Le Japon cesse toute relation avec l’étranger à partir de 1639, sauf quelques contacts restreints avec certains commerçants chinois et hollandais à Nagasaki, sur l’ile de Dejima. Cet isolement volontaire dure deux siècles, jusqu’à ce que les Etats-Unis avec le commodore Matthew Perry, force le pays à s’ouvrir à l’Occident par la politique de la canonnière en signant la convention de Kanagawa en 1854 après le pilonnage des ponts japonais.

Ere Ansei : 1854 à 1860, règne de l’empereur Kômei. Il accepte de signer le traité de Kanagawa  entre les représentants du Shogunat et  le commodore Matthew Perry (il possédait une lettre du président américain, Millard Fillmore  en poste depuis 1849), avec la mission d’ouvrir les routes commerciales du Japon, jusqu’alors fermées volontairement par le shogun.

En 1859, ouverture du port de Yokohama vers l’étranger.

Ere Man’en : 1860 à 1861, l’empereur régnant est Komei-Tenno

Ere bunkyu : 1861 à 1864, l’empereur régnant est Komei-Tenno

Ere Genji : 1864 à 1865, l’ère Genji marque le début d’un cycle de 60 ans de l’astrologie chinoise. L’empereur régnant est  toujours Komei-Tenno

Ere keiô (fin période Edo) 1865 à 1868, les empereurs régnant Komei -Tenno et Meiji - Tenno

En quelques années, les contacts sont intensifs avec l’Occident et transforment rapidement la société japonaise. Le Shogun a  démissionné et l’empereur est réinvesti au pouvoir.

Ere Meiji : (empereur Meiji) période historique du Japon entre 1868 et 1912.

1868, c’est la restauration de l’ère Meiji. Le système de type féodal et l’ordre des samouraïs sont abolies, de nombreuses institutions occidentales sont acceptées (mises en place de préfectures).

C’est la période de modernisation du pays. Période en perpétuel état de crise, le Japon cherche un équilibre intérieur difficile à acquérir face à la complexité du monde extérieur, et, avec la nostalgie du temps passé. Mais son désir de changement pousse le pays à se révolter contre son passé. Cela amène de nombreux bouleversements : des nouveaux systèmes juridiques, de gouvernement ainsi que d’importantes réformes économiques sociales et militaires transforment l’empire du Japon en une puissance régionale.

Le pays ainsi réalise de grandes entreprises : avancées dans le domaine de l’industrie, de l’économie, de l’agriculture et en matière d’échanges commerciaux.

1895, toutes ces mutations donnent naissance à une ambition qui se transforme en guerre contre la Chine.   

1905, guerre contre la Russie, le Japon gagne ainsi la Corée et Taiwan et d’autres territoires.

1910, l’expansionnisme militaire du japon  débute au  XX eme siècle, avec l’annexion de la Corée et prend de l’ampleur pendant l’ère Shôwa avec l’invasion de la Mandchourie en 1931 puis des provinces du nord de la Chine.

Ere Taishô : 1912 à 1926 , empereur Taishô. cette époque est considérée comme période du mouvement libéral connu sous le nom de démocratie Taishô au Japon. Le début de l'ère Taishô est marqué par la crise politique de 1912-1913 qui interrompt la politique antérieure de compromis.

Profitant que l'Empire allemand soit à la première guerre mondiale, souhaitant étendre sa sphère d'influence en Chine, le Japon déclare la guerre à l'Allemagne en août 1914 et occupe rapidement les territoires sous contrôles allemands dans la région de Shandong en Chine, puis aux îles Marquises , carolines, Marshall dans le Pacifique.

En novembre 1914, Jiaozhou se rend au Japon. Tandis que ses alliés sont impliqués dans la guerre en Europe, le Japon cherche à consolider plus encore sa position en Chine et en présente ses vingt et une demandes à la Chine ( cette liste de demandes visait à étendre le contrôle politique et économique du Japon sur le Chine), signature du traité en mai 1915.

L'hégémonie du Japon dans le nord de la Chine et d'autres parties de l'Asie est facilitée par d'autres accords internationaux. L'un avec la Russie en 1916, permet de sécuriser l'influence du Japon en Mandchourie et en Mongolie intérieure, et, des accords avec la France, la Grande-bretagne, et les Etats-Unis en 1917 reconnaissent les gains territoriaux du Japon et Chine et dans le Pacifique. La puissance du Japon en Asie croit avec la chute du régime tsariste en Russie et les désordres liés à la Révolution d'Octobre en Sibérie en 1917.

Les troupes japonaises partent en Sibérie en 1918.

La première guerre mondiale permet au Japon, qui a combattu du côté des alliés de la première guerre mondiale, d'étendre son influence en Asie et ses positions territoriales dans le Pacifique. La marine impériale japonaise se saisie des colonies allemandes de Micronésie. En 1918, lancement de  l'intervention en Sibérie avec un déploiement de 75 000 troupes japonaises.

Le système à deux partis politique se développe au Japon depuis le début du siècle et arrive à la maturité après la première guerre mondiale, appelé démocratie Taishô pour désigner cette période.

L'après-guerre apporte une prospérité sans précédent au Japon, qui se rend à la conférence de paix à Versailles en 1919, comme l'une des grandes puissances militaires  et industrielles du monde, le pays y reçoit une reconnaissance officielle comme l'un des "cinq grands" du nouvel ordre international. Ainsi Tokyo, obtient un siège permanent à la Société des Nations et le traité de paix confirme le transfert au Japon des droits de l'Allemagne dans Shandong, ce qui amène des émeutes dans toute la Chine.

Ere Shôwa : 1926 à 1989 (empereur Hirohito), la première partie du règne de l’empereur se caractérise par de fortes  influences nationalistes (nationalisme japonais) et entraine l’expansion de l’empire.

1936, signature d’un pacte d’assistance avec l’Allemagne Hitlérienne. Le Japon rejoint les forces de l’Axe (création de l’Axe le 26 septembre  1940 avec la signature du pacte tripartite : Allemagne, Japon, Italie, ils ont formé une alliance militaire, par la suite, ils ont été rejoint  par d’autres pays).

1937, l’Empire se lance dans l’invasion de la Chine dont le début fut le bombardement de Canton et Shanghai, ce qui entraîne la résolution de blâme de la Société des Nations, à l’encontre du Japon, et surtout avec l’écrasement de Guomindang, de nombreux chinois ont été exterminés lors du massacre de Nankin par l’armée impériale du Japon.

1939, l’échec du conflit armé limité avec l’union soviétique met un terme aux ambitions expansionnistes.

1940, le Japon envahit l’Indochine française loyaliste à Vichy et conclut une alliance avec la Thaïlande, qui en 1941 va envahir l’Indochine française. La même année c’est aussi l’attaque de Pearl Harbor dans l’archipel d’Hawaï, ce qui  déclenche la guerre du Pacifique, et engage l’Empire du Japon, dans la seconde guerre mondiale aux  côtés  de l’Axe. Le Japon agrandi son empire en occupant la Birmanie, La Thaïlande, Hong Kong, Singapour, l’Indonésie, la Nouvelle Guinée, l’Indochine française et une partie des îles du Pacifique.

Après les bombardements atomiques d’Hiroshima et Nagasaki en 1945 et la réédition du Japon lors de la seconde guerre mondiale, le pays  est occupé  jusqu’en 1952.  Le Japon est resté sous  la tutelle  des Etats-Unis jusqu’en 1951 (traité de San Francisco). Celui-ci imposa une nouvelle constitution plus démocratique. L’économie se rétablie rapidement et permit le retour de la prospérité dans l’archipel, jeux olympiques de Tokyo et le lancement du shinkansen en 1964

Des années 1950  à 1980, le pays connaît une apogée économique et culturelle et une croissance.

 Ere Heisei ; (1989 à aujourd’hui), règne de l’empereur Akihito

 1990, ce miracle économique prend fin. Instabilité politique, des catastrophes naturelles. En matière de budget militaire, le Japon occupe la 5 eme place dans le monde.

L’histoire de la sériciculture et de la Maison Impériale :

La Chine est le pays de l’élevage du ver à soie. Cette pratique vient du fait de l’existence du ver à soie sauvage. On aurait commencé à élever les chenilles du bombyx mandarina sur le Yangzi Jiang et sur le Huang He où se trouvait leur habitat naturel. Un récit fait part que l’épouse de l’empereur jaune, aurait commencé l’élevage du ver à soie, et que celui-ci se serait rependu  parmi le peuple, et que la sériciculture et les tissus en soie se seraient propagés dans tout le pays , et ce serait  pour cela que  la route commerciale serait nommée"route de la soie ".

On pense que la sériciculture existe au Japon depuis le  III eme siècle. Les rapports entre la sériciculture et la Maison Impériale, apparaissent dans les annales du Japon en 462, un passage indique que l’empereur aurait demandé à ses épouses de cueillir des  feuilles de mûriers et de pratiquer l’élevage du ver à soie. En 472, il est indiqué que l’empereur,  fit planter des mûriers dans les endroits qui s’y prêtaient, et qu’il se fit présenter  un tribut d’étoffe  de soie par la famille Hata (spécialiste des techniques du tissage). Les édits impériaux précisent qu’en 507, ayant pleine conscience de l’importance de l’agriculture et de la sériciculture, car ces activités comptent parmi les plus importantes, la culture rizicole est encouragée par l’empereur, tandis que l’impératrice, par son élevage du ver à soie s’employa à promouvoir lé sériciculture. Dans toutes les époques, on trouve des traces de textes indiquant à la population de respecter cette culture  et de respecter les populations qui  pratiquent l’agriculture de la sériciculture, car les activités comptent parmi les plus importantes pour maintenir la prospérité et l’abondance des récoltes dans le pays.

L’exposition Kaiko :

I - Les Impératrices du Japon et la culture des vers à soie :

Sériciculture impériale  du Japon et les étoffes teintes anciennes.

La sériciculture japonaise s’est développée  à l’échelle du pays à l’époque de l’ère Edo (XVII à XIX eme siècle) . Les personnes de l’aristocratie et de hauts rangs  faisaient à l’origine importer de  Chine la soie grège. Coûteux pour le pays. Le gouvernement des shoguns prit la décision de promouvoir  la sériciculture nationale. Chaque fief soucieux de l’état des finances, vint étudier à Kyoto,  dans le quartier des tisserands  de Nishijin les techniques de la teinture, tandis que chaque région développait  ses propres formes de tissus. L’élevage du ver à soie était en expansion  dans le pays, le port de Yokohama ouvert depuis 1859, permit les exportations de soie vers l’étranger. Ce qui favorisa l’avancement de l’économie japonaise dans un pays qui poursuivait un programme de modernisation.

