois, argent, fils d’argent velours, turquoise, jadéite, néphrite.

Prusse

De Frédéric 1^er (1657-1713) à Fréderic Guillaume IV (1795-1861)

Roi en Prusse, roi de Prusse :

L’ascension de la monarchie prussienne

Frédéric III devient prince électeur de Brandebourg en 1688, à la mort de son père. Désormais il faisait partie, comme ses aïeux des neuf membres du collège élisant l’Empereur du Saint Empire Romain Germanique. Chacun des neuf princes électeurs acceptaient une charge honorifiques auprès de l’Empereur, il exerçait aussi la fonction de Grand Chambrier de l’Empire : lors des cérémonies du couronnement, il présentait le sceptre impérial que l’on retrouve sur les armes princières des Brandebourg (distinction prestigieuse), ils étaient aussi duc de Prusse depuis le XVI eme siècle. La Prusse et Brandebourg étaient séparés géographiquement. Le Duché de Prusse la capitale était Königsberg, proche de la mer Baltique, dépendait de la Pologne jusqu’en 1660.

Le duché de Prusse devint un état souverain. Fréderic III, poursuivit la politique de son père, en allant plus loin dans son ambition, devenir lui-même roi. Il mit en valeur, ses étroites relations familiales avec la maison d’Orange (sa mère était née princesse d’Orange). Les rapports de force au sein de l’Empire se modifièrent lorsque le prince électeur de Saxe se fit élire roi de Pologne en 1697, En 1700, l’empereur Léopold 1^er se déclara prêt à reconnaître un éventuel couronnement en dehors des frontières de l’Empire en contre partie d’un soutien militaire dans l’imminente guerre de Succession d’Espagne. Le prince électeur de Brandebourg s’installa au château Königsberg, et se couronna lui-même roi de Prusse, ainsi que son épouse Sophie-Charlotte. Grâce à l’empereur , Fréderic, il devint Fréderic 1^er, comme la Prusse était un duché, il ne put se faire appeler Fréderic "de Prusse ", à sa mort en 1713, son fils, Guillaume 1^er lui succéda en tant que prince électeur de Brandebourg, marié à Sophie-Dorothée de Hanovre ( fille du futur roi d’Angleterre, George 1^er), à l’aide de nombreuses réformes et du renforcement de l’armée, il posa les fondements d’une administration organisée, marquant l’image de la Prusse-Brandebourg et cela pour plusieurs générations. Soutenu par son épouse il mit en œuvre une politique matrimoniale pour la plus part de ses enfants, en alliant sa maison avec les électorats allemands d’Ansbach, de Bayreuth, de Schwedt, de Hessel-Cassel et de Braunschweig-Wolfenbüttel. 1740, son fils ainé prit sa suite sous le nom de Fréderic le Grand et devint le souverain le plus célèbre de la dynastie des Hohenzollern, il se fit appelé roi de Prusse après avoir gagné une partie nord-ouest de la Pologne en 1722. Après 46 ans de règne et sans enfant ; c’est Fréderic Guillaume II, son neveu qui  devint roi de Prusse, son épouse Louise de Mecklenburg-Strelitz nièce de la reine Charlotte d’Angleterre. En 1815, la victoire de la Prusse et de ses alliés russes, anglais, autrichiens contre Napoléon, consolide la prééminence prussienne au sein des états alliés, ainsi que la politique matrimoniale. 1858, pour raison de santé, le roi Fréderic IV de Prusse, dut transmettre la régence à son frère cadet ; Guillaume devint roi de Prusse, plus tard en tant que Guillaume 1^er, il est le premier empereur allemand, après la guerre franco-allemande en 1870.Son fils, Fréderic III et son petit-fils Guillaume II, portèrent le titre d’empereur jusqu’à la révolution de 1918. Ce qui marque la fin de la monarchie prussienne. En plus de deux siècles, les Hohenzollern érigèrent et consolidèrent la monarchie, mais aussi par leur position en Europe grâce aux guerres, mariages, manœuvres politiques, pour élever un petit état au rand de puissance européenne.

L’ambre cadeau des rois de Prusse.

Péché dans les eaux de la mer Baltique, l’ambre était l’apanage des souverains. En droit, l’ambre était assimilé à une ressource minière, comme tout trésor découvert à une profondeur. L’ambre n’était pas acheté par le souverain avec l’argent des impôts, mais était juridiquement lié à sa souveraineté et à sa possession du territoire, donc le cadeau diplomatique idéal. Différentes qualités connurent différentes appréciations, l’ambre blanc servait pour soigner certains maux et douleurs, au XVI eme siècle, utilisé pour faire des chapelets et manches de couteaux. C’était aussi la principale ressource de l’état on l’exportait vers la Perse, entre 1640 et 1688, la Prusse fut reconnue comme duché souverain lors de la paix d’Oliva. Avec cet événement eut lieu, le double portrait en miniature du prince électeur et sa première épouse Louise-Henriette d’Orange, réalisé en ambre. Un cadeau du prince électeur Fréderic Guillaume de Brandebourg fit à l’empereur Léopold 1^er, fut un préalable à l’élévation de la Prusse au rang de royaume. Le fauteuil à bras en ambre, avec son dossier, son siège et accotoirs rembourrés présente les caractéristiques d’un trône. En 1679, commande d’une triade d’ambre pour Versailles, l’année suivante une table pour le roi d’Angleterre William III, ces cadeaux étaient de somptueux chefs d’œuvres.

Une coupe pour la fête "de la rose blanche ", il s’agit d’une coupe d’apparat, liée à une fête organisée par la maison royale de Prusse. Celle-ci eut lieu en 1829 dans le nouveau palais de Fréderic le Grand construit à Potsdam de 1763 à 1769, transformé pour l’occasion en place de tournoi médiévale, le prétexte de ces festivités était le séjour de la tsarine Alexandre Feodorovna (née Charlotte de Prusse, épouse du grand duc Nicolas Russie le mariage eut lieu en 1817), l’ancienne princesse dans sa jeunesse avait comme surnom" blanche fleur".

A l’exposition : Un coffret surmonté de la figure du roi Fréderic 1^er en ambre, un buste de Fréderic Guillaume III (1818) en fonte de Berlin, buste de la reine Louise de Prusse, un vase monumental avec le portrait de Fréderic, Guillaume IV, d’un coté, et l’hommage rendu par le peuple , de l’autre, une grande coupe d’apparat avec les portraits de grandes figures de l’histoire XIX eme siècle en argent doré, la coupe commémorant la fête de la rose blanche 1830 en argent de Johann Georg Hossauer, portraits de Frédéric 1^er roi de Prusse, début XVIII eme de Friedrich Wilhelm Weidemann, un de la reine Sophie Charlotte seconde épouse de Frédéric 1^er du même artiste.

Saxe

Auguste le Fort (1670-1733)

Auguste le Fort, prince électeur de Saxe et roi de Pologne

Fréderic Auguste nait en 1670 à Dresde, fils du prince Johann Georg III et son épouse Anne Sophie, fille du roi de Danemark. Il reçut une éducation riche et variée, mais s’intéresse surtout à l’escrime, l’art de la guerre, l’équitation. Il fit un grand tour d’Europe, il séjourna en France à la cour de Louis XIV entre 1687 et 1689. Il alla à Madrid, Lisbonne, Gênes, Venise, Florence, Vienne. Il découvrit les pratiques des cours monarchiques absolues de l’époque baroque, il apprit à connaître les hauts lieux culturels de son époque. Il participe aux guerres impériales contre la France. En 1693, il épouse Christiane Erberhardine de Brandebourg-Bayreuth, ils eurent un fils Fréderic-Auguste en 1696, il lui succédera comme roi de Pologne sous le nom d’Auguste III. En 1694, Auguste 1^er, devient prince électeur, son frère étant décédé et n’ayant pas d’enfant. En Saxe, il poursuivit la politique rigide de son frère tendant vers un pouvoir absolu. A la mort de Jean Sobieski, roi de Pologne et Lituanie, il brigue la couronne polonaise avec le soutien de l’empereur allemand, le prince luthérien dut se convertir au catholicisme ; convaincre magnats et nobles polonais de ses moyens financiers. 1697, il est couronné à Cracovie roi de Pologne et grand duc de Lituanie sous le nom d’Auguste II (deux générations après sa mort, il fut appelé Auguste le Fort). Des guerres s’ensuivirent contre d’autres prétendants polonais, contre les souverains Ottomans et dans la guerre du nord de 1700 à 1721, déclenchée contre le roi de suède, Charles XII. Il perdit beaucoup de batailles ainsi que le trône de Pologne entre 1706 et 1709. Avec son habileté et sa persévérance, il rétablit ses droits. Pendant 36 ans il gouverna ses deux nations, différentes sur le plan géographique et juridique. La Saxe : riche, hiérarchisée en états, rigoureusement protestante et la république de Pologne et Lituanie déchirée par ses différentes familles.

Auguste Le Fort fut un grand mécène de l’histoire européenne, organisateur de fêtes magnifiques, bâtisseur de génie et fondateur visionnaire de musées, chef militaire et un grand voyageur.

Il découvrit le pouvoir durable des arts, son imagination créatrice, le conduit à pratiquer l’architecture. Il savait reconnaître les talents, il passait pour l’un des  princes les plus connaisseurs de son temps en matière de bijoux. La création du service à café doré, par Johann Melchior Dinglinger 1697-98 et 1701. L’art du baroque connut à Dresde son premier apogée. Son premier grand projet : le Palais turc, actuel palais de Taschenberg, réalisé entre 1705 et 1708, le Zwinger projet suivant et bien d’autres suivirent. La dernière décennie de sa vie fut marquée par une politique culturelle, 1720, il commença des collections dans divers domaines des arts et sciences.

A l’exposition : La porcelaine de Meissen découverte en 1708 par Johann Friedrich Böttger, il s’agit d’une porcelaine dure, et la création de la manufacture royale de porcelaine à Dresde en 1710 furent pour Auguste le Fort, l’occasion d’instaurer un monopole sans précédent. Il avait la passion des porcelaines de Chine et du Japon, il fit la plus grande collection de porcelaines d’Extrême Orient et de Meissen de son époque dans le palais de porcelaine japonais de Dresde. Quelques exemples sont à l’exposition, mais aussi  une timbale aux armes de Saxe et de l’ordre polonais de l’aigle blanc, datée de 1719,  un tableau d’ Auguste le Fort à cheval , plusieurs lances pour course de bague, des paires de boucles de chaussures, jarretières garnies de diamants, pièces du service vermeil, un service aux armes des duc de Parme pour Elisabeth Farnèse  (1728) en porcelaine de Meissen

Bavière

Louis 1^er  (1786-1868)

Louis 1^er, roi de Bavière naquit en 1786 à Strasbourg, où son père le comte palatin Maximilien  Joseph du Palatinat-deux-ponts-Birkenfeld (branche cadette des Wittelsbach), était colonel du régiment français « Royal Alsace », Maximilien Joseph dut fuir avec sa famille à la Révolution. Louis fit son premier voyage en Italie en 1804, enthousiasmé par l’Antiquité classique et par l’art néoclassique contemporain. Par la suite il alla souvent à Rome, il fréquenta les artistes allemands. Grâce à son alliance avec Napoléon, la Bavière fut élevée au rang de royaume en 1806. Prince royal Louis, suivit officiellement la politique francophile de son père. Il séjourna à Paris à la cour de l’Empereur, fasciné par les œuvres amassées comme butin de guerre de toutes les régions d’Europe, qui étaient regroupées au musée.

1810, il épouse la princesse Thérèse de Saxe-Hildburghausen, ils eurent neuf enfants. En 1818, le prince Louis contribua de façon décisive à l’établissement d’une constitution progressiste, la Bavière fut le premier royaume de la fédération allemande à devenir une monarchie constitutionnelle. Il accède au trône en 1825, il va poursuivre ses ambitions politiques et réaliser ses projets artistiques.