L’artiste japonais Kubota Beisen (1852-1906 ère Meiji)   fit un album de peinture sur la sériciculture.

Exposé :

Furisode (style de kimono aux manches longues, qui est porté par les femmes célibataires au Japon, mais aussi porté pour des cérémonies officielles, il est en soie fine et de couleurs vives), celui qui est exposé est en damas de satin  noir à décor de cascades de rebonds daté de 1938, porté par l’empereur à 6 ans.

"L’album de peinture sur la sériciculture" de Kubota Beisen, artiste et professeur d’art de l’ère Meiji . Cette œuvre représente diverses étapes de l’élevage des vers à soie, dans une exploitation du XIX eme siècle. Œuvre transmise dans la Maison Impériale comme l’un des objets attaché à la personne de l’Impératrice douairière Shôken. Kubota Bessen est venu à Paris à l’exposition universelle de 1889 et a reçu la médaille d’or

Un balai de branche de pertyascadens pour le premier jour du rat, trésor du Shôsô-in. Des cérémonies avaient lieu le premier jour du rat au nouvel an, au cours desquelles l’empereur avec une houe reproduisait les gestes rappelant la culture du riz, tandis que l’impératrice, un balai à la main, reproduisait ceux pour purifier une magnanerie, avaient pour but de prier pour la fertilité du pays.

" L’impression nouvelle, l’élevage des vers à soie " peint en 1871 par Utagawa Kuniteru II (1808-1876), ce triptyque à pour sujet les débuts de l’élevage des vers à soie par la grande  impératrice Shôken . Un cartouche contient un texte  qui formule le vœu que la sériciculture soit désormais pratiquée dans tout le pays.

D’Osai Futasane, (ère Meiji, " Visite de Sa Majesté l’impératrice à la filature de soie " ce triptyque  représente l’impératrice Shôken à la filature de soie en 1878, elle est située au centre de la composition, un éventail en cyprès du Japon à la main, elle rend visite aux jeunes filles vêtues de costumes de cour.

D’Hasegawa Chikuyô 1886, "l’élevage des vers à soie à la cour ". L’empereur Meiji est assis sur une chaise, a ses côtés, l’impératrice Shôken debout. Le couple observe les divers travaux de l’élevage du ver à soie accomplis par des femmes vêtues à l’occidentale.

"Vue de la filature de Tomioka" province  de Jôshû par Hasegawa Chikuyô en 1876, Il s’agit d’une vue de la filature Tomioka lors de son inauguration. Les filatures étaient construites sur un vaste emplacement de plus de 51000 mètres carrés, où des réserves étaient disposées une réserve pour les cocons, un bâtiment pour les bassins à vapeur, un autre pour l’enroulage de la soie et des dortoirs pour les ouvrières.

"Jeunes filles étudiant dans la filature de Tomioka " par Asataka, 1873. Ces jeunes filles des anciens seigneurs de fief, (de l’époque Edo) et de la nouvelle noblesse de l’empire participaient au travail de filature. Pour l’époque il s’agissait d’un établissement industriel modèle composé pour personnes issues de l’élite.

Un dessin représente  "la visite des deux impératrices Eishô et Shôken à la filature de Tomioka" le 24 juin 1873. Ce dessin préparatoire à servi pour l’une des 80 peintures murales présentant les hauts faits de l’empereur Meiji au cours de son règne, par Arai Kanpô époque Taishô (1912-1925)

"Visite de l’impératrice à la filature de Tomioka" par Goseda Horuyu II en 1933, un homme de dos au premier plan serait l’ingénieur français Paul Brunat.

Paul Brunat, fils d’un industriel, Paul est inspecteur des soies il est envoyé à Yokohama par une maison de commerce lyonnaise. 4 ans plus tard, le service des finances du Japon, lui confit la missions de construire une filature moderne. Par la suite,  Paul fait venir des techniciens, des ouvrières et des métiers à tisser de France. Cette filature est installée à Tomioka.

Une série de photographies représente les impératrices qui ont pratiqué la sériciculture :

Eishô 1834-1897

Shoken 1849-1914, épouse de l’empereur Meiji, elle élève des vers à soie en 1871

Teimei 1884-1951 épouse de l’empereur Taishô, elle se dévoua entièrement a un développement de la sériciculture au Japon. Elle se rendit en premier dans une école de sériciculture à Tôkyô ou elle reçut en don des graines de la variété la plus remarquable de vers à soie, entièrement développée et élevée au Japon. Elle fit construire la magnanerie de Momijiyama et mit en place les structures fondamentales qui allaient définir la culture des vers à soie au sein de la maison impériale.

Kôjun 1903-2000 épouse de l’empereur Shôwa, elle avait également un gout pour la peinture.

II - Sa Majesté l’Impératrice et l’activité séricicole au palais Impérial

Sa majesté présente l’élevage des vers à soie au jour le jour

Des photos montrent la Magnanerie impériale de Momijiyama construite en 1914.

Cueillette des feuilles de mûriers

Le Koishimaru : il s’agit d’une variété de vers à soie purement japonaise, à cocons blancs

Un plan montre au visiteur le cycle de vie du ver à soie.

Exposition du matériel utilisé pour la sériciculture :

Un  couteau pour couper les feuilles de mûriers

Une claie de paille

Une Machine à fabriquer les claies

Les cocons produits à la magnanerie impériale certains sont verts, jaunes, blancs.

Présentation de soies grège, dans un coffret. Ce tissu fabriqué à partir de soies grège de la Magnanerie impériale est offert comme présent aux chefs d’Etats étrangers en visite au japon.

Une défense d’ivoire sculptée, emballage de paille et cocons. Objet décoratif  employé à l’intérieur  de la pièce où se déroule la cérémonie qui marque le début de l’activité annuelle. L’objet est fabriqué à partir d’une défense d’ivoire sculptée et représente le papillon  koishimaru sortant de leur cocon. L’œuvre fut conçue à l’époque Taishô par le sculpteur Kawaguchi Ryûsen (1887-1948) 

Divinité céleste de la sériciculture, en bois sculpté, l’œuvre est due à Takamura Kôun (1852-1934) , l’artiste s’inspira d’une image bouddhique représentant une divinité féminine. La déesse tient dans sa main  un cocon de koishimaru, son ornement de tête représente un papillon.

Un vêtement de nourrisson porté par le prince Hisahito d’Akishino, premier petit-fils de leurs Majestés Impériales, cinquante  jours après sa naissance, lors de la cérémonie de présentation au Palais impérial des augustes mânes impériaux, le prince Hisahito  reçut en cadeau de leurs Majestés un vêtement en soie blanche. Ce vêtement est fabriqué en soie grège fabriquée à partir de fils de koishimaru, élevés à la Magnanerie impériale.  

Présentation d’une  photo datée de 2006 avec l’enfant portant le costume, dans les bras de ses parents le prince Fumihito d’Akishino  (second fils de leurs Majestés).

Une vidéo  montre l’impératrice au travail, et nous présente les cadeaux diplomatiques faits aux chefs d’états lors de  leur visite au Japon.

III -  les travaux de restauration  des étoffes anciennes  au Shôsô-in et les vers à soie de la variété koishimaru

L’importance de l’époque Shôsô-in : le Japon à l’époque Nara (710-794).

Spécificités des copies d’étoffes teintes. Ces copies du Shôsô-in font appel aux cocons de vers à soie de la variété de vers   Koishimaru, dont le fil brut est très fin et délicat, il est indispensable à la restauration des tissus de l’époque ancienne du VIII eme siècle (époque Nara).

Les trésors de Shôsô-in sont composés des objets qui ont été transmis à l’occasion d’offrandes  ainsi que de n ombreuses pièces rassemblées à l’occasion des assemblées et des cérémonies bouddhiques du Tôdai-ji . Ils ont été conservés dans des magasins à objets précieux du bâtiment appelé Shôsô-in, utilisé pour y entreposer 9000 objets (calligraphies, mobilier, textiles etc…..) datant du VIII eme siècle.  

 Elle-même placée sous l’autorité de l’Agence de la Maison Impériale.

 Différentes photographies sont présentées.

Quelques exemples :

Travaux de copies des trésors de l’administration du Shôsô-in.

Les soies grossières blanches : désigne une étoffe de  soie à armure simple. A l’époque Nara (VIII eme siècle) , c’était l’un des articles  importants parmi ceux qui étaient collectés en guise d’impôt.

Présentation d’un fragment d’une soie épaisse blanche.

Le brocart : Le terme brocart désigne  des étoffes de soie fabriquées avec des fils préalablement teints, dont  les coloris  et les motifs  à la surface  sont obtenus  avec des points de fils  de couleurs ou de fines lignes.

Un accoudoir au motif de phénix

Des chaussons avec pour motifs des fleurs exotiques.

Des rouleaux du brocart des cercles d’entrelacs et de phénix sur un fond violet.

Un rouleau de brocart de la bannière à fleurs exotiques sur fond rouge

 Un autre avec des motifs de fleurs exotiques à 8 pétales en serge rouge.

Serges : ce sont des tissus où le chevauchement de fils de chaine  et de trame créé des diagonales sur l’endroit. Pour l’obtention des motifs, on combine différentes armures : armure de toile (tissage simple), armure de serge aux obliques orientées différemment. Dans cette technique  de tissage, on fait ressortir le lustre  et le brillant du fil de soie.

Une serge blanche à motifs de petites fleurs exotiques

Gazes : La gaze est une fine étoffe transparente, obtenue par tissage  avec des fils de chaîne dont l’évolution est sinueuse, ce qui rappelle des mailes de filet.

Une bannière à gaze de soie, obtenue par pressage de Kyokechi

Une gaze jaune à cire perdue

IV – Le projet de restauration  de la chronique illustrée des miracles  de la Divinité de Kasuga, et les vers de la variété de koishimaru :

Trésor du Shôdao :

La restauration et la chronique illustrée des miracles de la divinité de Kasuga, il s’agit d’un chef d’œuvre de rouleaux peints daté du XIV eme siècle, c’est un ensemble de 20 rouleaux peints sur soie dans le style Yamoto-E (style japonais classique).

V - Historique de la culture de la soie au Japon :  

Les techniques de la teinture et du tissage sont attestées depuis le III eme siècle au Japon. Nous savons par des pièces transmises au monastère du Hôryû-ji  ainsi qu’au Shôsô-in (monastère du Tôdai-ji) à Nara, que des développements importants eurent lieu sous l’influence de la culture continentale et jusqu’au VII et VIII siècles, de splendides tissus colorés ont été confectionnés grâce à des techniques avancées de teinture. Avec le transfert de la capitale à Kyoto, des soies précieuses de style japonais, motifs et couleurs ; auraient été fabriquées à l’époque Heian (794-1185) où était éclose une culture gravitante autour des aristocrates de la cour. Plusieurs règlements furent mis en place à l’époque Heian, dont les règlements de l’ère Engi en 927, sous l’ordre de l’empereur Daigo, contenant une grande quantité de textes consacrés aux vêtements et accessoires, ainsi qu’à la teinture des tissus. Une trentaine de teintes existaient, dont l’ocre réservé aux empereurs.

Fin XII eme siècle, à l’époque Kamakura , lorsque les guerriers privent les rênes du pouvoir politique, et jusqu’au XVI eme siècle, époque Muromachi, une transformation s’opère dans le costume , et l’on assiste à une transition depuis le tissage  d’étoffes très colorées  de l’époque Heian, au développement des techniques et de teinture et de broderie. Il faut rappeler qu’à  cette époque le commerce est très florissant avec la Chine des Ming (1368-1644). C’est ainsi que des étoffes connues comme étoffes précieuses, faites en brocart d’or et d’argent furent importées et appréciées comme un trésor. Elles ont exercé une influence sur  les techniques de teintures japonaises. Avec les guerres la fabrique de textile tomba  en décadence.

Milieu XVI eme siècle, le Japon connut, avec l’arrivée des portugais à Tanegashima (1543), les étoffes teintes venues de l’Europe. Des étoffes teintes rares comme le velours inspirèrent les tisserands de Nishijin  et les encouragèrent à développer de nouveaux types de tissus.

1620, la fille du second shogun Tokugawa , future impératrice fit son entrée au palais impériale après son mariage avec l’empereur Gomizunoo. Des dépenses somptuaires  à l’occasion de la cérémonie tant par les membres de l’aristocratie que par les guerriers ce qui fit accélérer  la renaissance des vêtements et des accessoires, et devint l’un des événements majeurs  à l’origine de nouveaux développements du secteur.

XVIII eme époque Edo, , d’autres innovations dans les décors , tel que le procédé de teinture nommé Yûzen, ensuite ce fut l’essor du vêtement à manches courtes. Aujourd’hui encore,  les techniques traditionnelles de teinture et de tissage  reposent sur celles qui furent établies à l’époque Edo.

C’est à partir  de l’époque Meiji que le Japon étudie les techniques venues d’Europe et, en les incorporant. Cette époque fut celle des métiers à tisser mécaniques et des teintures chimiques venues d’Europe. Le développement de la tenue à l’occidentale ainsi que les kimonos traditionnels se sont poursuivis jusqu’à nos jours. La Maison impériale accorde une importance aux traditions, de nombreux costumes et habits fabriqués selon les techniques japonaises traditionnelles y ont été transmis, confèrent à celle-ci une mission importante quant à la transmission et au maintien des héritages classiques.

A l'exposition :

Furisode en damas de satin noir et écarlate décors motif auspicieux daté de 1938

Une robe de soirée de l’impératrice à motifs de chrysanthèmes en brocart de serge.

Une autre robe à motifs de marguerites beige

Les sacs à mains de sa Majesté assortis aux robes

Un album illustré dit du Genji (époque Edo XVII eme) de Tosa Mitsunori, les passages de l’œuvre son exposés

Des carnets de brocarts et serges célèbres de Tatsumara Heizo datés de 1928

Vêtements japonais à fleurs de glycines brodées violet léger porté par l’impératrice, un autre couleur céladon avec des marguerites

Un pot à encens pour  parfumer les vêtements, on le disposait sous une table ou le vêtement était posé.

Un nécessaire de couture en soie brodée

Deux furisodes offerts pour les trois ans du prince, motifs auspicieux , un sur  fond de crèpe noir daté de 1936   

furisode sur fond rouge

VI – Le Japon et la France : échanges autour de la soie :

Plus de 150 ans  que la France et le Japon  ont signé un traité d’amitié et de commerce, et, depuis  ont poursuivi des échanges intensifs. C’est en 1868, le Japon ouvre les portes des temps modernes avec l’ère Meiji et mit au point un système d’échanges dans  divers domaines d’études et secteurs d’activités qui devinrent  l’une des dynamiques fortes de la modernisation du pays. Les apports français à, ce processus de modernisation du Japon sont importants, mais le Japon sauva aussi la France d’une crise importante. Ce secours  est venu sous forme de vers à soie. Suite à une maladie (l’épizootie) en Europe venue d’Espagne qui s’est étendue dans tout le pays et arriva jusqu’à Lyon et sa région, haut lieu de la soie en France il fallut trouver des vers à soie résistant à cette maladie, ce furent ceux  du Japon très résistant qui furent exportés.

Echanges France-Japon en 1868 :

Les tissus ayant servi à la décoration intérieure du palais Meiji :

Photographies du palais de Meiji dont la fin de la construction a eue lieue en 1888, et fut détruit en 1945.

Quelques photos de l’intérieur du palais et du salon des 1000 fleurs.

Etoffe d’une tenture à décor de coquillages variés de Kawashuma Jinbel II, pour la salle d’attente du palais Meiji

Décor pour le salon des pivoines, il s’agit d’herbes d’automne

Décor de roses pour le salon des 1000 fleurs

Une nappe chinoise brodée décor de 100  fleurs de Shinshichi IV

Un rouleau  vertical à broderie représentant des paons sur fond de roses en teinture  yûzen à lissage léger de shiose par Nishimura Sôzaemon XII daté de 1882

Une tapisserie en brocart représentant plantes et fleurs daté du début du XX eme siècle

L’exposition universelle de 1900 à Paris, et les artisans du textile du Japon :

L’exposition  de 1867 et celle de 1878 la plus marquante fait sensation dans les arts décoratifs.

L’exposition universelle de 1900, la première à laquelle le Japon participe.

Une autre tapisserie en brocart de  la  capitale "tambour géant "pour l’exposition universelle de Paris en 1900 de Sasaki Seishichi (1844-1908, maitre artisan du textile de l’ère meiji. Au centre de l’œuvre un grand tambour, cet instrument est utilisé dans l’art de cour traditionnel japonais qui associe un répertoire orchestral et des parties dansées.

Un velours teint en Yûzen à motifs pluviers avec des vagues de Lida Shinshichi , cette œuvre exposée à l’exposition universelle fut  achetée par Sarah Bernhardt.

Un paravent en broderies à décor des quatre saisons de Lida Shinshichi vers 1913

Pour terminer l’exposition des étiquettes publicitaires en soie et des menus de l’ambassade de France au Japon. Ces étiquettes de marques commerciales de fils de soie grège, décoraient les menus.

Extraits du catalogue de l’exposition.

Cette magnifique exposition permet de découvrir l’histoire de  la  sériciculture  japonaise, quelques dessins et peintures évoquent cette culture XIX eme siècle,   présentation d’objets délicats,  de costumes, de tissus. A ne pas manquer.

Jusqu'au 5 avril, à la Maison du Japon , Paris

L'Art Déco, mouvement artistique qui naît en 1910, il  prend son plein essor en 1920 et décline en 1930.

C’est le premier mouvement d' architecture-décoration mondial. C’est grâce à l’exposition internationale  des arts décoratifs et industriels modernes de 1925 à Paris, que ce mouvement est nommé "Art Déco" il  concerne l’architecture et  la décoration intérieure avec la tapisserie, les vitraux, peintures , sculptures ornementales, l’ébénisterie, l’orfèvrerie, la céramique.

Le design débute sur les grandes séries d’équipement de l’habitat et   des   bureaux, mais aussi avec la mode vestimentaire, la topographie des signalisations et des réclames affichées, les enseignes.

L’art déco prend son essor après la première guerre mondiale contre les volutes et formes organiques de l’art nouveau, c’est un retour à la rigueur de l’art classique : la symétrie, les ordres classiques (stylisés), le retour de la pierre de taille sans effets. Le décor encore présent  n’a plus les effets de libertés des années 1900. Il est sévèrement encadré par ses créateurs, et son dessin s’inspire de la géométrie cubiste.

Ordre, géométrie, couleur : ce sont les trois points forts de l’Art Déco, il est le premier style à avoir une diffusion mondiale. En France, puis en Belgique, Espagne, Portugal, l’Afrique du nord, l’Angleterre , Etats-Unis et ses associations "arts décoratifs", Australie, Canada, Nouvelle-Zélande, Indes, Philippines, mais aussi dans les villes principales vietnamiennes pour le mouvement initial, plusieurs ville chinoise Shanghai, Hong Kong, le Japon pour le palais du Prince Asaka à Tokyo.

Il faut revenir aux origines de ce mouvement né entre 1900 et 1910, c’est une réaction à l’art nouveau en France qui apparaît au début du siècle, il existe aussi en Belgique, en Allemagne et aux Pays-Bas dont certains qualifient le style art nouveau comme  " style nouilles". Le désir est au retour à l’ordre, les lignes sont simples, des compositions classiques et un emploi  parcimonieux du décor. Ce retour à l’ordre et à la géométrie prend des styles différents selon les pays. Quelques exemples avec l’Autriche, la ligne ondoyante de l’époque "Art nouveau" est remplacée par un réseau de lignes orthogonales, les volumes simples sous l’influence de l’architecte et designer  écossais Charles Rennie Mackintosh, les artistes de cette tendance sont : Josef Hoffmann, architecte, Koloman Moser, peintre et designer, Otto Wagner, architecte, Wiener Werkstätte (atelier de production d’ameublement, cet atelier comprenait des architectes, designer et des artistes, dont l’engagement premier consistait à mettre l’esthétique à la portée de chacun), dont l’œuvre la plus représentative est le palais Stoclet à Bruxelles.

Bruxelles est une grande ville "Art nouveau" de 1905 à 1911, le palais Stoclet renferme des peintures de Gustav Klimt. Ce palais est conçu entre 1903 et 1904 par l’architecte autrichien Josef Hoffmann pour devenir l’hôtel particulier du financier belge Josef Stoclet. L’édifice aux lignes géométriques  est révolutionnaire à l’époque de l’Art nouveau, cet établissement ouvre l’ère de" l’Art déco" 20 ans avant.