En tant que souverain Louis 1^er  opte pour le principe monarchique considérant ses ministres comme des serviteurs. Après des années libérales, les tendances autocratiques se renforcent à partir de 1830, des troubles éclatent en Bavière. Les turbulences des années 1846-48, conduisent Louis 1^er à abdiquer. L’art en lien avec la religion et l’histoire, prit une grande place dans l’esprit et les projets du souverain. Munich devint ainsi une métropole artiste de rang européen. En 1810, il avait débuté une collection d’Antique, il fit érigé un musée de sculptures Antiques  et contemporaines, inauguration en 1830, une collection de peintures pour compléter celles, historiques, des Wittelsbach, en 1827 il fit réaliser sur des plaques de  porcelaine de la manufacture de Nymphenbourg des copies d’œuvres choisies. La fin de sa vie, il la consacra à l’art.

A l’exposition :Un portraits de Louis 1^er  roi de Bavière du peintre Joseph Karl Stieler, un de son épouse Thérèse de Bavière par Pino Bauer , un panneau d’argent représentant l’arrivée de la princesse royale Thérèse, un gilet de Louis 1^er en taffetas, laine et soie, l’épée de Louis 1^er,présentation de statues en bronze doré, de Ludwig Schwanthaler sculpteur, il s’agit d’Albert le Magnanime duc de Bavière, Frédéric le Victorieux, prince électeur du Palatin, Louis le Riche, duc de Bavière-Landshut pour en citer que quelques unes, une tasse et sous-tasse avec portrait du prince héritier Maximilien (1811-1864), une autre avec Louis 1^er, autoportrait d’Albrecht Dürer en 1500

Autriche

François-Joseph (1830-1916) et Elisabeth (1837-1898)

L’impératrice Elisabeth d’Autriche, le mythe Sissi

Elisabeth fille du duc Maximilien en Bavière et de la duchesse Ludovica de Bavière, elle naquit à Munich en 1837, épouse son cousin en 1854 l’empereur François Joseph 1^er .

Elisabeth est passionnée d’équitation, elle passait pour être la meilleure cavalière dans toute l’Europe. Elle possédait de nombreuses robes, son trousseau fut transporté à Vienne dans 25 boites et valises. Les cloches des églises de Vienne en 1854 annoncèrent l’arrivée de la future épouse. Un grand diner fut donné le soir même à Schönbrunn, le diner fut servit dans le service grand vermeil, le mariage fut célébré le lendemain, les relations du couples se dégradèrent dès 1860, Elisabeth sombra dans une dépression, elle trouva refuge dans les voyages, les séjours de cure pendant deux ans. Elle s’éloigna peu à peu de la cour, ou elle ne joua qu’une seule fois un rôle sur le plan politique en 1867, lors de la conciliation avec la Hongrie. Elle se consacra à sa dernière fille, a ses voyages, ses animaux, à la lecture et écriture de poèmes. Le seul rôle qui lui était accordé assurer la continuité de la dynastie habsbourgeoise. Dans ses dernières années elle resta solitaire à voyager avec sa dame de cour, elle fut poignardée en 1898 par l’anarchiste Luigi Lucheni lors d’un séjour à Genève.

Lors des noces d’agent du couple impériale célébrées en 1879, c’est le peintre Georg Raab, qui réalisa le portrait de l’impératrice Elisabeth en reine de Hongrie, portrait ou Elisabeth arbore sa célèbre parure de rubis, dernier pour qui elle posa. 5000 invités étaient à la soirée, elle portait une robe de cour gris perle bordée de fourrure avec une longue traine, toutes deux brodées d’or, la somptueuse parure de rubis provenait de l’héritage de Marie-Antoinette (cet ensemble aujourd’hui disparu depuis 1918, faisait partie des bijoux privés des Habsbourg),

Ce tableau est à l’exposition mais aussi un portrait de l’empereur François Joseph 1^er, l’impératrice Elisabeth sur son cheval favori, 1876 par Wilhelm Richter, une aquarelle montrant la princesse Elisabeth à son arrivée à Vienne,1854 par Franz Kaliwoda,  la selle de l’impératrice  datée de 1855, cuir, bois et métal, un bronze de François Joseph à cheval, un d’Elisabeth également à cheval, le service de voyage de l’impératrice Elisabeth, il s’agit d’un coffret en bois recouvert de cuir, à l’intérieur deux assiettes en porcelaine, une saucière en argent, une salière en argent, un coquetier argent, deux couteaux, cuillères, fourchettes en  argent. Présentation d’une terrine  du service Napoléon Ier dit "Grand vermeil ", une robe noire de l’impératrice Elisabeth 1860

Esterházy

Nicolas II (1765-1833)

Le prince Nicolas II Esterházy, l’art et les collections, une stratégie d’ascension royale

Présent à Londres lors du couronnement de George IV à l’abbaye de Westminster, roi d’Angleterre. Nicolas II fut remarqué.

Nicolas II grandit dans la seconde moitié du XVIII eme siècle, depuis un siècle la famille participait aux destinées de l’histoire de la Hongrie, en tant que fidèle partisan de l’empereur des Habsbourg, les Esterhazy étaient vice-rois, ambassadeurs ; évêques et les plus grands propriétaires fonciers du royaume. Les Esterhazy seigneurs de presque 300 000 sujets, régnaient selon le droit hongrois, pratiquement comme des princes souverains. Ils investissaient dans l’art depuis le XVII eme siècle, ils possédaient des objets précieux, œuvres d’art, curiosités tel que des instruments scientifiques, un exemple l’automate doré de Bacchus, mobilier d’argent.

Nicolas II fut élevé dans ce Versailles Hongrois, grand amoureux de la musique, Joseph Haydn y était maitre de chapelle et, avec son œuvre et sa gloire, inscrivait ses commanditaires princiers également dans la musique. Les Esterházy  organisaient des fêtes somptueuses, par leurs collections artistiques et leurs représentants, ainsi  leur ascension fut prodigieuse. Nicolas II envoyé aux ambassades et couronnements de l’empereur François II, fit en 1792 une entrée remarquée sur la scène internationale dans son carrosse doré. Le jeune prince en 1794 voyagea en Italie, il commença par acquérir des peintures italiennes de la Renaissance et à envoyer à Vienne des caisses d’œuvres d’art. Il fit une collection des grands maitres européens. Il reçu des célébrités de toute l’Europe dans son château de Eisenstadt, en 1800 il reçu l’amiral Nelson, Emma et William Hamilton. En 1803,

L’ambition du prince Nicolas était de repenser la région d’Eisenstadt comme un paysage culturel dans son ensemble. Autour du palais, un opéra, une galerie de peintures. L’économie prospéra grâce à des élevages de bovins suisses et des moutons, qui firent de Nicolas II le plus grand producteur européen de laine. Les orangeries d’Eisenstadt et leurs collections botaniques allièrent la beauté à l’utile, associant le goût des collectionneurs aux intérêts scientifiques et aux initiatives économiques. Les collections, le mécénat artistique et la cour constituaient de réels moyens d’assimiler les Esterházy aux maisons souveraines allemandes. En 1804 Nicolas II avait atteint un niveau équivalent aux maisons royales allemandes, lui permettant de ce fait de siéger aux côtés des princes allemands. Le saint Empire romain germanique s’effondra sous la pression de Napoléon, celui-ci désireux de se séparer de la Hongrie, Nicolas II était le candidat de Napoléon au trône Hongrois. Mais Napoléon s’allia aux Habsbourg lors de son second mariage en 1810. Deux ans plus tard, Nicolas II donna une grande fête lors du mariage de son fils avec la princesse de Tour et Taxis, ainsi Nicolas II mettait sa famille au niveau des plus importantes maisons allemandes. En 1815, après le congrès de Vienne et une réorganisation de ses finances, Nicolas II se retira de la vie publique. Après son décès en 1833, ses collections furent vendues et offertes par ses héritiers.

A l’exposition :Un  portrait de Nicolas II Esterhazy en 1793  par Martin Knoller , l’automate de Bacchus, argent, cuivre doré, émaux, un arbre des ancêtres de la famille Esterhazy argent, marbre et gypse, grand service du comte Esterhazy en argent, le carrosse du prince Nicolas II bois doré, fer et cuir, un uniforme de garde hongrois, un piano forte en acajou de Matthias Müller, un meuble avec pendule et mécanisme musical avec une composition de Joseph Haydn.

Turin

Victor-Amédée II (1666-1732)

Victor Amédée II

Victor-Amédée II, apparaît comme l’un des souverains les plus important d’Europe à la fin du XVII eme siècle et début XVIII eme, avec Amédée VIII au XIV eme, Emmanuel-Philibert au XVI eme et Victor-Emmanuel II au XIX eme. Il fut le personnage le plus remarquable de la maison de Savoie. Lorsqu’il monta sur le trône, les états de Savoie étaient une sorte de protectorat français, en 30 ans il leur a rendu leur indépendance, leur donner une première place parmi les états italiens. Devenu roi de Sicile en 1713 à la suite de la paix d’Utrecht, il mit un imposant ensemble de réformes, politique très appréciée par les cours européennes. En 1776, il est considéré comme le prince réformateur, il a su entreprendre et appliquer des réformes en pleine crise de conscience européenne. Fils du duc Charles-Emmanuel II et de Marie-Jeanne-Baptiste de Savoie Nemours, Victor Amédée perdit son père très tôt, et eu des conflits avec sa mère. En 1664, il épouse l’une des nièces de Louis XIV, Anne d’Orléans, fille du régent Philippe d’Orléans, frère du roi, et d’Henriette Stuart, fille du roi d’Angleterre. Ainsi il gagna la confiance de Louis XIV et aussi de s’assurer une place au trône d’Angleterre, rôle qu’il mit a profit quelques années plus tard. Ce mariage apporte un renforcement de l’alliance entre la France et le Piémont, il se libère de la tutelle de sa mère en 1690 et évite de dépendre de la France. Il combat en 1690 Louis XIV lors de la guerre de la ligue d’Augsbourg et l’obligea à céder Pignerol ville du Piémont conquise par Louis XII et Richelieu en 1630. Il se rallie à la France dans la guerre de sécession espagnole. En 1703 il s’allie à l’Autriche, il s’impose comme un grand condottiere, aux cotés de son cousin français Eugène de Savoir il libère Turin, il fut couronné roi de Sicile quelques années plus tard, en 1720 roi de Sardaigne, l’unification de l’Italie a eu lieu en 1861.

De 1713 à 1730, il se consacra a sa politique de réformes, il s’opposa à Rome pour sauvegarder le droit des Savoie, il réforma les secrétariats (1717), l’université  (1720) et l’armée. Des transformations institutionnelles, une politique de répartition  des imports fut instaurée dans les différents territoires de l’état, en Savoie, au Piémont, dans le comte de Nice. Ces réformes concernaient la centralisation du contrôle bureaucratique, la redistribution des titres féodaux et la réorganisation de l’armée professionnelle et permanente. Il perdit son pourvoir en s’opposant à son fils, en 1730, il abdiqua et se retira à Chambéry ce qui surprit toutes les cours d’Europe.

A l’exposition :Un  collier de l’ordre de Savoie or émaillé du XVIII eme,  un secrétaire comportant sur l’abattant un décor représentant le siège de Turin de 1706, de Luigi Prinotto, le portrait de Victor Amédée II par Martin Van Meytens le Jeune, portrait de Marie-Adélaïde de Savoie, fille de Victor Amédée et d’Anne-Marie d’Orléans, école française. 