En France c’est vers 1900 que quelques signent de changement s’amorcent. En 1907, Eugène Grasset publie sa méthode de composition ornementale, qui donne la part belle aux formes géométriques et à ses déclinaisons. 1908 Paul Iribe dessine pour le couturier Paul Poiret un album de mode dont l’esthétisme surprend le milieu parisien pour sa nouveauté.

Les années 1910 :

Le Salon d’Automne parisien (1910), invite les artistes munichois, qui depuis quelques années ont introduit  les formes strictes et dépouillées. Cette année-là, Pompon sculpte son ours blanc, il polit les surfaces et supprime tous les détails. (l’œuvre sera présentée au salon d’automne de 1922 , elle tranche par son modernisme  sur l’esthétisme de sa sculpture). Les décorateurs français André Mare (décorateur d’intérieur, architecte et peintre)  et Louis Süe (artiste peintre, décorateur et architecte)  font évoluer leur style vers plus de rigueur et de retenue.

Dans l’architecture l’Art déco se retrouve, Henri Sauvage (1873-1932 architecte et décorateur)  renouvelle  depuis les débuts du siècle les repères formels architecturaux et ses références techniques par des immeubles à gradins.

Un exemple avec la construction du théâtre des Champs Elysées dans les années 1910-13 qui montre un autre signe du changement esthétique, dont le coté rigoureux de la façade donne place à la décoration intérieure.

L’influence de la peinture, c’est la période de la diffusion du fauvisme (1905)  puis du cubisme (1907). Les peintres de la section d’or ( groupe de Puteaux, il s’agit d’un groupe d’artistes    européens et de critiques liés au cubisme, se plaçant plutôt dans une approche post-cubiste, groupe constitué en 1911 on y rencontre : Picabia, Kupla, Leger, Metzinger, Marcel Duchamp, Gleizes et l’architecte Perret, ces artistes échangeaient leurs opinions chez Jacques Villon (peintre, graveur, cubiste)  à Puteaux , leurs œuvres étant plus accessibles au grand public que celle de Picasso et Braque (cubisme analytique).

Les ballets russes de Diaghilev sont à Paris, ils mêlent danses, musiques, peintures des mille et une nuits, c’est une invitation à l’exotisme, au luxe, création des costumes et décors de Léon Bakst, il donne à la mode des couleurs vives, les éventails, les plumes sont en vogue, des couleurs insolites vont même s’imposer dans le mobilier et le décor.

Les années 1920 :

L’Allemagne vit une grave crise économique, l’économie de la France repart, Les crises monétaires de 1924-26-27 n’entament pas de progression, elle culminera en 1930. Le monde change et se met à l’heure de la vitesse et aux déplacements rapides. Cette reprise ne peut faire oublier la guerre, reconstituions de villes détruites à  80% pour Reims, Saint-Quentin .

La mentalité ambiante évolue, avec la guerre longue qui fait cohabiter des populations venues de tout le globe. La signification des contenus changent dans  les musées de l’après-guerre, ils sont devenus modernes ethnographiques, le regard porté sur le milieu artistique lui aussi change, ce modernisme concerne les villes reliées au monde tel que Bordeaux (en face New York). Mais l’instabilité monétaire en Europe génère l’augmentation des prix jusqu’en 1927, forte hausse des loyers pour une partie de la population en France, ce qui occasionne une crise du logement pour les classes moyennes et populaires. Mais on constate en 1920   la présence d’une   population aisée à Paris comme dans les grandes villes de Province, on peut observer la construction de riches immeubles, hôtels particuliers, chantiers importants pour les décorateurs et architectes "Art Déco". La hauteur des immeubles, devient un  signe de richesse et de modernité, venant des Etats-Unis, (  à cette époque, l'Amérique du nord est le pays le plus florissant économiquement).  

L’architecture Art Déco :  la simplicité  est recherché avec des baies larges et des façades lisses, le modernisme prône un fort intérêt pour la structure constructive. Cet art se développe dans un contexte marqué par des avancées technologiques et la modernité (automobile, aviation, radio, cinéma) le mouvement et la vitesse inspirent les architectes et artistes. Par contre il y a un grand intérêt pour la décoration intérieure.

Les mentalités évoluent avec l’arrivée de personnes influentes tel que : Tamara de Lempicka , Charlotte Pierrand, Kiki de Montparnasse, Louise Brooks, Joséphine Baker, Coco Chanel, Habib Baglia (premier acteur africain du cinéma français noir), contribuent à cette ouverture d’esprit et véhicule ce style.

C’est le début de l’aviation intercontinentale avec Mermoz et Lindbergh, l’automobile le téléphone, la mise au point de la relativité d’Einstein.

Le surréaliste mouvement littéraire et artistique dont André Breton en est le chef de file. Cocteau parallèlement évoque un rappel à l’ordre auquel on assiste  en art et en littérature.

Le cinéma aux USA fait  rêver, les productions des grands studios sont diffusées à travers l’ Europe, en France René Clair et Marcel l’herbier développent un cinéma d’avant-garde.

 L'exposition :

Mobilier, maquettes et dessins d'architecture, peintures, sculptures , objets d'arts photos, modes de transports nous conduisent à  l’exposition internationale  des Arts décoratifs et industriels modernes présentée  à Paris en 1925, et de son impact dans le monde.

Les architectes et les motifs de l’art déco :

Les portraits d’architectes :

L’Art Déco est diffusé sous différentes formes d’expressions par des architectes de cette tendance et l’ensemble des métiers d’art (maîtres verriers, ferronniers, fresquistes, peintres, sculpteurs). Souvent formé à l’école des beaux arts ou à la villa Médicis, c’est l’une des caractéristiques essentielles de l’art déco.

En 1913, l’architecte Auguste Perret (1874-1954) construit sa  première  grande réalisation le théâtre des Champs Elysées, il   travaille avec Bourdelle et Maurice Denis.

Robert Mallet-Stevens, architecte et designer français (1886-1945)  s’entoure des maîtres verriers Barillet et Le Chevallier et des sculpteurs Jan et  Joël Martel.

Roger-Henri Expert, architecte français (1882-1955)  s’entoure du sculpteur Sarrabezolles et du ferronnier Subes,

Jacques-Emile Ruhlmann décorateur et ensemblier français (1879-1933)  s’entoure de Patout, des sculpteurs Janniot et Bernard et des peintres Dupas et Bouquet, Laprade complète l’équipe et  s’entoure du fresquiste Ducos et de La Haille.

 Michel Roux-Spitz, architecte français (1888-1957)   s’entoure du sculpteur Delamarre et au ferronnier  Brandt.

A l'exposition :

Portrait de l’architecte Robert Mallet Stevens  peint par Jacques- Emile Blanche (1861-1942).

Une sculpture de Chana Orloff (1888-1968) représentant  l’architecte  Roger Henri Expert

et une Sculpture d’Auguste Perret par Chana Orloff.

Les motifs de l’art déco :

A la recherche d’un nouvel art de vivre dans lequel   l' élégance et la   simplicité des formes dominent,  architectes, designer vont réinterpréter les volumes et les décors. Tournant le dos à l’art nouveau, mais soucieux  de la tradition, ils empreintes à l’Antiquité et aux siècles passés des motifs qu’ils vont épurer jusqu’à les géométriser. Le décor issu de la nature s’éloigne, les fleurs sont stylisées  dans des corbeilles, cantonnées dans des cadres déterminées dont il n’y a aucun débordement. Ces corbeilles ornent les immeubles de l’entre-deux guerres.

Les  nus masculins et féminins traités en allégories, la danse, la beauté, les lignes ondulantes  stimulant des cascades.  Les décorateurs de mobilier tel Ruhlmann privilégient l’élégance du graphisme, soutenu par la richesse des matériaux utilisés : bois précieux, acajou, palissandre, ébène incrustés d’ivoire. A partir des années 20, le décor est géométrisé : triangles, arcs de cercles, engrenages placés à l’arrière plan  traduisent le mouvement, la vitesse conquête de l’époque.

Présenté  :

Un panneau en plâtre  patiné doré représentant "Mowgli du livre de la jungle" par Raymond Delamarre.

Une petite table en bois précieux avec une rose en marqueterie  d’André Frechet

Un porte parapluie d’Edgar Brandt (ferronnier d’art)

Un meuble à fard de Jacques-Emile Ruhlmann (décorateur et ensemblier)

Lampes à vasques en taffetas de soie façonné  de Louis Süe  

Un pavé de verre prévu pour une porte de l’exposition internationale des arts décoratifs et industriels de 1925.

Un tableau de Louis Bouquet présente "Albert Laprade (architecte) et l’équipe du musée national des colonies" on peut y découvrir de sa gauche à droite le sculpteur Janniot, le peintre Bouquet, son modèle Josépha, du décorateur Jacques-Emile Ruhlmann et l’architecte Bazin.

La mode, l’architecte et le couturier :

C’est en Orient que Louis Süe et Jean Patou se rencontrent en 1916.  En 1921, le couturier fait appel aux décorateurs Louis Süe et André Mare pour la décoration de sa maison de couture. En 1924, Louis Süe décore l’hôtel particulier de jean Patou. Décoration également des flacons de parfums « le sien » et « Joy »

A l' exposition :

Deux robes l’une noire avec broderies, l’autre ivoire brodée également

Quelques flacons de parfum : Joy, Amour Amour, Adieu Sagesse, Adrien, le sien.

Photo de   Suzanne Lenglen, tennisman qui fut la première à adopter les jupes courtes dessinées par Jean Patou mieux adaptées à ce sport

Une photographie présente Patou avec ses mannequins.  

La femme moderne :

Après la fin de la grande guerre, il y a rupture de la société. La femme est présentée sur tous les fronts : dans la mode, le design, sport, art, science, architecture. Tamara de Lempicka, artiste peintre, grâce à son talent peut s’offrir un atelier  moderniste construit par Robert Mallet-Stevens, elle confie  la décoration intérieure de cet atelier-studio  tout en aluminium à sa sœur Adrienne Gorska. L’artiste est présentée dans son atelier moderne aux actualités de Pathé  comme une femme moderne. Hélène Boucher  tient la vedette dans la conquête de l’air. Maryse Bastié et Victorienne Bolland, dans le combat féministe  du droit de vote des françaises.