Naples

Charles de Bourbon (1717-1788)

Charles de Bourbon, roi de Naples

Fils des souverains Philippe V et Elisabeth Farnèse. En 1731, l’infant quitte Séville pour l’Italie avec une suite de ministres et conseillers, dont son précepteur Benavides y Aragon, comte puis duc de Santisteban del Puerto, il fut remplacé en 1738 par le marquis de Montealegre, un fidèle de la reine Elisabeth Farnèse.  1732 le cortège arrive à Livourne, l’infant tombe malade. Il fait son entrée à Florence quelques mois plus tard, il fut reçu par le grand duc Jean-Gaston, 7 mois plus tard il s’installe à Parme et prit possession des états Farnèse. Charles manifeste un vif intérêt pour les œuvres d’art italiennes. La signature du traité franco-savoyard de Turin en 1733 et les préparatifs de guerre qui s’en suivirent amenèrent  le roi Philippe V à nommer son fils commandant des troupes espagnoles en Italie. Il entre à Naples en 1734, apprécie guerre le palais royal, ni la capitale. Il restait à conquérir la Sicile, où subsistaient des poches de résistance pro-autrichienne. 1735, Charles est couronné en tant que roi des Deux-Siciles dans la cathédrale de Palerme le 3 juillet. Début de la période la plus faste du jeune état, Naples était en pleine effervescence  et le théâtre de nombreuses initiatives et nouveaux aménagements. Charles voulait faire du palais royal une demeure digne de sa fonction, construction du palais de chasse de Capodimonte, du palais royal de Portici, du théâtre Saint-Charles, tout cela transforma l’aspect de la capitale, c’est ainsi que furent réunis à Naples les trésors artistiques des Farnèse, destinés à constituer le point de départ des grandes collections. Une épouse pour le roi, le choix se fit sur la princesse Marie-Amélie de Saxe, fille du roi de Pologne Auguste III, petite-fille d’Auguste le Fort.

De grands projets royaux, mais en 1740 de gros problèmes financiers apparaissent (vivement critiqué). La reine attendait un héritier, et elle commençait à exercer une influence politique   au sein de la cour, aimée par les napolitains. 1741 le royaume se trouva confronté à des difficultés diplomatiques et militaires. Le début de la guerre toucha aussi Naples attaquée par des navires anglais en 1742. 1743, le royaume est menacé d’invasion, le roi prit la tête de l’armée et rejoignit les troupes espagnoles, ils firent face aux troupes autrichiennes pendant plusieurs mois, la bataille de Velletri où  l’armée triompha le 11 aout 1744, marqua l’histoire du royaume de Naples.

Charles resta 10 ans à Naples, il entreprit la construction du palais royal de Caserte, du fort de Granatello et plusieurs autres sites militaires, il fit avancer les fouilles archéologiques d’Herculanum et Pompéi, une autre initiative artistique la création de la manufacture royale de porcelaine de Capodimonte.

Au décès de son frère il regagna l’Espagne.

A l’exposition : Le  portrait de Charles de Bourbon roi de Naples par Francesco Liani, le portrait de Marie-Amélie reine de Naples par Francesco Liani, deux satyres en porcelaine, de la manufacture royale de Capodimonte,  déjeuner avec scènes étrusque , manufacture de porcelaine de Naples, une console avec plateau en pierres dures (plateau daté du XVIII eme) la console du XIX eme, en bois doré, de nombreux bustes de la manufacture de porcelaines de Naples, "Agrippine ", Alexandre, Faune, buste de philosophe,  Tersichore

Monaco

Les princes du XVII eme au XX eme siècle

Jacques 1^er de Monaco (1689-1751)

Un prince collectionneur d’art

La Principauté de Monaco admirée depuis le XVII eme siècle, les objets d’art conservés au Palais de Monaco sont des substituts de Regalia.

C’est le prince Honoré (1597-1662) premier à adopter le titre monarchique en 1612 qui se fournit en

Objets d’art, d’abord en Italie, puis en France, après le traité de Péronne, qui place la Principauté sous la protection du roi en 1641. 44 tableaux en 1605, 720 après son règne, 1290 au décès du Prince Antoine 1^er (1661-1731), qui avait aménagé à partir de 1722, une galerie dédiée aux batailles et aux chefs de guerre du siècle de Louis XIV appelée " salle des conquêtes ". Son gendre, Jacques-François Léonor (fils de Jacques Matignon, comte de Torigni) amateur d’art, reçoit par son mariage le duché-pairie de Valentinois, et prend le nom et les armes des Grimaldi. Prince souverain sous le nom de Jacques 1^er, qui au décès de son épouse, Louise-Hippolyte, abdique en 1733 en faveur de son fils Honoré III, fera migrer vers l’hôtel de Matignon à Paris, les meilleures œuvres d’art palatines. Dès les premières années de son mariage, il augmente le nombre de tableaux dans un premier temps par des copies, mais le duc de Valentinois se passionne également pour les monnaies, médailles, l’orfèvrerie, les bijoux, les livres, marbres et bronzes, antiques et modernes, les tapisseries, les meubles, porcelaines et instruments scientifiques. Jacques 1^er voulait concrétiser l’idéal aristocratique princier  de  supériorité  en se plaçant en situation de domination symbolique dans tous les domaines. Dans son inventaire après décès, 39% sont des portraits, 11% des scènes religieuses, 12% des scènes mythologiques, 16% des paysages, 12% des scènes de genre, Tant qu’aux scènes historiques et animaux moins de 5%.

Le prince Charles III (1818-1889)

Père fondateur de Monte Carlo

Charles III monte sur le trône en 1856, il s’efforce de faire de Monaco un état moderne, reconnu par toutes les nations, et disposant de tous les attributs de la souveraineté. Il réforme la justice et l’administration, développe les relations diplomatiques. En 1857, il institue une fête du souverain, en 1858, une décoration nationale, l’ordre de Saint Charles, en 1881, il dote le pays d’un drapeau national, reprend les frappes monétaires (abandonnées depuis 1838), donne des timbres postes à la Principauté, en 1885, il parachève l’autonomie religieuse, il obtient la création d’un évêché en 1887, fait participer Monaco aux grandes expositions internationales. Enfin il créé une ville nouvelle baptisée Monte Carlo, ce quartier est fondé en 1866 autour du casino et de l’hôtel de Paris ouvert en 1864, l’église Saint-Charles est achevée en 1883, de nombreux commerces ouvrent, l’Opéra dont l’architecte est Charles Garnier est inauguré en 1879, de grands artistes viennent. Toute l’aristocratie européenne se presse.

Albert 1^er de Monaco (1848-1922)

Le prince navigateur, à la rencontre du Portugal

La mer a tenue un rôle fondamental dans la vie et l’œuvre du prince Albert : initiation à Lorient, service pendant deux ans dans la marine royale espagnole, font de lui un marin expérimenté. Il acquiert une goélette en Angleterre « l’hirondelle », qu’il décide de conduire jusqu’à Monaco, il fait escale au Portugal en 1873, l’estuaire du Tage, les paysages somptueux, les monuments notamment la tour de Belem l’enchantent, il est accueilli par le couple royal Louis 1^er et Maria Pia, il est ébloui par les collections d’œuvres d’art réunies au Palais.

Grand voyageur 5 ans plus tard, il entreprend un long périple allant de Tanger vers les Canaries, Madère et les Açores et Lisbonne.

1889, après l’avènement du Prince Albert 1^er à Monaco, Charles fils ainé de Louis 1^er (du Portugal) devient roi du Portugal et des Algarves. Les deux souverains se rencontrent à l’issue de la campagne de 1894, à bord du yacht « la princesse Alice », construit pour la  recherche océanographique, une grande amitié se lie entre les deux hommes, ils partagent un vif intérêt pour l’observation de la nature et de la pratique photographique. Charles entreprend des recherches océanographiques, avec ses navires, il accomplit de nombreuses opérations de sondage et récoltes biologiques au Portugal.  

La création d’observatoires météorologiques aux Açores, ces iles occupent une situation géographique idéale pour cette fonction, c’est un relais entre l’Amérique du nord et l’Europe.

Après 20 ans d’interventions auprès des scientifiques chefs d’états, diplomates, le prince Ambert parvient à son but. :

A l'exposition : Le portrait d’Honoré II, par Philippe de Champaigne, Tapisserie aux armes des Grimaldi, princes de Monaco, Aubusson XVII eme, tableau présentant la famille du duc de Valentinois par Pierre Gobert, vue et perspective du palais de Monaco du coté de la place d’Armes par Bressan, portrait de Charles III par Friedrich Bauerle, maquette de la salle Garnier de l’opéra de Monte-Carlo 1878, portrait d’Albert 1^er vers 1905 par Spiridon, habit de contre-amiral de la marine espagnole du prince Albert 1er

Extraits du catalogue de l’exposition.

Promenade au cœur des cours européennes, nous traversons  plusieurs siècles d’histoire, cette exposition présente de nombreux portraits de souverains, de leurs épouses et familles,  les cérémonies de mariages, les couronnements, batailles, leurs objets précieux et familiers, bijoux, services, robes et costumes d’apparats, tables dressées,  mobilier, sculptures. 

Cette exposition est exceptionnelle, à voir Absolument, au Forum Grimaldi Monaco, jusqu’au 11 septembre 2011

Odilon Redon nait à Bordeaux en 1840, son père est allé aux colonies, il a épousé une créole de la Nouvelle Orléans. Ils arrivent  en France 6 ans plus tard.

Etant de santé fragile, Odilon part chez son oncle dans le Médoc à Peyrelebade, isolé dans la campagne l’enfant s’essai très vite aux fusains, alors qu’il n’a que 6 ans, il découvre ce monde étrange de la nature pleine de clairs-obscurs. Il observe, les bois, les vignes, il se promène dans les champs, il voit le contraste entre la terre et le ciel, la luminosité. Il peint " paysage  à  Peyrelebade " en 1868

Il vient faire un voyage à Paris et découvre les musées, il est émerveillé. Il rentre à Bordeaux ou il va à l’école, il obtient un prix de dessin. Il décide d’être artiste, ses parents n’y voient pas d’inconvénient, il continu ses études et prend des cours de dessins et d’aquarelle, son maitre est Stanislas Gorin, mais il découvre d’autres artistes tel que Gustave Moreau, Corot, Millet.

 Influencé par les conseils de son père, il suit des cours d’architecture, il échoue à l’examen, mais cela va lui servir pour ses œuvres. Il devient ami avec le botaniste Armand Clavaud , qui l’initie aux sciences  et à la littérature, il se passionne pour Darvin, aux recherches de Pasteur. Il lit les fleurs du mal de Baudelaire. Il se forme également à la technique de l’eau-forte et a la sculpture.

1857-1870, il fait toutes ses études à Bordeaux Il entre à Paris dans l’atelier de Gérôme avec qui il  n’a pas de bons contacts. Il peint son" Autoportrait" en 1860, l’été il va en Bretagne et   Peyrelebade, l’hiver, il vit à Paris

IL est lié avec Rodolphe Bredin qui lui apprend la gravure, il commence une série de onze eaux fortes, sous la direction de cet artiste.

En 1866, il peint ‘Le gué’ d’inspiration orientaliste et romantique, influencé par Delacroix

Coté intendance : ses amis des arts bordelais en 1860, il expose « Roland de Roncevaux » daté de 1868-69, il est marqué par Delacroix, ici la toile est très romantique, il expose dans ce lieu jusqu’en 1887. Il était refusé au Salon.

1870, il s’installe à Bievres, pour lui c’est une période de tristesse .En tant que militaire il va dans la région de la Loire.

Après la guerre il s’installe à Paris à Montparnasse, jusqu’en 1877.  Il fréquente le salon musical et littéraire de Madame Rayssac, il rencontre les peintres Fantin-Latour et Paul Chenavard, le musicien Ernest Chausson. Il fait un court séjour à Barbizon afin d’y étudier les arbres, les sous-bois.

1878, il voyage en Belgique et Hollande.