Présenté :

"La garçonne" de Victor  Margueritte, roman publié en 1922 fait scandale, le thème une jeune femme apprend que son fiancé la trompe décide de mener une vie libre avec des partenaires divers aussi bien hommes que femmes.

"Profil de femme au crayon", lavis noir de Georges Lepape.

"Portrait de Suzy Solidor" par Tamara de Lempicka.

Un fauteuil de Louis Sognot pour l’atelier de Tamara de Lempicka

Un catalogue d’échantillons de verre coulé monté sur angles de verre et carton, le verre entre en force dans les constructions de l’ameublement.

L’automobile et l’aviation :

Le monde change, il communique et se transporte de plus en plus et plus rapidement, apporte des nouvelles technologies  dans l’aviation et l’automobile. Mis en scène par le cinéma naissant.  Voyager en avion est désormais possible. Henri Farman transforme son bombardier, le Goliath de 1917 en premier avion de ligne. Pour aller très vite d’une destination à une autre, les architectes art déco conçoivent leurs premières aérogares, tours de contrôle et pistes d’atterrissages.

Sculpteurs, peintres, affichistes s’emparent  de la légende en racontant les nouveaux exploits  et les distances conquises.

Louis Renault et André Citroën commencent à fuseler leurs voitures, ce qui produira les torpédos. Les sculpteurs créent des bouchons de radiateurs ou mascottes qui racontent l’époque et célèbres ses gloires te que : Suzanne Lenglen, Mistinguett, Dranem, et bien d’autres. Les architectes Robert Mallet-Stevens, Albert Laprade, Michel Roux-Spitz rivalisent pour ranger les voitures dans des garages.

Dans une vitrine de nombreux bouchons de radiateurs sont exposés

Un poster montre un  détail du plafond du XX eme salon de l’automobile

Présentation d’un dessin du plafond de XXIII eme salon de l’automobile.

Influence Afrique :

A la grande exposition internationale des arts décoratifs de 1925, la prédominance du motif nègre est évidente parmi les notes nouvelles et distinctives en matière de décoration. Architecture de la pensée, une expression subtile des forces les plus profondes de la vie, qui ont été extraites de la civilisation nègre et introduites dans le monde artistique moderne, affirme Paul Guillaume dans un discours à la fondation Barnes.

Le boxeur noir américain, Al Brown, finance en 1931 avec la recette de l’un de ses cachets, la mission Dakar-Djibouti de marcel Griaule et  Michel Leiris.  Habib Benglia, chante Vincent Scotto et  impose sa silhouette dans plusieurs films, Joséphine Baker chante j’ai deux amours.

Paul Guillaume fait commerce de masques africains dès 1909 puis en 1926 à la grande exposition des arts décoratifs.

"Habib Benglia" sculpté par Evariste Jonchère (sculpteur, ayant obtenu le prix de Rome en 1925)

"Le masque nègre" en 1929, huile sur toile par Gabriel Moiselet, il s’agit de l’épouse de l’artiste tenant un masque Punu gabonais, collectionneur lui-même les masques et statues représentées lui appartiennent, au fond il utilise un tissu océanien, utilisé dans une autre œuvre, il s’agit d’un Tapa Salasati (morceau de tissus ou vêtement dont les motifs sont géométriques).

Quelques photos, affiches et petit  film montrant Joséphine Baker

Un livre sur la croisière noire expédition Citroën par jerzy Brodruck, cette croisière se déroule d’octobre 1924 à juin 1925, organisée par André Citroën, le but de démontrer au monde qu’il est possible en moins de 20 jours de relier l’Afrique du nord à l’Afrique occidentale.

Le cinéma :

Il est colorisé, bientôt parlant et plus tard en technicolor, le cinéma devient pendant l’entre deux guerre le spectacle populaire par excellence, dans chaque ville on trouve une salle dont la façade moderne est art déco, la salle participe au spectacle. Les américains inventent les salles atmosphériques, ou les décors issus de leur imaginaire accompagnent le spectateur pendant l’entracte. Le Rex  parisien témoigne de cette approche, la spectatrice peu se faire coiffer dans le salon de coiffure de l’établissent, déposer son petit chien au chenil etc….. 1932 tout change nouvelle innovation les enseignes sont électrifiées, abandon des décors les façades sont illuminées par les néons (modèles repris dans le monde entier).

Quelques photos montrent les cinémas de l’époque, avec leur architecture extérieure. Le grand Rex, le Louxor.

1925, L’ exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes:

Cette exposition  révèle une volonté de production et de diffusion et de conquête des marchés. Les grands magasins du Louvre, Galeries Lafayette, le Bon Marché, le  Printemps confient leurs pavillons à des architectes de renoms. Une rue et  une galerie ouvrent sur le Pont Alexandre III et sur l’esplanade des Invalides. Les grandes manufactures de l’état sont présentes et rivalisent de moyens pour séduire les visiteurs notamment les étrangers.

Une ambassade française montre l’excellence hexagonale dans toutes ses composantes : mobilier, ferronnerie, éclairage, les grands noms de la décoration sont réunis, Jacques-Emile Ruhlmann montre son hôtel du collectionneur. N’oublions pas le tourisme avec son pavillon  éponyme est d’une grande modernité au pied du grand palais belle époque est confié à Robert Mallet-Stevens. Son beffroi à horloge est copié dans le monde entier. L’exposition séduit au-delà de nos frontières.

Présentation d’une maquette du pavillon du tourisme de l’exposition par Robert Mallet-Stevens

Des cartes postales de l’exposition ; des cendriers publicitaires.

Quelques photos des différents pavillons étrangers et provinciaux.

Le plan de l’exposition.

Les pavillons :

Pomone le Bon Marché :

La ligne de décoration est dirigée par Fallot. Le pavillon propose l’aménagement d’un hall une salle à manger, un fumoir, un boudoir, un cabinet de travail, un chambre pour homme et une pour dame le tout réalisé par les ateliers Pomone

Présentation de vases et plats en faïence fabriqués à Longwy.

Un grand poster  montre le pavillon du bon marché

Primavera :

Architecture spectaculaire. la toiture originale d’une hutte en béton armé et recouverte de grandes lentilles en verre coulé exécutées par  René Lalique, elles donnent l’impression de gros galets mouillés par la mer. L’ossature est construite par les frères Perret.

Un poster montre l’atelier d’art des grands magasins du Printemps

Quelques faïences représentent :

Un arlequin  du ballet russe avec un rehaut or fabriqué à Sainte Radegonde

Pucinella.

Le pavillon présenté à l’exposition de 1925 est d’Henri Sauvage et Georges Wybo

Studium  les Grands Magasins du Louvre:

Studium est l’atelier de décoration des grands magasins du Louvre à laquelle participe depuis 1923 cet ancien élève de "l’école Boulle" Etienne Kohlmann qui deviendra directeur artistique de 1927 à 37. Pour le pavillon de l’exposition il fait équipe avec Djo-Bourgeois, il est composé d’un bureau, d’une chambre pour dame, d’une salle de bain, Albert Laprade y développe des coursives et terrasses qui rappellent ses réalisations au Maroc.

Poster de la Ligne des grands magasins du Louvre

Exposition de diverses publicités

Une statuette

Un nu agenouillé et craquelé de Lejeun

Albert Laprade :

Architecte français, de 1915 à 1919 il est attaché à la résidence générale de France au Maroc, adjoint d’Henri Prost l’urbaniste de Lyautey. Il participe à la construction de la ville de Casablanca et est architecte de la Résidence générale de Rabat.

Une vitrine de vases de Pierre Patout (1875-1965) architecte, il a aménagé trois  paquebots ile de France, l’Atlantique en 1925 et  le Normandie en 1935, il est aussi l’architecte des Galerie Lafayette et des magasins Nicolas.

1 vase d’ormoy  , vase boule à décor de poissons noirs et or à porcelaine dure Sèvres cité de la céramique

« La petite fille aux tortues » de René Letourneur

Un vase roubille ou pot au chat, décoration d’Auguste Roubille

Atelier la Maitrise des Galeries Lafayette :  

Ligne de décoration des galeries Lafayette confiée à Maurice Dufrêne, ce pavillon dont l’architecture holliwodienne et à l’escalier majestueux, imaginé et construit par Hiriart, Tribout et Georges Beau. D’imposantes colonnes coiffées de sculptures  encadrent une verrière réalisée par le maitre verrier Jacques Gruber (1870-1936). A l’intérieur, un hall, une chambre de dame, une chambre d’homme, un petit cabinet de Gabriel Englinger (1898-1983) et Suzanne Guiguichon (1900-1985), une salle à manger, une bibliothèque et un salon de thé.

Présentation d’un ours assis en céramique craquelée de Charles Lemanceau

Un vase en grès de Duchesne

Un pichet en faïence craquelée par keller

Siegel :

Boutique de fabrication de mannequins et bustes pour  couturières,  ateliers de couture, présentoirs pour vitrines.

Exposé :

Porte d’entrée  pour la boutique Siegel, encadrée par deux présentoirs

La manufacture de Sèvres :

Un grand poster nous présente la manufacture, la réalisation de ce pavillon est du à son administrateur Léo Lechevallier-Chevignard et au décorateur est d’Henri Rapin (peintre, illustrateur et décorateur) , Pierre Patout (architecte et décorateur) , André ventre(architecte). Il s’agit de deux pavillons réunis dans un jardin agrémenté au centre par un bassin. Le jardin composé par rapin présente deux vases en grès cérame  ou terre cuite de Gaston Le Bourgeois, Gauvanet et Blondat. Il voisine avec le jardin des nymphéas composé par Laprade. L’intérieur des pavillons sont décorés par le peintre Guillonnet le sculpteur Bracquemond, avec un salon de  lumière  d’Henri Rapin et une salle à manger de René Lalique, une salle de bain par Patout et les frères Martel

Présentation d’un meuble en citronnier et palissandre, marbre et porcelaine incrustée vers 1924 d’Henri Rapin

Une vue du jardin entre les deux pavillons daté de 1925 par Henri Rapin

Vase Patout ou pot à tabac, céramique, grès 1926 Sèvres

Un vase Aubert a décor  or et plâtre sur fond vert.

Vase Rapin no 10 en porcelaine  

L’ambassade française :

Un des principaux pavillons de l’exposition, réalisé par la société des artistes décorateurs sous le patronage du ministre des beaux arts. L’ensemble regroupe la plupart des décorateurs ensembliers du moment tel que Rulhmann, Leleu, Brandt, Groult, Jalliot, Süe, Mare, Subes, Mallet-Stevens, Dunand ……………

Un poster nous présente l’ambassade

Une édition d’art de l’ambassade

De Charles Stern Les jets d’eau et perroquets 1912 en damas, soie et coton, retissage contemporain par la manufacture de soierie Prelle Paris.