1879, il publie son premier album de lithographie « Le rêve », (ce qui lui permet de révéler les sources de son inspiration et de décrire son monde personnel voué à l'exploration de l’imaginaire).

1880, il épouse   une créole de la Réunion, elle va  gérer l’intendance, galeries etc.

1884, il est admis au Salon des beaux arts et sera jury. Huysmans publie « A rebours » un passage est consacré à l’artiste.

   Il peint " Béatrice" en 1885, très original et coloré.

1886, il va perdre son fils, un frère et une sœur. La même année, il participe à l’exposition impressionniste, il rencontre Gauguin.

1888, il fait des gravures son autoportrait en noir et blanc. Toute sa vie est consacrée à l’art,

1889 naissance de son second enfant qu’ils vont appeler Ari.

1890 " Autoportrait " il se présente en artisan ténébreux, " Vierge  inachevée" en 1916, il a une vue d’étude.

  C’est une période de transformation, de mutation, c'est l'abandon de ses "noirs ", il commence à utiliser le  pastel et l'huile, la couleur va dominer les œuvres du reste de sa vie. "Eve" est son premier nu féminin réalisé d’après modèle. Son succès est arrivé vers les 50 ans, il a une destinée internationale.

Le salon Rose Croix, chez Durand Ruel en 1892, magnifique affiche de l’exposition art nouveau. Il organise des expositions dans ce lieu. Il sera très lié avec Ambroise Vollard.

1899, il rencontre Maurice Denis, qui va le présenter aux Nabis, dont Gauguin qui fait parti de ses membres. La même année, il expose chez Durand-Ruel, et invite les Nabis, il est éclectique et   a un apport intellectuel.

Maurice Denis dira : grâce à Redon on donne un art plus sacré, plus mystique, profond, conforté chez les Nabis.

1900, Maurice Denis peint « Hommage à Cézanne » Odilon Redon est représenté sur la toile entouré de Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Roussel, Paul Sérusier, Mellerio, Ambroise Vollard et il travaille avec Mallarmé. Cette année là il expose chez Durand-Ruel ? Il voyage en Italie avec, Robert de Domecy et va faire des peintures décoratives pour Ernest Chausson et pour le château en Bourgogne  de Robert de Domecy son ami et mécène. 

1901, il participe au salon de la libres esthétique à Bruxelles et au salon de   la société nationale des beaux-arts à Paris.

1903 Son ami Charles Lacoste (sa mère est créole comme Odilon), tôt il rencontre deux grands collectionneurs de l’artiste, il s’agit de Francis Jammes et Gabriel Frizeau, Charles Lacoste les fera se rencontrer. La même année il reçoit la légion d’honneur.

1904, il se présente au Salon d’automne, une salle lui est consacrée, il présente 62 œuvres.

1908, il fait un voyage en Italie avec son épouse et son fils, ils sont accompagnés d’Arthur Fontaine, riche industriel, il a joué un rôle important au début du XX eme siècle occupant les postes d'inspecteur général des Mines, et  de  conseiller d’état. Il réalise à cette période les premiers cartons pour la tapisserie des Gobelins à la demande de Gustave Geoffroy (journaliste, critique d'art, historien et romancier français, et l'un des dix membres fondateurs de l’Académie Goncourt).

1913, un joaillier français Mellerio, publie un catalogue de ses eaux-fortes et lithographies, La même année, l'Armory Show présente quarante de ses œuvres à New York, Chicago et Boston.

 Il expose au Salon des vins et au libre esthétique à Bruxelles.

L’art à New York, 40 œuvres seront exposées en 1913 à Exhibition of modern art.

IL peint en 1911 " Silence ", il s’agit d’un carré avec un cercle au centre, les deux doigts symbolisent Redon.

Il décède en 1916

Il a publié de son vivant une intéressante autobiographie où sont évoqués ses rapports avec le milieu artistique et les ambitions artistiques et spirituelles de son époque.

 Cette exposition nous présente les différentes facettes d’Odilon Redon. Il rend un hommage à ses maitres Delacroix, Rembrandt, Léonard de Vinci, Gustave Moreau, Goya, ses années noires ou les séries, son œuvre inspirée de la littérature, une  obsession " les origines",mythe et religion. C’est à la fin du XIX eme siècle qu’il se métamorphose et découvre la couleur.

170 peintures, pastels, fusains et dessins.

Il est contemporain des impressionnistes (en 1886 il participe à la dernière exposition du groupe),  il demeure le grand artiste du mystère et du subconscient, alors que l’époque  est surtout éprise de réel et d’objectivité. Mais aussi, il est un des principaux acteurs de l’art au   XIX^e et XX^e siècles, il a joué un rôle essentiel dans la genèse du symbolisme, notamment par ses fusains et ses lithographies dont ses célèbres noirs, admiré pour ses pastels et ses tableaux par les peintres de la couleur, Nabis et Fauves, il est considéré comme l’un des précurseurs du surréalisme.

Quelques œuvres présentées :

La première période jusqu’à 1890 :

Cette première période nous permet de découvrir les traitements à l’eau forte, (étude faite aux côtés de Bresdin à Bordeaux), l’utilisation des noirs (fusains et lithographies) qu’il utilisera dans son premier recueil "le rêve ", il a une notoriété dans le symbolisme naissant auprès du monde littéraire, Huysmans lui rend hommage dans son roman " A rebours" en 1884.

Gustave Moreau en 1885 l’intéresse pour le contexte thématique, l’Antiquité, le symbolisme.  Entre Littérature et peinture.

Il est très lié avec Gauguin depuis 1886 (même logique de recherche, plus abstrait, ils s’adressent au ressort de l’homme).

Le mystère des origines du monde grâce à Darwin, Edgard Poe et Goya pour les cotés macabres.

Ces artistes sont les références de Redon.

Les lithographies sont magnifiques et le doivent à une  technique accomplie, et à des noirs veloutés.

Son"Autoportrait " daté de 1867 huile sur bois.

Le " portrait de madame Redon",l’artiste fait des dessins colorés, elle est entrain de broder, transcription des nuances,  c’est du pastel, passage à l’ombre il faut beaucoup de minutie.

 " 5 études de femmes nues " toile datée  de 1864-65

"La vieillesse "1865 crayon noir sur papier vélin

"Personnage dans un paysage de montagnes dénudées "1862-65

"3 troncs d’arbres "1865 noir et blanc à la craie, il est allé à Barbizon étudier les arbres.

" Femme et enfant dans un paysage rocheux "(agar et Ismaël) 1865

" Le gué " deux toiles sont présentées

"Apollon vainqueur du serpent Python" 1868 d’après le plafond de la galerie d’Apollon au Louvre de Delacroix, (Redon est passionné par l’artiste, il lui   rend  hommage)

" La peur " eau forte 65-66

" Roland à Roncevaux " 1868-69

" L’ange déchu " 1875 huile sur papier

" Diable enlevant une tête" au fusain estompe, gommage. Fixatif papier sur vélin

"Ange et démon "1877

" Une tête coupée " 1871-79, Christ 1877, cellule 1879-83 au fusain

" Le rêve" lithographie faite  sur les conseils de Fantin Latour

On trouve : sur la coupe, triste montée, vision, gnome, limbes, la roue, le joueur, germination

" L’éclosion " 1879 (une tête dans une sphère) on n’est pas loin de Freud.

 " le boulet "daté  de 1878, un homme ressemble a un sage oriental, il lève la main  au-dessus d’une boule énorme (la sphère est liée à la mélancolie) au  fusain estompe gommage et grattage sur papier vélin chamois.

" Femme ange " 1875-80 mine de plomb," femme au milieu de sphère ", de profil rehaut de crayon mine de plomb ocre

Le silence éternel de ces espaces infinis m’effraie, dira t’il "le mystique " 1880 au fusain, 

" Tête de martyr posée sur une coupe " en 1877, lithographie travail très sophistiqué en noir et blanc ombre et lumière (il ne faut pas oublier on est en plein impressionnisme, c’est la lumière, la couleur).

Les noirs vont lui assurer ses premiers succès auprès de quelques amateurs, scandés par les parutions d’albums lithographiques :

A Edgard Poe en 1882, traduit par Baudelaire l‘univers fantastique et onirique de l’écrivain américain ne pouvait que séduire l’artiste.

Redon a inventé les légendes et ne correspondant en rien à Poe. L’artiste a placé ses noirs, opposition au réalisme.

Une série dessins, " Les origines "en 1883  

Hommage à Goya en 1885, " La fleur du marécage"  le visage représenté  est  triste, 

  "La nuit" 1886

"L’apocalypse" en 1899

La plupart de ces séries sont des interprétations des œuvres littéraires tel que :

Le juré en 1887

Les fleurs du mal 1890

La maison Hantée en 1896

La trilogie de Saint Antoine de 1888 à 1896, ou La tentation de saint Antoine de Flaubert. La lithographie est en harmonie avec le papier noir et blanc.

Interprétation d’un poème mystique. Redon est séduit par le texte, il réinterprète, il transcrit en mouvement, c’est un face à face entre image et le texte, les univers des deux artistes se répondent parfaitement, le vocabulaire mystique de l’un exaltant l’imagination de l’autre.

 Gustave Flaubert 1889 (7 planches) pour  2 eme volet de la tentation.

"Centaure visant les nus" 1883

" L’araignée souriante "1881

 "Le cœur révélateur ", 1883 au fusain

" Les dents"," apparition"," tète fumante ", 1883

"Dans le bénitier " 1887

A cette époque de son art l’artiste s’adresse au noir, fusain, lithographie, pointe, crayon. Il utilise tout ce qui passe par l’ombre aide l’essor du rêve, et voici naitre ces magnifiques dessins, ces albums, planches que l’on estimera un jour comme la plus originale manifestation de l’idéalisme moderne.

 Redon lithographe de 1879 à 1908

175 planches (la majorité pour albums) 6 à 24 lithos plus 50 pièces isolées.  

Les Livres :

Edmond Picard :  le juré ,1836-1924, Jules Destrées : les chimères 1863-1936

Iwan Gilkin 1858 à 1924, la damnation de l’artiste.

Emile Verhaeren en 1855-1916 les flambeaux noirs, la nuit album de 6 planches.

Un hommage à Goya (très proche en gravure) en 1885, il lui dédit un album de lithographies, ses noirs peuplés de chimères, personnages en transformation, univers inconscient c’est glauque. Il fait certainement un écho  aux gravures ténébreuses, tourmentées  de l’artiste.

De 1885 à 1888 c’est la période la plus sombre de Redon, transformation d’éléments humains.

La seconde période va de 1890 à la fin du siècle.

  1890, époque où  s’opère progressivement dans une transposition dans la couleur  de la thématique onirique réservée aux "noirs " jusqu’à cette période. Un exemple avec les yeux clos,  il existe une version peinte et lithographiée. L’artiste va aborder la couleur avec un esprit nouveau, il va vers le pastel qu’il va utiliser avec beaucoup d’originalité.

A cette période il devient l’un des protagonistes du symbolisme, ses rencontres Gauguin et Mallarmé.

Un tableau " la maison de Peyrelebade " 1896-97, il s’agit du domaine familial,   lieu  qui   a nourri la mélancolie  et la  rêverie de l’artiste. Pour lui c’est un lieu sacré qu’il tient à distance, on distingue peu de chose sur la demeure entourée par les arbres.

" Cinq papillons " aquarelle, ils se promènent sur une feuille blanche, la composition est aérienne 

1890, Il réalise " les yeux clos" en lithographie et une huile sur carton, la facture est lisse il n’y a pas le grain de la toile, le travail est sophistiqué, ce tableau est sacralisé, il évoque le silence, le bleu donne un effet opalescent. C’est son passage à la couleur, les tons sont pastels, le visage dans un sfumato.

1890, c’est l’expression du symbolisme en littérature et dans les arts.