Une table Lyre de  Jules Leleu (désigner)

Un damassé de soie  « les éventails » d’André Groult

Un bahut dit meuble "Elysée", marqueterie de loupe d’amboine vernie, ivoire sur bâtit de chêne et bronze argenté de jacques-Emile Ruhlmann.

Le pavillon du tourisme :

Il est le pavillon le plus représentatif de l’exposition, son programme exprime le développement naissant de cette nouvelle occupation de la société.  

Présentation d’un paravent de Gaston Suisse (laqueur français)  New-York noir et blanc.

L’hôtel du collectionneur :

Dans cet hôtel Jacques-Emile Ruhlmann développe toute l’étendue de son savoir-faire, il conçoit l’un des chefs-d’œuvre de l’ébénisterie, le bureau de dame à cylindre en ébène de Macassar et denticules d’ivoire.

Présentation d’une nymphe de Fontainebleau 1927

Et d’une tête de sicilienne  1925 d’Alfred Janniot

Le bureau de dame à cylindre de Jacques-Emile Ruhlmann

Quelques vases blancs Ruhlmann

Le renouveau du jardin :

Grande transformation, le jardin à la française devient géométrique il est même préféré au jardin anglais. Deux sortes de jardins , le premier s’apparente au jardin à la française composition géométrique et végétale, le second la redécouverte du jardin maure également géométrique comprenant jets d’eau et fontaines accompagné de céramiques

Présentation de Différents dessins et plans de jardins 

La rue et la galerie des boutiques :

La rue des boutiques sur le pont Alexandre III, Composé et imaginé par Maurice Dufrêne . Il y a 40 boutiques elles regroupent plusieurs professions et métiers d’art représentées par les grand noms de l’époque tel que : Sonia Delaunay, René Joubert, René Lalique, Pierre Petit  et autres….

La galerie des boutiques sur la place de la gare des Invalides aménagée par Henri Sauvage avec des mosaïques de Bourdet et Gentil, la décoration des façades par le sculpteur Raynaud. Il y a 20 boutiques dont celle de la revue Illustration.

Présentation de quelques danseuses de Jean-Baptiste  Gauvenet.

La diffusion des idées, le portfolio   :

Le portfolio très   en vogue dans les années 1920-30,  constitue un support idéal pour l’édition  d’art. Il est constitué   d’un ensemble de planches reconstituants  e plans et dessins, photographies réalisées  au pochoir dans les années 20. Les portfolios sont des recueils de modèles favorisants la diffusion des formes, des styles et des idées. Les auteurs sont des artistes

Comme Ruhlmann, Millet-Stevens et autres. Les thèmes sont variés dans la discipline de l’art déco.

De nombreux volumes sont exposés traitant de l’architecture, des jardins  de l’art déco en France  qui recouvre différentes formes d’expressions néoclassicisme, régionalisme, modernisme

L’art déco en France :

Reconstitution des régions après la guerre 14 /18, ce qui favorise le développement  de l’art déco  en France: dans le nord et l’est de la France : Reims et Saint-Quentin, dans les grandes villes dynamiques tel que Bordeaux. Les avancées techniques permettent un développement notamment dans les transports (gares, ports, aérogares), mais aussi dans les lycées, hôpitaux, postes, les grands magasins dans les villes importantes se développent, le littoral n’est pas en reste pour les grands hôtels et casinos, Nice, Biarritz, saint Jean-de Luz, la bourse à Roubaix. De nouveaux logements. Chaque région impose son style.

Boutique : les boutiques et magasins sont les premiers vecteurs de l’art déco dans les villes, cela du à l’éclairage artificiel qui illumine le soir et le travail de Pierre Patout travaillant sur les Galeries Lafayette. L’art déco apporte le modernisme, c’est aussi un travail de mise en scène dans l’éclairage et le décor.

Tourisme : Le développement du mode de transport incite la population à se déplacer vers le littoral, côte d’Azur, Normandie, côte Basque, de nombreux hôtels se construisent, le thermalisme et les sports d’hiver se développent. Les casinos, restaurants, les salles de spectacles développent une image dynamique.

Habitation : Le développement de la construction est important dans cette période de reconstruction. Habitation sociale  ou plus élégante, elle ne résiste pas à l’art déco.

Présentation de dessins et affiches, photos de différents lieux.

Les paquebots : ambassadeurs de l’art déco:

Les paquebots  construits dans l’entre-deux guerres,"l’Ile de France" ,"le Normandie"  sont de véritables ambassadeurs de goût pour le style Art Déco. L’ile de France inaugure son premier voyage le Havre New-York en 1927, la pièce maitresse est le salon de thé des 1ere classes, à bord l’ambiance sans soucis règne c’est l’époque des années folles. Pierre Patout en est l’architecte, Ruhlmann pour le mobilier, Jean Dupas pour la grande peinture centrale, Alfred Janniot pour la sculpture.

Le Normandie est inauguré le 23 mai  en 1935,   le Président de la République Albert Lebrun, l’actrice Gaby Morlay l’écrivain Blaise Cendars sont à bord pour la traversée inaugurale vers new-York. Sa salle à manger est plus grande que la galerie des glaces à Versailles, la lumière surgit de partout diffusée par des appliques, des lustres et lampadaires de René Lalique. Dans le bar fumoir des plaques d’or sculptés par Jean Dunand. Les architectes Bouwens de Boijen, Expert, Patout, Pacon.

Un espace est reconstitué d’après le Normandie 

Maquette du Normandie.

Un fauteuil Rothschild, chauffeuse provenant du grand salon de 1ere classe du Normandie

Un siège provenant du grand salon de "l’île de France".

L’art déco dans le monde :

Les étrangers se sont pressés à l’exposition universelle des arts décoratifs de 1925. Herbert Hoover secrétaire du commerce américain avait nommé un comité de 108 membres  pour venir en France et ainsi rendre compte de l’exposition (costume, textile, joaillerie, orfèvrerie, céramique, verre, papier peint, éclairage, mobilier). A sa tête Charles Richard directeur de l’association des musées. En 1926, ce dernier invite à Boston des créateurs français ,(Ruhlmann, Brandt, Dunand et autres )pour une exposition  présentant leurs œuvres (400),suite à cet événement ;  toutes les villes américaines se mettent bientôt à la mode de  l’art déco, faisant travailler un nombre de français mais aussi en les copiant. Le prince Asaka venu de Tokyo voir l’exposition, fait décorer son palais par Henri Rapin.

Le mouvement prend de l’ampleur, architectes, artistes et décorateurs français sont appelés dans le monde pour exercer leurs talents.

L’art déco devient le premier mouvement esthétique mondial.

Casablanca, Tunis, Alger :

Casablanca pendant le protectorat qui s’étend de 1912 à 1956,Le général Lyautey fait construire dans la ville le plus grand port d’Afrique. De nombreux architectes issus des beaux-arts de Paris s’y installent. Un exemple avec  le palais de justice (1918-1923) Joseph Marrast architecte français  qui débute sa carrière dans l’équipe d’Henri Prost,  édifie les principaux monuments civils de la ville.

Alger, depuis l’annexion de 1848, le colonisateur a profondément transformé la silhouette de la ville. Ce développement attire de nombreuses entreprises françaises, les architectes modernistes y trouvent un terrain d’expérimentation tandis que prospère  parallèlement à l’art déco. Edifié par l’agence Blugsen et Richard, un exemple avec le grand hôtel Aletti  à Alger.

Tunis, parmi les édifices les plus remarquables de la ville :  la synagogue de Victor Valensi, l’immeuble le Colisée

Belgrade:

L’ambassade de France à Belgrade signée par Roger-Henri Expert, fut achevée en 1932. Belgrade est la capitale du nouveau royaume de Yougoslavie, Roger-Henri Expert a livré une interprétation moderne de l’hôtel particulier.  Le grand salon en rotonde est l’une des pièces maitresses. Elle est considérée comme un joyau de l’art déco.

Hanoi, Saigon, Phnom Pen :

L’ancienne Indochine française après une période faste de construction dans les années 1900, se voit développer naturellement l’art déco. Ernest Hébrard , construit à Hanoi l’université Indochinoise en 1927 et le musée  de  l’école française d’Extrême-Orient en 1931, à Dalat la Résidence du gouverneur 1937,ainsi que le palais de l’empereur Bao  Dai le mobilier de Foinet. Félix Dumail la banque d’Indochine à Saigon en 1928 et à Hanoi en 1930. Au Cambodge, le marché central de Phnom Pen est réalisé par Chauchon en 1935

Banque de l'Indochine à Saigon ci-dessous

Shanghai :

165 immeubles arts déco classés. L’architecte Paul Veysseyre arrive en Chine en 1920, il s’associe à Alexandre Léonard pour ouvrir une agence à Shanghai. L’endroit chic de la ville réputé pour sa piscine, sa salle de bal, ses terrasses et kiosques à musique et son décor de fresques et vitraux art déco. Des échanges artistiques ont lieu entre les deux pays et  Liu Jipiao figure qui tisse les liens entre les deux pays. 

Tokyo:

Le prince Asaka  (gendre de l’empereur japonais) visite l’exposition de 1925 à Paris. Enthousiasmé par cette visite il se fait construire une villa dans le style art déco. Il passe sa commande à l’architecte japonais Yokichi Gondo, il séjourne en Europe, afin de se familiariser avec la nouvelle architecture. La décoration intérieur, le mobilier est conçu et réalisé en France, sous la direction d’Henri Rapin. Il a ajouté quelques touches japonisantes, insérant poissons, iris ou chrysanthèmes au raffinement attendu des matériaux laques, bois précieux ; il a pour collaborateurs des créateurs de premier plan  Raymond Subes et René Lalique.

New-York, Chicago, Montréal:

A New-York, Alfred Janniot réalise les portes Rockefeller center construit par Wallace Harisson qui avait fait ses études aux beaux arts à Paris.

Ci-dessous détail de la porte Rockefeller New-York

Porto, Rio, Sao Paulo :

Rio le christ du Corcovado en 1931, dont la sculpture est de Paul Landowski (1875-1961).

La maquette du Christ à l’exposition

Quelques extraits du catalogue de l’exposition

Magnifique exposition qui présente l’évolution de toute une époque, les technologies nouvelles, la mode, le comportement féminin, et l’impact de cette grande exposition de 1925 à Paris et l’Art Déco en France et dans le monde. A ne pas manquer.

A la Cité de l’architecture à Paris jusqu’au 3 mars.

Félix Vallotton naît à Lausanne en 1865, décède en 1925 à Paris. Son père tient une droguerie au rez-de-chaussée de leur maison. Par la suite il rachète une fabrique de chocolat. Sa mère Louise Roseng est la fille d’un boulanger du canton de Berne. Issu d’une famille de 4 enfants dont 2 survécurent, Félix décide de devenir peintre dès l’âge de 15 ans.

Il quitte Lausanne pour Paris après avoir interrompu sa scolarité.

1882, l’artiste entre à l’académie Julian, à 17 ans, atelier fréquenté par les artistes postimpressionnistes et les Nabis. Très vite l'artiste se fait un nom dans l’avant-garde parisienne. Ses gravures sur bois et ses illustrations en noir et blanc font très vite sensation et sa renommée devient internationale. Il participe à de nombreux salons tel que : le Salon d’Automne, le Salon des Indépendants  et des artistes français.

1883, il passe le concours d’entrée à l’école des beaux arts et est reçu dans les premiers

1885, passionné par le portrait,  il expose  au  Salon des artistes français, le portrait de "Monsieur Ursenbach".

1887, il y présente le portrait  de Jasinski tenant son chapeau. Il quitte l’Académie Julian.

1888, Il  s’installe rue de Vaugirard à Paris. Il retourne en Suisse régulièrement.

1890, Il rédige dans la gazette de Lausanne. Jusqu’en 1891 il connaît des années de galères.

1891, Félix Vallotton renouvelle l’art de la xylographie En quelques mois il se retrouve, avec cette technique ancestrale, à l’avant-scène du monde artistique parisien et internationale.

1892, ses gravures sur bois sont exposées au premier Salon de Rose+Croix et remarquées par les Nabis, d’ailleurs il rallie le groupe en 1893, il se lie d’amitié avec les peintres Maurice Denis, Bonnard et Vuillard.

Il devient illustrateur de la revue blanche, grâce à son ami Vuillard, ainsi qu’à l’amitié de Thadée Natanson fondateur de cette période avant-gardiste. Sa renommée de graveur  lui vaut d’être sollicité partout dans le monde pour des illustrations.

1893, l’artiste expose au salon des Indépendants, il présente « le bain au soir d’été », il fait sensation.

1897, il rejoint les Nabis, il s’appuie sur la simplification des formes et la suppression des nuances comme le groupe Nabis.

1899, il épouse Gabrielle Bernheim (1863-1932), sœur du marchand de tableau.

1900, il délaisse la gravure et l’illustration pour la peinture. Ses sujets : des scènes d’intérieurs, des paysages, des nus, des portraits, natures mortes qu’il traduit d’une manière très personnelle. Il est naturalisé français. Il expose à la Sécession de Vienne, puis la Centennale de l’Art français de l’exposition universelle de Paris, et la Sécession de Berlin et séjourne à Lausanne ou il peint des paysages.

1901, il va dans le sud de la France, vers Cannes, il expose au Salon des Indépendants et présente des vues de Marseille, Nice et Paris. Il participe également à une exposition de groupe à Zurich.

1902, il découvre Honfleur et sa région, il y peint des paysages, des intérieurs et portraits. Il visite la Bretagne. Il expose quelques toiles chez Bernheim-jeune et au Salon des Indépendants, il y présente des portraits décoratifs.

1903, il expose à la Sécession de Vienne, il y présente quelques tableaux, il Reçoit les félicitations de Gustave Klimt et de Hodler. Il expose aussi au Salon d’Automne, dont il est membre fondateur.

1904 à 1906, l’artiste se consacre à la peinture d’intérieurs , ses œuvres sont partagées dans différents salons surtout celui de « Félix Vallotton en Allemagne, » il voyage en Belgique et Pays-Bas. Il se lie d’amitié avec Manguin, Marquet, Guérin, Laprade.

1906, il expose un portrait de son épouse au Salon des Indépendants, il participe également au Salon d’Art Français en Allemagne et en Suède. Il peint de nombreux nus. Pour l’artiste c’est une année de voyages, il va à Cabourg, en Italie à Rome, Pise, Florence, il y réalise de nombreux dessins.

 1907, il séjourne à Naples puis à Guernesey, il y écrit un roman qui se nomme " La vie meurtrière ".

1908, il continue d’exposer à  Munich, Moscou, plusieurs toiles lui sont achetées, en particulier par le collectionneur Arthur Hahnloser.

1909, première exposition qui lui est entièrement consacrée à Zurich, il participe à la Fondation Ranson avec Vuillard, Bonnard, Roussel et Denis.

1910, une autre exposition personnelle lui est consacrée à Paris à la galerie Druet, il y expose 49 tableaux, le catalogue de l’exposition est illustré par Gustave Mirbeau. Il participe de plus en plus à des expositions internationales : Munich, Prague, Londres, Zurich.

1912, d’autres expositions sont organisées, dont une à la galerie Druet, il envoi six tableaux à la centennale de l’Art Français à Saint Petersbourg.

1913, l’artiste envoi 43 tableaux à l’exposition d’art français qui a lieue à Zurich

En 1914, il veut s’engager pour la guerre mais est refusé vu son âge. Les ventes diminuent et l’artiste a des difficultés financières.

 Son frère Paul Vallotton ouvre une galerie à Lausanne et consacre à Félix une exposition personnelle. A la galerie Druet présentation de 40 toiles.

1915, la guerre lui inspire différents tableaux, dont le crime châtié.

1917, il visite le front, cela lui inspire une série de paysages de guerre.

1919, l’artiste fait plusieurs voyages, la Suisse, la Bretagne. Une exposition est organisée chez Druet et une autre à Lausanne chez Bernheim-jeune.

Pendant la  première guerre mondiale il peint des toiles très colorées dont l’esthétisme futurisme montre la violence des combats.

1920, l va à Avignon pendant ce temps de nombreuses expositions concernant l’artiste à Stockholm, Prague, Munich, Londres, Zurich. Succès au salon d’Automne et ensuite séjourne   à Cagnes sur mer.

Félix Vallotton poursuit ses voyages jusqu’en 1924 sans cesser de peindre. Mais il tombe malade et décède fin 1925.

En Suisse sa peinture est diffusée par son frère Paul, directeur de la galerie Bernheim-jeune à Lausanne  depuis 1913

Il travaille beaucoup et est sans cesse à la recherche de nouvelles expressions. Touché par l’horreur de la première guerre mondiale, il   trouve dans le conflit,  source d’expression

Il est proche des Nabis, mais garde sa touche personnelle. Les couleurs sont raffinés, le dessin précis et découpe les formes, le traitement des chairs est velouté, à travers  ses  portraits il laisse découvrir  le mental de la personne représentée. Ses atmosphères sont étranges, il est un adepte des aplats de couleurs, il excelle dans les saynètes d’intérieurs, les amours cachés ;  

Félix Vallotton est complexe et mystérieux tout comme son œuvre, peintre, graveur sur bois, sculpteur, critique d’art et romancier.

L’exposition débute avec les portraits :

L’autoportrait un saut au-dedans de soi.

Dans ses portraits et autoportraits il fait rendre la douleur d’une vie, les regrets, les souffrances du passé, la perte de personnes aimées. Il se juge coupable de certains événements, tout cela donne une puissance de création à son art. L’amertume pour lui est une émotion permanente, on retrouve cela dans beaucoup de ses œuvres. Un repli sur soi, il faut dire que l’artiste a eu une  enfance et une adolescence assombrie  par des accidents dramatiques.

Vallotton s’appuie sur le dessin, il pratique une peinture de contour ou la ligne souple et incisive découpe le motif avec la précision d’un scalpel. La couleur intervient dans un second temps.

Idéalisme et pureté de la ligne :

Quelques exemples :

"Félix Jasinsky tenant son chapeau "1887,  (graveur d’origine polonaise résidant à Paris, Félix Vallotton le rencontre régulièrement vers 1887). Huile sur toile

"Autoportrait à l’âge de 20 ans" 1885, son visage est vibrant d’émotion, en faite l’artiste développe une vision mentale de ce qu’il se sent être au moment ou il exécute son portrait.Huile sur toile.

" Autoportrait" 1897, huile sur carton

"Misia à sa coiffeuse" 1898, elle est l’épouse de Thadée Natanson, elle joue un rôle important dans le monde artistique parisien à cette époque, elle est la mise protectrice des peintres. Détrempe sur carton.

"Gertrude Stein" 1907, huile sur toile

 " Thadée Natanson" 1897,  fondateur avec ses frères  de  la revue blanche. Huile sur carton

"Les cinq peintres" 1902-03, il s’agit de Bonnard, Vallotton, Vuillard, Roussel,  Cottard, huile sur toile

"Marthe Mellot" 1898, actrice française, épouse d’un des frères de Thadée Natanson. Huile sur toile.

"Portrait de madame Vallotton "1905, huile sur toile

" Femmes à leur toilette" 1897, huile sur carton

 Quatre torses, 1916,, huile sur toile

"Femme au perroquet", ici double hommage à Manet, la femme Olympia, le perroquet renvoi à la fille de joie qui est dans sa solitude. Huile sur toile

"Le repos" 1911, huile sur toile

"Femme couchée de dos sur un canapé rouge" 1906, huile sur toile

"Le bain turc" 1907, l’artiste est au service de la ligne come on peut le constater dans cette œuvre, il s’intéresse à la chevelure , aux contour des corps. Huile sur toile

Perspectives aplaties :

La plus part des paysages sont très proche de la photo en couleur.

Les paysages de Félix Vallotton s’inspirent de lieux existants au tournant du siècle, ils sont peints à huit clos à l’aide d’esquisses tracées sur place dans un petit carnet et complétées d’un code chiffré pour la couleur.

"La blanchisseuse", 1895, huile sur carton marouflé sur bois

"La dame au caniche", 1895, huile sur carton

"La valse", 1893, huile sur toile.

"Jardin public le soir", 1895, huile sur carton

"Le Luxembourg", 1895, huile sur carton.

"Les ballons ", 1900-1902, huile sur carton

"Scènes de rue", vers 1895, huile sur carton.