Redon voit grandir  sa notoriété. En 1893 Vollard lui achète des toiles

1894, Thaddée Natanson lui attribut le titre de prince du rêve.  

"Songes" 1891, il s’agit d’un album qu’il dédit à son ami Clavaud décédé (il a aussi conçu des planches 71. Ce sont des légendes, les songes très obscurs.

Une plaque de cuivre est exposée de " sciapode " à l’eau forte 1892.

Au fusain une " tête surmontée d’épines ", " Christ couronne d’épines " 94-95, " songe" 1898, " le sommeil " 89, " saintes femmes " 1892, " l’œil au pavot" 1892," tête de femme" 92-95  (au fusain)

" Saint jean Baptiste " 1892, un bleu  intense, terre auréole étincelante en vert.

" Parsifal " en 1892 fusain et pastel

" La palme lumineuse" 1892, " centaure tirant à l’arc", 1895,

 "Pégase et Bellérophon " daté de 1898-99  repris  par Victor Hugo, cheval cabré, la lumière est dans les ailes, inspiration  créative. Un festival de couleurs vert, bleu.

" L’enfant"1894 pastel

" Portrait d’Ari au col marin "1897, il s’agit de son fils, l’enfant est présenté de profil

"Portrait de Jeune fille au bonnet bleu " 1890, pastel, sur fond d’or, il évoque les retables de la Renaissance florentine, le bleu du bonnet extrêmement puissant, le profil de la femme recueilli donne une intensité spirituelle.

"La palme "1899,

Redon et le XX eme siècle,

Fin 1899 il abandonne le fusain et la lithographie, les noirs font suite à la couleur, elle devient plus intense. Les formats sont plus grands. Apparition de  thèmes, la mythologie gréco-latine, les fleurs,  les bouquets de fleurs éclatants, marquent la sérénité de l’artiste, il réalise également des grands décors pour des particuliers tel que Gustave Fayet, pour qui il va réaliser en 1910 le décor de la bibliothèque de Fontfroide, il lit relation avec Francis James Poli.

1903, Redon est très affecté par le décès de Gauguin.

"Profil sur méandre rouge" 1900

" Le christ du silence " 1890, fusain et pastel, l’artiste oppose le silence du visage replié sur lui même

"La fuite en Egypte", en 1902 pastel et gouache

" Portrait de Suzanne Fayet" au pastel 1908

" Temple vitrail" 1900, " le vitrail " 1902

" Mademoiselle de Gonet " 1907

" Le bouddha " 1905  il est décentré, un arbre prend vie, zone solaire, quelques fleurs (tous les symboles y sont), les couleurs de la robe reprennent toutes les couleurs de la toile, c’est très apaisé,  (philosophie bouddhique est ressentie).

" Buisson rouge "1903-1905, " L’homme rouge " 1905

" Fleurs sur fond rouge"1906 technique remarquable, huile légère donne un coté décoratif.

" Eve "1904, huile sur toile, le corps d’Eve au centre de la toile semble une statue modelée, elle émerge d’un camaïeu d’ocres, elle se confond avec un parapet tandis que le fond semble en fusion.

La technique utilisée : les couleurs sont disposées sur toile ou papier humides (diluées à l’huile) ou sèches (en pastels) ainsi elles s’affirment.

" Barque " 1900-1905,

" Orphée "1900-1905, l’artiste  est intégré dans les mouvements artistiques contemporains.

" Profil noir "Gauguin) 1903-1904

" Hommage à Gauguin "1903-1904, l’artiste rend hommage à Gauguin décédé récemment, le portrait est de profil dans l’ombre, autour quelques fleurs lumineuses, ce qui provoque un aspect mystique et mélancolique a cet hommage. La matière est majestueuse, les couleurs, coté brun, le fond est travaillé en grumeaux, c’est un hommage à toutes les techniques de Gauguin.

"La cellule d’or " 92-93 huile et peinture métal doré

Une salle est réservée aux bouquets.

« A Bièvres se levant de bonne heure, mon père aimait commencer sa journée au fond du jardin, à lire quelques pages de Pascal, Montaigne, Suarès ou de Rémi de Gourmont. Ma mère pendant ce temps, préparait avec soin et amour, son modèle ; un grand vase de fleurs » Ari 1956

"Nuage de fleurs " 1901, une barque, une image de traversée de passage, l’arrière est au fusain ; les fleurs en nuages, synthèse d’éléments mythologiques.

"Plante verte dans un verre "1910 huile sur toile

"Vase de fleurs et profil "1910

"Fleurs" 1903

"Capucines" 1912

"Anémones et coquelicots" 1914-15

"Le vase vert" 1905

"Bouquet de fleurs" 1912

"Bouquet de fleurs des champs dans un vase au long col "1912

"Bouquet de fleurs" 12-16

" Fleurs dans un vase ", jeu de couleurs rouge, orange, jaune, vert, c’est sobre une grande transparence dans les pétales et reflets de lumière chaque coté du vase, certaines fleurs sont en fin de vie d’autres droites.

Le livre de raison d’Odilon Redon :

3 cahiers rédigés entre 1886-1910, il a tenté de répertorier  son œuvre dans l’œuvre chronologique et a tenu ses comptes, ces documents sont une source fondamentale pour l’étude de l’œuvre de l’artiste.

Portrait de madame de Domecy 1900, puis la présentation du décor de la salle à manger de Domecy  ( à Vault sur Yonne) 1900-1901

15 panneaux à décors végétal et floral 1901

Grand bouquet pastel noir et couleur.

Dessins préparatoires, 17 planches.

Redon et les arts décoratifs ;

Maquette de tapis 1905, il fait également des cartons pour vitraux en 1911. Ses styles sont particuliers, certains artistes l’aide, il rencontre Stanislas Gorin (aquarelliste) qui lui donne des conseils. 

Paravents et fauteuils en 1902 pour André Fonger mécène hollandais,

Panneau rouge 1905

"Fantasmagorie  sur marine "1910

 "Orphée " 1910

" Naissance de Vénus "," La coquille ", 1912, il semble vivant, transcription de la nacre, une ligne de contour.

" Pégase et le serpent "

" Le cyclope ", vers 1914, le géant convoite la belle Galatée, elle préfère le berger Acis, frustré il écrase rival à l’aide d’un rocher, la beauté féminine de Galatée, la cadre bucolique, la laideur grotesque et la douleur de l’isolement amoureux, l’artiste apprécie le sujet, la créature est un peu animale et enfantine, humanisation du monstre. Festival de couleurs pour les fleurs, la nature.  

" Le char d’Apollon " 1912, il s’évanoui dans la lumière, les papillons c’est la création. Apollon c’est la culture, soleil, muse, composition qui va vers le haut.

"Saint Sébastien", 1910

" Pandora " 1910, mythologie antique (c’est l’histoire des origines du monde), Anetom somptueuse, fleurs en mandorle, nuée de couleurs, c’est lyrique.

" Crucifixion "1910, expressionniste, sans douleur, très simplifié, un champ de fleurs au pied du Christ.

"Vierge" 1916

"Le silence"

"Autoportrait" vers 1910, Camille convalescente 1911

"L’arbre rouge" 1905-1910

"Christ au buisson"

"Bouleau à Bièvres" 1909

"Isis "1905-1910, "La visitation" 1905-10

Quelques extraits de la revue "Beaux-Arts"

 Magnifique exposition, il ne reste que quelques jours.Au grand Palais Paris

Jean-Louis Forain nait en 1852 à Reims, artiste peintre, illustrateur et graveur. Cette année là c’est l’entrée de Louis-Napoléon Bonaparte à Paris, il prend le nom de Napoléon III.

Son père artisan peintre, vient s’installer à Paris en 1863.

1867, c’est Jacquesson de la Chevreuse (artiste peintre qui fut l’élève de Gérôme, Ingres, Flandrin) qui initie le jeune Jean-Louis au dessin, il va au Louvre et fait de nombreuses copies, il découvre Goya, Rembrandt.

1868, Il entre quelques temps aux beaux-arts et a comme professeur Jean-Léon Gérôme, Carpeaux le remarque et le prend comme praticien, remercié un an après, il se retrouve à la rue alors qu’il n’a que 17 ans.

 Il participe à la guerre de 1870.

 Ses amis sont Verlaine, Rimbaud. Il va dans les salons organisés par Nina de Callias, poétesse, mariée a un écrivain et journaliste au Figaro, a ceux de la comtesse de Loynes demi mondaine originaire comme Forain de Reims, (organisatrice de salons littéraires et politiques influent sous le second empire et la troisième république, dans ce milieu intellectuel et mondain on y discutait philosophie, littérature, de l’actualité de l’époque), lieu que Forain fréquentait régulièrement il y a rencontré Maurice Barres et Paul Bourget, Manet et Degas sont aussi ses amis.

 Il fait ses débuts de caricaturiste auprès d’André Gill, ses débuts de peintre auprès des impressionnistes.

1874, il envoi une nature morte au salon, elle est refusée. Il publie un certain nombre de caricatures ironiques dans plusieurs journaux le Scapin en 1876, le Monde parisien, le Monde moderne, la République des lettres. Il dé couvre le monde de l’opéra avec ses danseuses, ses abonnés, il en fait ses sujets de prédilection.

IL participe avec les impressionnistes à plusieurs expositions sur l’invitation de Degas, de 1879 à 1886.

1884, " le buffet" est présenté au salon, il s’agit d’une réception mondaine. L’année suivante présentation du "Veuf '

Forain habite faubourg saint Honoré, dans une cité d’artistes, il y rencontre Toulouse Lautrec qui est admiratif.

1887, la revue le courrier français publié régulièrement ses dessins satiriques, à partir de 1835 il collabore avec le Figaro et cela dure 30 ans. On le considère comme le successeur de Daumier. Sa carrière évolue en publiant dans plusieurs journaux, tel que L’écho de Paris, le New York Hérald, le journal amusant, le rire, le temps, l’assiette au beurre, le Gaulois. Ils se disputent tous son esprit caustique, Il va lancer son propre journal "le fifre " en 1889, il y narre la vie quotidienne 1890, il abandonne l’eau-forte pour la lithographie. Ses thèmes les scènes de mœurs, des nus à la toilette.

1891, il épouse Jeanne Bosc sculpteur.

 Nous sommes à la période du Boulangisme (mouvement politique de la fin du XIX eme , qui constitua des menaces pour la 3eme république), l’affaire Dreyfus qui va durer de 1894 à 1906, le scandale de Panama. Forain se détourne de la satire sociale et s’oriente vers la satire politique. Pendant la première guerre mondiale il exalte le patriotisme de ses contemporains dans le journal l’opinion, le Figaro.

En 1893, il va à New York et à Chicago, invité par Gordon Bennett, (propriétaire du New York Hérald), la même année avec son épouse il va à Venise.

1894, ils voyagent ensemble à Madrid, vont à Guernesey chez Victor Hugo. Le couple s’installe dans un petit hôtel particulier à Paris dans le 17 eme arrondissement. Il conçoit 17 cartons pour décorer la façade du café Riche.

1895, naissance de son fils Jean-Loup.

1898, il fonde un autre journal le "Psst" avec Caran d’Ache et le soutien de Degas et Maurice Barrés.

 En 1899 le couple s’est fait construire une maison rue Spontini porte Dauphine.

1902, l’artiste s’intéresse à nouveau à l’eau-forte, à la pointe sèche, il privilégie des sujets tirés de l’évangile, ou inspiré des pèlerinages à Lourdes, il a trouvé la foi en compagnie de Huysmans en 1900.

 1904, Anna de Noailles créé le prix de la vie heureuse ou Judith Gauthier, Mme Alfonse Daudet reçurent des prix. Ce prix est devenu aujourd’hui le prix Femina. Elle fut la première femme commandeur de la légion d’honneur, l’Académie française créa un prix en son honneur et est la 1ere femme reçue à l’Académie royale de littérature et de langue française de Belgique.

1905, année de la séparation de l’église avec l’état. Il participe aux diners, va chez Vollard en compagnie de Misia, Degas, Cézanne, Renoir, Marie de Regnier (muse, femme de lettres, femme fatale de la Belle Epoque), chez la comtesse Anna de Noailles (fille du prince Grigore Bibescu-Basarab, sa mère, Raluca Moussouros, pianiste grecque, sa tante, Elena Bibescu, joue un rôle important dans la société artistique du XIX eme siècle. Anna en 1897, épouse Mathieu de Noailles. Le couple fait parti de la haute société parisienne de l’époque. Anna écrit de nombreux poèmes, trois romans, et une autobiographie. Les grands thèmes l’amour, la mort, la nature. Son salon, avenue Hoche, attire l’élite intellectuelle, littéraire et artistique parisienne tel que : Edmond Rostand, Paul Claudel, Francis James, Colette, Cocteau, André Gide, Maurice Barres, Frédéric Mistral ; de Montesquiou, Paul Valery, Alphonse Daudet, Pierre Loti, Max Jacob. Beaucoup d’artistes peintre firent sont portrait, Van Dongen, Antonio de la Gandara, Jacques-Emile Blanche, Jean-Louis Forain, Philip Alexius de Laszlo. Anna de Noailles, 

Forain l’appelait " la comédie parisienne "

 1913, une exposition au musée des arts décoratifs, présente son art avec 390 œuvres.

1914, première guerre mondiale, il exalte le patriotisme de ses contemporains dans le Figaro, l’Opinion.

1917, Décès de son ami Degas.

 En 1920, avec d’autres artistes, il participe à la fondation de la République de Montmartre.

 1923, il est élu membre de l’Académie des Beaux-arts. Il devient président de la république de Montmartre, il y restera jusqu’à la fin de sa vie.

1925, il préside la société nationale des Beaux-arts Il publie son dernier dessin dans le Figaro.

1928, promu commandeur de la Légion d’honneur et élu membre étranger de l’Académie royale de Suède.

1930, il devient membre de la Royale Academy d’Angleterre. Il illustre une édition des Tribunaux de Courteline.

 1931 Il décède en juillet.

Dans son oeuvre, Il traite différents thèmes à la mode les champs de courses, les scènes de la vie quotidiennes, spectacles, lieux de plaisirs, soirées mondaines dans des lieux élégants ou l’on y retrouve toute l’élite, les mœurs de la société un exemple avec les coulisses de l’opéra ou les abonnés viennent s’encanailler avec les danseuses.

 A L’exposition dès l’entrée une revue présente l’artiste et ‘la revue parisienne’ 250 dessins et 240 tableaux.

 La vie de Bohème et les amitiés littéraires : Verlaine, Rimbaud, le surnomme gavroche ( il découvre avec eux la poésie littéraire), il rejoint le cercle des artistes indépendants, ils se réunissent au café Gerbois , place Clichy (lieu de rencontres et d’échanges à la fin du XIX eme siècle entre artistes peintres, écrivains, amateurs d’art, autour de Manet, le groupe se réunissait les dimanches et mardis il y avait Bazille, Zola, Louis-Edmond Duranty, Monet, Renoir, Sisley, Fantin-Latour, Degas et bien d’autres ), puis à la nouvelle Athènes ( autre lieu de rencontre des gens de lettres), ainsi Forain se rapproche de Manet et de Degas il s’imprègne des théories impressionnistes sur la lumière et la couleur.

"Je suis d’aucune école, j’admire Degas Forain "  Toulouse Lautrec

1ere salle découverte des croquis :

" Le boulevard " daté de 1876 plume et aquarelle, dédicacé à son ami Georges Edouard. "Le nœud de cravate "1880, gouache, mine de plomb, papier brun, aquarelle. Frontispice pour croquis parisien "les folies bergères " dont 4 photos eaux-fortes, pour "Marthe "refusé elle est représentée en slip et bas. "Portrait de l’artiste" en 1906 toile.

"Jean-Louis Forain est l’un des peintres de la vie moderne les plus incisifs que je connaisse". Jean-Karl Huysmans

1880 L’artiste dévoile les dessous de la société parisienne, il n’hésite pas à montrer une scène de maison close de ce fait il montre que la prostitution existe.

"Le Client ", " Autoportrait" en 1872 dédicacé à Manon Portrait de Rimbaud présumé en 1874, dédicacé a mon ami Portelan, Rimbaud est allongé sur un sofa. "Portrait de Huysmans", il s’agit d’un pastel il lui est dédicacé.

 D’autres croquis : " Le gommeux au bouquet " daté de 1876 , style Daumier, il s’agit d’une eau-forte .

" L’ambulante au parapluie "1879-80 encre sur papier .

" C’était sur mon chemin, je voyais chaque soir cette femme fardée, à l’angle d’un trottoir s’offrir à tous ainsi qu’une chose à l’enchère. Non loin de là s’ouvrait une porte cochère où mendiait, frileuse, en s’abritant dessous, une fillette avec des bouquets de deux sous et celle qui trainait la soie et l’infamie. Attendant que l’enfant se fût bien endormie. Et lui faisant alors l’aumône seulement tu lui pardonneras n’est-ce pas."

" A la guinguette" 1880, aquarelle présentée à la 5 eme exposition en 1880 " La promenade du voyou à la campagne" 1880, vers de Verlaine. "La belle Véronique " 1877, a De Banville son admirateur dévoué "Portrait de Camille Pissarro" 1879, dédicacé à l’artiste "Le café de la Nouvelle Athènes" daté de 1876.

 "Je me suis demandé ce qu’un homme de lettres entendait par art anarchiste ? du Forain ? il me semble" Pissarro à Mirebeau

1892, Il expose 4 fois avec les impressionnistes les plus incisifs. Ses maitres Degas, Manet La façon de poser la lumière artificielle ou d’ordonner d’audacieux cadrages japonisants. " Femme respirant les fleurs ", cette élégante coupée du monde à la recherche des sensations olfactives. L’éternel du transitoire cher à Baudelaire. Il est proche des indépendants.

"Le client" daté de 1878 " La première communion " 1877,79 aquarelle , "La belle chevelure " 1875-77, " La dame au canapé " 1875-77 aquarelle, " Le bon client "1878, " Entrée au restaurant " 1879, aquarelle gouache, " intérieur de café " 79, gouache et aquarelle, " l’Anglais au promenoir" 1879, gouache, " Belle aux paillettes d’or",1879-80 gouache et aquarelle et paillettes d’or.

Les cafés et théâtres sont des lieux de racolage, il le montre dans "Au foyer du théâtre"1883 aquarelle et gouache, l’homme est coiffé d’un chapeau haut de forme de profil, il observe les jeunes femmes presque dévêtues. "Loge d’actrice " ce tableau fût à l’exposition des indépendants en 1881, "Couple dans une loge de théâtre", 1885, aquarelle et gouache, "au bal masqué" 1885-90, huile, "La loge "1885 huile sur panneau de bois, " L’avant scène "1883 aquarelle, " Salon parisien" 1878, "Le buffet " 1884, huile sur toile.

"Jean-Louis Forain a rétabli la balance en penchant vers l’officiel. Et pourtant cela conserve encore un arôme, possède encore un cachet incisif qui le différencie des œuvres des autres peintres". Huysmans

"L’entrée au théâtre " 1880-90 huile sur toile ; ce tableau est plus aérien, il traduit le mouvement. " Femme respirant des fleurs "1883 pastel, présenté à la huitième exposition, " La débutante "1886, dédicacé à son ami Verlet, " Le déjeuner " 1879, On peut supposer que Forain assiste aux cotés de Manet à l’une des premières séances de pose de chez "le Père Lathuile " célèbre cabaret restaurant des Batignolles, présenté au salon par Manet.

12 Feuilles de carnet, ce sont des dessins représentants des visages et portraits.

Un thème sur l’Opéra

 " A l’opéra ","La sortie des danseuses "1888 crayon , " Jeune fille faisant la vaisselle "," le matin  la même en danseuse le soir" datée de 1889, "Dans les coulisses" 1885, " Le maitre de Ballet et la danseuse" daté de 1910, " Habilleuse aidant Une jeune femme devant un Monsieur en habit " 1895-1900, " tractation dans la loge" 1898

Ce n’est pas la féerie du spectacle qui l’attire, mais ce qui se passe derrière la scène, les coulisses. Il faut s’abonner à l’opéra afin d’avoir accès au foyer, telle que Nana (Zola)

"Danseuse dans sa loge "1890, huile sur papier, " Sur le plateau "1912, " danseuse dans les coulisses " 1904, " Le dialogue "1890 Un éventail peint (une soirée à l’opéra) daté de 1879 gouache, au crayon.

 "une ballerine au repos "1895, "éventail danseuse "aquarelle et crayon 1889, "Danseuse au tutu coloré " fond bleu canard, on voit la danseuse, un paysage et des roseaux, pastel, fusain, gouache. "Ballerine rattachant son maillot "dessin de 1890-95, éventail ballet dan un jardin 1886, "Devant le décor "1895-1900 le décor représente la mer il s’agit d’un pastel, " Dans les coulisses " 1900 gouache sur carton.

Présentation d’un grand panneau humoristique divisé en quatre parties :

La partie droite : deux danseuses, un homme en habit et haut de forme, avec une citation ; " Alors c’est entendu, nous vous attendons toutes les deux ".

Le second panneau : Un homme en haut de forme, regardant les danseuses après le spectacle ; citation : " faut attendre encore un an mon général "

3 eme panneau :Nous sommes dans la foule, dont un couple citation : "A la façon dont tu parles à ton mari, je vois bien que tu ne l’aime plus "

4 eme panneau : Un couple regarde un paysage derrières une fenêtre, citation : " A la mer "

 La comédie parisienne en référence à la comédie humaine de Balzac "La tonnelle " aquarelle 1893, deux clichés, "Devant la bourse "deux exemplaires datés de 1880 huile sur panneau.

 Chronique d’une vie parisienne en plein air

Forain aime se promener dans les rues de Paris et saisir sur le vif le spectacle de la vie parisienne, scènes nocturnes, bals, cirques, cafés, concerts. Avec les scènes nocturnes, il étudie les variations de la lumière artificielle au gaz, les ombres quelle projette, sur les visages, les vêtements, l’ambiance sous un lampadaire. Il se concentre sur la vie frivole, mondaine, le Paris populaire, dandy, bourgeois, demi-mondaines, prostituées. Les gestes, attitudes, les courses hippiques.

"Jeunes femmes sur un yacht " 1885, c’est la nuit les lumières scintillent dans le fond, elle est assise au premier plan, l’éclairage rehausse la luminosité de son visage. «"L 'acrobate"1880, spectacle de rue," La sortie du théâtre " 1885, scène de rue, dédicacé à mon ami Zacharie Astruc . "Souvenir de Chantilly "1886, "Champ de courses"1884-85, " Aux courses " 1885, "Les musiciens ambulants"1885, "La cavalière " 1882, " Le pécheur " 1884, il est assis sur une poutre au-dessus de l’eau, il est accompagné de son chien. "Madame Forain péchant à la ligne "1884, elle se mire dans la rivière, le ciel de fin de journée dans les tons rose rouge, on est dans l’atmosphère.

 "Promenade au bord de la mer "1885, la mer est houleuse.

" La mer houleuse "1885 elle arrive aux pieds des personnes .

Les caricatures, une affiche, présentation d’un salon, invitation à un vernissage société des dessins humoristes et dessinateurs fondée en 1904 du 1er au 30 avril. Vernissage 31 mars au Palais des Modes 15 rue de la Ville l’Evêque, près de la Madeleine.

Les forains du café Riche : 

Institution parisienne, située à l’angle du boulevard des Italiens et de la rue Le Peletier (café brasserie nous sommes en 1894), 17 cartons sont commandés à Jean-Louis Forain, afin de réaliser en façade une frise exécutée par le mosaïste italien Facchina (il fit le pavement du Petit Palais à Paris), le café fut rasé et 10 cartons préparatoires sont rassemblée pour la première fois pour cette exposition ( ils illustraient les mœurs de la parisienne). Les masques qui dissimulent les visages de la jeune femme avec loup et gants noirs,

l’éventail qui cache celui du dandy et la confidente au bal, suggère les intrigues de la société de mœurs que Forain intitule " La comédie parisienne ". Maitre de la ligne, l’artiste simplifie les formes, sa science du dessin lui permet de synthétiser par grands aplats de couleurs, c’est également la même chose pour l’affiche, il expérimente comme Lautrec.

Quelques exemples :

"Le cycliste " 1894 gouache sur papier brun, " La confidente au bal "1894 est présentée également en mosaïque, "La valse"1894 également en mosaïque,"Le souper"1894,

"La petite marchande de violettes"," Le trottin de Paris "également de 1894, "Le crieur de journaux ","Jeune femme coiffée d’un chapeau ", " Au champ de course " 1894, "L’enceinte du pesage ", " les élégantes aux courses " en vitrail.

 Pour montrer l’établissement à l’époque une très grande photo. Toutes les peintures sont en aplat

"Jean-Louis Forain est l’animateur sous toutes les formes de la vie parisienne. Il ne sera plus seulement l’illustrateur de nos journaux, il devient décorateur de façade, l’égayeur des rues, pris dans la foule, ses types synthétises les personnages de la comédie qui se joue sous nos yeux , Ici le jeu, là l’amour, ici tout le public qui gravite autour du cheval et des courses ; là, le soupeur et la soupeuse, la bouquetière, le marchand de journaux, la dame qui traverse ou qui se prépare à ouvrir son parapluie, avec son pendant, le monsieur qui le nez au vent, flairant les jeunes trottins, par en chasse »John Grand-Carteret, 1894"

  Le Polémiste : Violences graphiques et picturales.

 De 1893 à 1925, Forain tire 2500 dessins (publié dans les journaux) la moitié ont un caractère politique. La puissance du trait permet de trancher dans le vif, quelque fois avec férocité. Il s’intéresse aux affaires à la 3 eme république : Le scandale de Panama, la crise anarchiste, la séparation de l’église et de l’état.

"Il m’arrive quelque fois de trouver la légende d’abord, mais le plus souvent je fais mon dessin, puis je l’écoute » Forain ,1892"

Quelques dessins à l’exposition :

"La Saisie "1892," courrier F", (ordre des avocats de Paris), "misère", "le courrier français "," l’ivrogne" 1898 "Dans PSH ,tout çà pour dire en ballotage "1910, "le jet de pierres", "scènes de grèves " 1897, «" Clémenceau "1917, " La lettre du prétendant "1896 pour le Figaro "Marianne apparaît dans son jardin, telle Marguerite dans le Faust de Gounod, elle tient une lettre tout juste décachetée, celui qui aspire à sa main n(est autre que le prétendant à la couronne de France, le duc d’Orléans " "Le 14 juillet","Au secours " il s’agit de Zola qui traverse le Rhin à la nage pour obtenir la protection des allemands auxquels il aurait rendu service par la publication de j’accuse en 1898, manuscrit à la main, on ne voit que la tête de Zola qui émerge de l’eau.

 Quelques tableaux pour illustrer ce thème.

"Scène de prétoire"1905,"L’acquittement"1905,"'Scène de tribunal "1907, "'La salle des pas perdus "1910

Quêtes spirituelles :

 Le jour de Noël 1800, Forain est avec Huysmans, les bénédictins de Ligugé, il décide à 48 ans de passer à des dessins plus dignes. Eaux-fortes et pointes sèches "Parabole du Christ , et épisodes de la vie ", il a la maitrise du noir et blanc, représentation de Lourdes.

Quelques toiles :

 " La fille adultère "1910, "Le départ de l’enfant prodigue "1826, "Après l’apparition "1902-07, "Fraction du pain " 1902-09, "Route d’Emaus" 1907. Il évoque l’humanité à partir du noir, il fige le mystère de la foi, en créant des halos de lumière avec le blanc du papier. Le haut se fait fiévreux aiguisé à la manière de Rembrandt, il joue avec les angles droits, les hachures, les lignes brisées, selon ou le regard se pose, le spectateur passe de l’endroit violent à la sérénité. Il créé une correspondance entre scènes bibliques et vie contemporaine, ainsi il donne à ses œuvres une dimension universelle.

Forain sous l’uniforme (14-18) :

Il est correspondant de guerre, il a 62 ans . Il laisse un témoignage graphique, 208 illustrations pour le journal , l’Opinion, le Figaro, l’Avenir.

 Quelques toiles :

"La relève dans la tranchée " en 1918, " Soldat sous la mitraille " 1915-18, "La relève des réfugiés ", " La borne Verdun" 1916.

Dans la Rotonde du Petit Palais nous pouvons observer les vitraux de Forain pour le café Riche 

Autre salle, ou les murs de l’exaltation de la sensualité.

 Il attaque avec réalisme et provocation, il présente les prostituées. Séduit par le concept naturaliste du nu à la toilette, il montre des modèles féminins dénudés dans leur intérieur.

Quelques exemples avec :

" Au bain ","Se séchant ", " Coiffage", Degas dira : "c’est comme si vous regardiez parle trou de la serrure "

En 1903-05, il renouvelle sa vision du nu, il sublime son ambition devant la beauté féminine, qu’il magnifie par la caresse du dessin, la puissance des volumes, l’audace de certaines ressources. Tel que : "La toilette "1896, " La sortie du tub "1896, " Le réveil"1912, "Artiste et modèle "1927, " Femme nue couchée sur le coté gauche, les jambes recouvertes d’une étoffe " 1910.

 Portraits et Autoportraits : "Portrait d’homme " ,

 " Comtesse Anna de Noailles " 1905, 

" Autoportrait "1929, "Portrait de Marie Régnier "1907, il s’agit de la fille de José Maria de Heredia, femme d’Henri Reigner, Maria de Régnier à publié des vers sous le nom de Gérard d’Houville 1875-1963., « Suzanne au turban » 1925, Suzanne Delepine est la cousine de son épouse Jane , " Femmes damnées" 1920

L’œuvre ultime :, l’éblouissement des années 20,

Forain arrête en 1925 pour la presse, il se passionne pour les mœurs des années folles (il montre la vie nocturne). Renouveau de sa fougue gestuelle et le culte de l’inachevé, pour lui un tableau, pour être ragoutant doit être terminé en esquisse, c’est le secret de Rembrandt, Rubens, Fragonard. Il suggère un climat, sa peinture n’est qu’ambition et perception des jeux de lumière.

 Quelques exemples :

" La belle de nuit " 1925, " Le tango au cabaret " 1926,

" Le repos des danseuses " 1926, " Le champagne dans la loge "1925, " Après souper ", 1907, " Le rayonnement de l’artiste ".

Le rayonnement de l’artiste Apollinaire le considère comme l’un des plus illustres artistes vivant, Vuillard lui rend hommage en 1927, Van Dongen, Villon, Derain, Hopper, Picasso.

 L’admiration de Plantu, perpétue le rayonnement de l’artiste jusqu’à ce jour. L'exposition se termine par quelques livres" la Comédie Parisienne " 1893, " Les maitres humoristes" 1908, "Doux pays" 1897, "De la marne au Rhin "14-19, "les temps difficiles" 1894 .

Quelques extraits du "petit journal de l'exposition"

Magnifique exposition, nous sommes complètement dans l’atmosphère de la fin XIX au 1er quart du XX eme siècle. A voir jusqu’au 5 juin au Petit Palais à Paris

Marc Chagall nait en 1887 à  Liozna près de Vitebsk en Biélorussie, dans un milieu modeste .Il quitte sa ville natale en 1907 et fait ses études aux beaux arts de Saint Petersbourg, et, au cour d’art moderne que Bakst vient d’ouvrir, il développe son art dans différents ateliers. Sa première exposition fait scandale. Il obtient une bourse et fait le choix de venir à Paris.

1910-1914, sa première période parisienne, il découvre le Louvre, rencontre les peintres de Montparnasse. Il s'installe à La Ruche en 1912, ainsi il pénètre dans le milieu artistique parisien. Il assiste aux vendredis de Canudo, directeur de la revue Montjoie, il y rencontre d'autres artistes, devient ami avec Cendrars et Apollinaire, les deux poètes sont admiratifs de sa peinture.

 C'est la fin du fauvisme et le début du cubisme. Le fauvisme va lui inspirer la couleur pure, gaie, le second la déconstruction de l'objet. Il expose aux indépendants. Il n'appartient à aucun courant, il est inspiré par la tradition juive et l'art russe.

En 1914, il repart à Vitebsk jusqu'en 1922, bloqué par la première guerre mondiale, il ne peut revenir à Paris, il se consacre à son art, il peint surtout la vie de la communauté juive, mais l'orientation de la politique artistique le déçoit, il s'oppose à Malevitch en 1919.Il part à Moscou pour faire le décor d'un théâtre d'art juif, réalisation de costumes et décors pour trois pièces de Scholom Aleichem en 1921.

1922, il va à Berlin, il rencontre Grosz, Hofer, Meidner, Archipenko, il s'initie à la gravure. Il grave pour Paul Cassirer, les illustrations de son autobiographie (26 eaux-fortes et pointes sèches) publiées sans texte à Berlin l'année suivante.

 1923, il revient à Paris. Ses œuvres sont déjà connues aux Etats-Unis, ou des expositions sont organisées. Il s'installe dans un atelier et retrouve Sonia et Robert Delaunay, Marcoussis, Gris. Il fait la rencontre d'Ambroise Vollard marchand d'art, de livres, celui-ci lui commande 30 gouaches et plus de 100 eaux-fortes afin d'illustrer les fables de La Fontaine (1924-25),118 eaux-fortes pour les "âmes mortes" de Gogol (1925-31), et des illustrations pour la bible en 1930. Il effectue de nombreux voyages en famille, dont un en Israël en 1931, à son retour il définit la Bible comme " la plus grande source de poésie de tous les temps", il mentionne qu'il a cherché ce reflet dans la vie et dans l'art.Il va commencer une nouvelle vie dans sa création artistique, il se consacre à la thématique biblique, traduisant l'écriture sainte en gouache et en gravure. Ce travail monumental est à l'origine du Message biblique qui propose un cycle décoratif relatant l'histoire biblique, terminé en 1966. Chagall en a fait don à l'état français, un musée lui fut consacré à Nice en 1973, il s'agit du Musée national du Message biblique.

 1932, il va étudier les gravures de Rembrandt à Amsterdam.

1937, il prend la nationalité française, afin de fuir l'antisémitisme de l'Europe centrale.

Avec la seconde guerre mondiale, les menaces pèsent sur les communautés juives, en 1941, il décide de partir aux Etats-Unis avec sa famille, grâce au journaliste américain Varian Fry (qui depuis Marseille à sauvé plus de 2000 juifs militants anti nazis en les aidant a fuir l'Europe et le régime de Vichy). Pendant son séjour , il réalise des décors et des costumes pour des ballets "Aléko" en 1942 et "L'oiseau de feu" de Stravinsky en 1945.

Son épouse Bella décède en 1944, c'est cet événement qui le marque dans le choix de son style et celui de sa peinture, à cette époque.

Son retour en France s'effectue en 1948, il s'installe à Vence de 1950 à 1956.

En 1952, il se remarie avec Valentina Brodsky (1905-1993).

Paris lui inspire une nouvelle série de tableaux (1953-56), rêveries poétiques dont la couleur est diffuse, cendrée. Il reçoit de nombreuses commandes, des céramiques, des vitraux, pour le baptistère d'Assy , création des costumes pour " Daphnis et Chloé" en 1958, des vitraux pour la cathédrale de Metz de 1960 à 68, des lithographies, des décors pour l'opéra 'la flute enchantée", le plafond de l'opéra Garnier à Paris. Il termine sa vie en France, à Saint Paul de Vence ou il s'est installé en 1966, il y décède en 1985.

 Son oeuvre s'est diversifiée, en utilisant différentes techniques tel que la mosaïque, la gravure, la gouache, la peinture à l'huile, les vitraux, la céramique et la sculpture (dans les années 1950 à 1969).

Son oeuvre est vendue dans le monde entier.

 Après les fables de La Fontaine, pour le même éditeur un nouveau projet, illustrer la bible à la demande d’Ambroise Vollard, nous sommes en 1930.

 Marc Chagall se consacre à la bible hébraïque, la torah, ses choix : une préférence pour les patriarches de Moise, les guerriers, les rois et prophètes, son inspiration dans l’empreinte juive traditionnelle (son éducation de l’enfance).

Sa vision souvenir de  Vitebsk en Russie, ses habitants, ses impressions de voyage en Israël.

Cette exposition retrace le processus de création, depuis la série de gouaches réalisée par l’artiste, puis les différents états de la gravure (précision du motif), jusqu’à l’état final, c'est-à-dire la gravure définitive.

Exposition de la bible, datée de 1956

Il réalise d’abord 40 gouaches, à partir de cette forme  picturale, le rendu coloré auquel il aspire en gravure.

Il s’agit des épisodes de la bible : Dieu créa l’homme 1932, Noé reçoit l’ordre de construire 1931, Noé la chute de la colombe, 1931,L’arc en ciel signe d’alliance entre Dieu et la terre 1931, Le manteau de Noé 1931, les 3 anges reçus par Abraham 1931, Abraham et les anges, escente vers Sodome 1931, Les filles de Lot 1931, La circoncision prescrite par Dieu à Abraham 1931, Abraham et Isaac, en route vers le lieu de sacrifice 1931 Abraham prêt à immoler son fils 1931, Abraham pleurant Sara 1931, Eliézer et Rebecca 1931 Moise repend la mort chez les égyptiens 1931, Les israélites mangent l’agneau de la Pâque< 1931, Les israélites passent la mer rouge 1931 , Les hébreux adorent le veau d’or 1931, Moise brise les tables de la loi 1931, Aaron devant le chandelier 1931, Moise reçoit les tables de la loi 1931 ci-dessous.

L’élaboration des eaux-fortes l’occupe de longues années. Inspiré par celles de Rembrandt.

 La salle suivante nous conduit à la présentation des 105 eaux-fortes (originales) tirées sur papier Montval.

Quelques exemples :

La tombe de Rachel, la lutte de l’ange, rencontre de Jacob et Rachel, Joseph jeune berger, Joseph et ses frères, Jacob pleurant Joseph, le songe du Pharaon, Départ de Jacob pour l’Egypte, Moïse  sauvé des eaux, le buisson ardent, rencontre de Moïse et Aaron, Moïse fait jaillir l’eau du rocher, Josué devant Jéricho, Josué et les rois vaincus, Samuel rappelant Dieu, David devant Saul, David montant la colline des oliviers, Songe de Salomon, prophétie sur Jérusalem, vision d’Isaïe, Samson et Dalila.

 Dans ce parcours nous avons quelques citations de l’artiste :

 "Il me semble que quelque chose m'aurait manqué si à part la couleur, je ne m'étais pas occupé aussi, à un moment de ma vie, des gravures et lithographies. Dès ma première jeunesse, quand j'ai commencé à me servir d'un crayon, j'ai cherché a quelque chose qui pourrait se répandre comme un grand fleuve se déversant sur des rives lointaines et attirantes. En tenant une pierre lithographique ou une plaque de cuivre, je croyais toucher un talisman. En elles, il me semblait que je pouvais placer toutes mes tristesses, toutes mes joies". Marc Chagall

Quelques eaux-fortes présentées montrent l'évolution du travail "La sortie d'Egypte" datée de 1931-39, il s'agit de la planche 33 de la bible, 15 clichés nous amènent à la phase finale du travail ,dont la plaque de cuivre gravée. " damson renverse les colonnes", 4 planches et la plaque de cuivre gravée,"Le songe de Salomon" 4 planches et la plaque de cuivre. 

La technique de l'eau forte

C'est un procédé de gravure en creux ou taille douce, sur une plaque métallique à l'aide d'un acide. L'artiste qui utilise l'eau-forte est appelé aquafortiste. A l'origine, l'eau-forte était le nom donné à l'acide nitrique, aujourd'hui l'acide nitrique est remplacée par des produits moins toxiques, on utilise le perchlorure de fer.

Il existe différents procédés d'eaux-fortes :

L'aquatinte, procédé d'eau-forte par lequel on obtient différentes tonalités, par la morsure, plus ou moins prolongée, dans un bassin d'acide, d'une plaque de métal recouverte d'une couche de résine ou de bitume en poudre.

La gravure au lavis, procédé de gravure en taille-douce dérivé de l'eau-forte, à l'origine de l'aquatinte et comme elle joue sur la corrosion partielle de la plaque de métal par un acide. Elle fut inventée au XVIII eme siècle, elle imitait, par la gravure, les dessins en lavis afin de les reproduire de la manière la plus fidèle. La gravure au burin, dessine un réseau de lignes qui s'adapte au rendu du dessin. Tandis que la gravure à manière d'aquatinte et de lavis donne un grainage de la surface, ce qui convient aux effets picturaux. Ainsi on peut obtenir toutes les valeurs de clairs-obscurs comparables à celles du lavis ou bien d'une aquarelle. 

 La manière de crayon, est une gravure sur métal : son but : se rapprocher, à l'impression, de l'effet du crayon.

 Toutes ces techniques désignent une gravure où l'image est creusée sur une plaque de métal à l'aide d'un acide. Elles se différentient par les outils ou vernis à graver utilisés.

La technique est simple  : sur une plaque de métal recouverte d'un vernis à graver, l'artiste dessine son motif à la pointe métallique. Ensuite la plaque est placée dans un bain d'acide qui mord les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après le nettoyage du vernis, la plaque est encrée et mise sous presse.

A l'étage du musée un tableau nous accueil,  "Dans la synagogue à Safed" 1931   huile sur toile (Safed est ville située au nord d'Israël).

Sur les traces des ancêtres

Chagall va en Palestine avec sa famille en 1931, invité par le maire de Tel Aviv, il rencontre aussi l'écrivain et poéte Haim Nahman Bralik , qui est considéré comme le poéte national d'Israël, Edmond Fleg également écrivain, penseur et romancier et la ville de Jérusalem.

Il est fasciné par Jérusalem, il peint les lieux saints, le mur des lamentations, Tel Aviv, mais aussi les lieux saints du judaïsme : la tombe de Rachel, le mur des lamentations, l'intérieur des synagogues. Quelques exemples : "Une vue de Jérusalem" huile sur toile datée de 1932-37, "Jérusalem et le mur des lamentations" 1931, " L'enceinte de Jérusalem près du portail de la grâce" Sur ces toiles le vert de la végétation domine et met en valeur la couleur ocre de la pierre.

Il fait une autre rencontre pendant son séjour, le célèbre peintre Reuven Rubin (Chagall va s'en inspirer à son retour par son langage stylistique et cela pour les 40 gouaches bibliques).

Quelques gouaches tel que : "Rabbin à la Torah" 1930, " La traversée de la mer rouge" 1935, sur toile de lin, ce tableau symbolise les pogroms et la shoah, "Abraham et les 3 anges" 1940-50, "Le songe de Jacob" 56-57, "Le rabbin" 1912 .

 La traversée de la mer rouge 

 Abraham et les 3 anges

La guerre et persécutions inspirent à l'artiste des scènes douloureuses, nous retrouvons cela dans "La crucifixion en jaune" 42-43, le Christ est juif, le rouleau de la Torah se déroule sur son bras,il semble soutenu par un ange, dessous on découvre l'univers de Chagall, sa ville natale, son peupleil identifie le martyr de Jésus à celui des juifs. "Obsession" daté de 1943, "l'exode' de 1952-56.

La grande revue littéraire et artistique Verve éditée par Tériade, a consacrée un numéro à la reproduction intégrale d'héliogravure des 105 eaux-fortes de Chagall, 16 lithographies en couleur et 12 en noir et blanc.

"Les Pâques" autre toile du maitre.

 "Pour moi le Christ à toujours symbolisé le même type de martyr juif. C'est ainsi que je l'ai compris en 1908, quand j'ai pour la première fois utilisé cette figure. C'était sous l'influence des Pogroms, ensuite je l'ai peint et dessiné dans des oeuvres relatives aux ghettos entouré par des afflictions de juifs, par les mères juives courant terrifiées et tenant leurs petits enfants entre leurs bras. Mon Dieu est le Dieu juif, dans mon imagination, le Christ est seulement un de nos martyrs juifs, avec sa mère juive, entourés de nos prophètes juifs, je n'ai jamais peint de figures d'évangelistes seulement notre bible" Marc Chagall

la bible en lumière

Marc Chagall entreprend en 1950 un cycle de peintures pour la chapelle de Vence, dans l’église du plateau d’Assy dès 1948, les vitraux de l’hôpital Hadassah à Jérusalem.

La bible en lumière est exposée une maquette pour l’église de Mayence et une autre pour Zurich.

Les maquettes et croquis de l’hôpital Hadassah sont présentés : peintes à la gouache, à l’aquarelle, pastel, encre de chine, crayon sur papier. Le thème les 12 fils de Jacob tels qu’ils sont décrits dans le livre de la Genèse : Ruben, Siméon, Levi, Juda, Zabulon, Issachar, Dan, Gad, Aser, Nephtali, Joseph, Benjamin, et des 12 tribus qui en découlent.

"Je me suis référé au grand livre universel qu’est la bible. Dès mon enfance, elle m’a rempli de visions sur le destin du monde. Et m’a inspiré dans mon travail ; dans les moments de doute, sa grandeur et sa sagesse hautement poétique m’ont apaisé, elle est pour moi comme une seconde nature". Chagall

Pour terminer l’exposition :

"L’ange peintre"daté de  1927-28" L’ange à la palette’"27-36, ‘la chute de l’ange’ œuvre dramatique datée de 23-34-47 ci-dessous

Se sont des autoportraits et une allégorie de l’artiste messager du divin.  

Les vitraux de l’hôpital Hadassah à Jérusalem : chaque vitrail, portant une couleur dominante parmi le bleu, le rouge, le vert, le jaune, et l’orange est consacré à l’un des 12 fils de Jacob.

Les motifs, aucun être humain représenté, seulement des mains, des symboles juifs, des fleurs, animaux, soleil, bateaux.

La technique du vitrail utilisée : il s’agit d’un mélange de verre et acides, ce qui permet de superposer différentes couleurs sur un même espace de verre. Cette technique est différente de la technique traditionnelle, cela implique d’isoler chaque morceau de verre peint par des bandes de plomb, de ce fait, nous avons une sensation de profondeur .

Cet ensemble est admirable et s’harmonise avec le lieu, ces 12 vitraux sont disposés par 3, les tons changent selon la luminosité extérieure. A Voir à Jérusalem

Un livre à lire absolument  "Quelques pas dans les pas d'un ange"

Ecrit par David McNeil , fils de Marc Chagall

Très belle exposition montrant le monde de la bible vu par Chagall

Avoir au musée du Judaïsme à Paris jusqu'au 5 juin 2011