"Pécheurs à la ligne", 1901, huile sur toile

"Femme nue assise dans un fauteuil rouge", 1897, huile sur carton marouflé sur contreplaqué

"Scène  de rue à Paris", 1895-97, gouache et huile sur carton

"Clair de lune," 1894, huile sur toile

"Laveuses à Etretat", 1899, huile sur carton

"La mare", 1909, huile sur toile

"Le crépuscule", 1900, détrempe sur carton

"Coucher de soleil, mer haute gris bleu", 1911, huile sur toile

"Derniers rayons" 1911, huile sur toile

"Souvenirs des Andelys", 1916, huile sur toile

"La grève blanche, Vasouy "1913, huile sur toile

"La cathédrale de Petropavlovsk" 1913, huile sur toile

"Honfleur dans la brume", 1911, huile sur toile

 "Mimosa en fleur à Cagnes", 1921, huile sur toile

"Vue cavalière de la cagne", 1921, huile sur toile

"Les Andelys le soir", 1924, huile sur toile

"Des sables au bord de la Loire", 1923, huile sur toile

Refoulement et mensonge :

Proche de Vuillard et de Bonnard au temps des Nabis, l’artiste se lance en 1897-99 dans un ensemble de tableaux et d’estampes. Il montre des intérieurs avec des personnages dans des scènes de la vie intime, il s’attaque à ce thème en donnant au décor un rôle aussi important qu’aux protagonistes. La couleur chaude des murs et du mobilier exprime symboliquement l’intensité des passions et les conflits entre pulsions et interdits, il s’arrête au bord du gouffre suspendant l’action à un moment paroxystique. Espaces clos, portes ouvertes, enfilades de pièces, reflet dans les miroirs dédoublant ainsi l’espace.

"Le haut de forme, intérieur ou la visite" 1887, cette œuvre rend compte d’une visite entre Jasinski et Vallotton, Jasinski   a fait découvrir la technique de la pointe sèche à Félix Vallotton, que l’artiste pratique de 1887 à 1889.  Huile sur toile

"Scène d’intérieur" 1900, huile sur carton

"Le mensonge", 1898, huile sur carton

Cabinet d’art graphique :

La xylographie est une technique de gravure sur bois en relief permettant l’impression d’un motif ou d’un texte dont  tous les caractères sont gravés sur la plaque et non mobile. C’est un procédé de reproductions multiples d’une image sur un support plan, tissu ou papier. L’utilisation d’une tablette de bois gravé comme empreinte, peut être reproduite par estampage.

"Le mensonge (intimité1)", xylographie, 1898

"La belle épingle (intimités III) "xylographie, 1898

"La raison probante (intimités IV)" xylographie, 1898

"Apprêts de visite (Intimités VIII) "xylographie, 1898

"Le triomphe (intimités II)" xylographie, 1898

"L’argent (Intimités V)" xylographie, 1898

"La santé de l’autre (Intimités IX)" xylographie, 1898

"Cinq heures (Intimités VII)" xylographie, 1898

"Le grand moyen (Intimités VI)" xylographie, 1898

"L’irréparable (Intimités X)" xylographie, 1898

"Intimités", épreuves justificative  de la destruction des bois composée de 10 fragments, xylographie datées de 1898

"Cinq heures ou intimité "1898, tempera sur carton

"La chambre rouge "1898, un fauteuil vide au premier plan nous conduit à un homme et une femme entrain de chuchoter, ce décor installe le mystère, tempera sur carton

"La visite", 1899, tempura sur carton

"Intérieur avec femme en rouge de dos" 1903, ici l’artiste nous présente le malaise d’une situation, une porte, une femme de dos,  puis enchainement de pièces qui dévoilent un intérieur bourgeois, avec la solitude de la vie bourgeoise est révélée. Huile sur toile.

" Le diner, effet de lampe", 1899, l'artiste tourne le dos au visiteur. Huile sur carton marouflé sur bois

"Madame Alexandre Bernheim" 1902, huile sur carton, l’artiste est représenté de dos à ce diner familial, cela le plonge dans ses pensées.

"Le poker" 1902, huile sur carton

"Le provincial "1909, huile sur toile

"La chaste Suzanne" 1922, huile sur toile

"La loge de théâtre",  ou le monsieur et la dame" 1909, la mise en page est audacieuse, que se passe t’il entre ces deux êtres,  l’artiste laisse au visiteur d’imaginer, querelle, une première rencontre et quelques mots d’amour, on ne sait pas.

Un regard photographique :

Vallotton inaugure sa pratique de la photo au court de l’été 1894, il vient d’obtenir un Kodak. La photographie participe intimement au processus créatif de l’artiste, il sait exploiter le langage spécifique jusqu’à s’assujettir à un mode de vision particulier, sources de formes picturales nouvelles.

L’artiste va peindre d’après ses photos.

Appareil photographique de Félix Vallotton Kodak numéro 2, Bulls-eye, housse d’origine, modèle 1898.

"Vieille rue de Marseille" 1901, huile sur toile

"La chambre rouge, Etretat "1899, huile sur carton

"Le bain Etretat", 1899, huile sur carton

"Sur la plage" 1899, huile sur carton

'Le ballon' 1899,   cadrages   évocateurs d’éléments hors champ, des effets de lumière inédits apparaissent dans ses œuvres, notamment dans cette œuvre. Huile sur carton marouflé sur bois

"Intérieur, femme en bleu", fouillant dans une armoire 1903, huile sur toile

"Femme fouillant dans un placard" 1901, huile sur toile

"Nu dans la chambre rouge "1897, huile sur carton

"Le sommeil" 1908, huile sur toile

"Portrait décoratif de Zola" 1901, huile sur carton

Quelques photos de Gabrielle Vallotton son épouse.

La violence tragique d’une tache noire :

Le style singulier, les compositions surprenantes, et les contrastes noir et blanc des œuvres gravées de Félix Vallotton n’ont pas leur équivalent dans l’art graphique français.

L’artiste a exécuté plus de 120 xylographies entre 1891 et 1901, quelques exemples à l’exposition :

"Félix Vallotton", 1891

"La mer", 1893

"Le mont blanc", 1892

"Le jungfrau", 1892

"Le coup de vent", 1894

"La manifestation", 1893

"L’assassinat", 1893

"L’exécution", 1894

"La charge", 1893

"L’averse", 1894

"Le Poker", 1896

"Edgard Poe", 1894, 

 "Le suicide", 1894

"La nuit", 1895

"Le bain", 1894

"La paresse", 1896

"Roger et Angélique", 1896

" L’émoi", 1893

"Deux baigneuses assises (les petites baigneuses I)", 1893

"L’entrée dans l’eau, (les petites baigneuses II)", 1893

"Baigneuses étendues sur l’herbe, (les petites baigneuses III)", 1893

"La sortie du bain, (les petites baigneuses IV)", 1893

"Deux fillettes en chemise, (les petites baigneuses V)", 1893

"Fillette enlevant sa chemise  (les petites baigneuses VI)", 1893

"Jeux au soleil, (les petites baigneuses VII)", 1893

"Baigneuses surprises par l’orage, (les petites baigneuses VIII)", 1893

"La baigneuse à l’enfant, (les petites baigneuses IX)", 1893

"La baigneuse  aux cygnes, (les petites baigneuses X)", 1893

"L’alerte", 1895,

"Le cygne", 1892

"L’étranger", 1894

"Le joyeux quartier Latin", 1895

"Le bon marché", 1893

"La modiste", 1894

"La flute (les instruments de musique II)" 1896

"Le piston,  (les instruments de musique VI)" 1897

"Le violon, (les instruments de musique III)" 189 6

"La symphonie", 1897

"Le trottoir roulant, (l’exposition universelle I)" 1900

"La vitrine de Lalique, (l’exposition universelle III)" 1900

"Le feu d’artifice, (l’exposition universelle VI)" 1900

Quelques photos de Félix Vallotton vers 1919

Le double féminin :

L’artiste ponctue son œuvre de tableaux où sont réunies deux femmes dans des mises en scène lourdes de sous-entendus. Profusion de femmes dévêtues dans des postures les plus diverses voir insolites. Le duo de femmes révèle la complexité des pulsions paradoxales de Félix Vallotton. Le traitement est remarquable.

'La malade' 1892,  on peut observer avec quelle minutie sont restituées les  forme et  la transparence des flacons, les couleurs de leur contenu, particulièrement sur la carafe, reflet  en miroir d’une partie invisible de la chambre. Huile sur toile marouflée et parquetée

' Le repos des modèles '1905, huile sur toile

'Femmes nues jouant aux dames' 1897, huile sur carton

'La maitresse et la servante', vers 1896-97, huile sur carton

'Femmes nues aux chats', vers 1897-99, huile sur carton

'La blanche et la noire' 1913, huile sur toile

Erotisme glacé :

Il a peint les nues sous toutes ses formes, l’artiste à une attirance pour la beauté féminine. Il corsette ses corps, leur sensualité est contenue par une ligne de contours incisifs qui enserre les formes.

Certains de ses nus apparaissent figés, dans des poses provocantes, comme cristallisés sous une glaciation subite.

Quelques exemples :

"Femme nue devant une armoire à glace" 1897, détrempe sur carton

"Femme au bain se coiffant" 1897, détrempe sur carton

"Baigneuse de face, fond gris" 1908, huile sur toile

"L’automne "1908, huile sur toile

" Le bain au soir d’été" 1892-93, tous les âges se côtoient, huile sur toile

"Nu couché au tapis rouge", 1909, huile sur toile

"Femme aux mandarines" 1913, huile sur toile

"Femme couchée sur fond violet "1924, huile sur toile

Opulence de la matière :

L’artiste a peint de nombreuses natures mortes dans  sa production tardive.

Un processus d’élaboration identique  a celui des natures mortes, caractérisé par l’Absence de dessin  préalable préside  à la réalisation des figures anonymes, plus ou moins dévêtues, que l’artiste nomme simili-portrait.

Ainsi les œuvres le chapeau violet, Africaine, le retour de mer, la roumaine en robe rouge sont prétexte à des recherches liées à la forme, aux textures à l’ordonnance des masses, aux accords ou aux discordances de couleurs.

"Le chapeau violet" 1907, la   femme a  le menton volontaire, les épaules bien présentes, l’arrondi des seins est suggéré, mais son retard est lointain, il n’y a pas de communication possible.

"Capucines et prunes" 1923, huile sure toile

"La salamandre" 1900, il faut y voir l’envers cachant l’endroit

"Branche de poirier", 1911, huile sur toile

"Dame-jeanne et caisse" 1925, huile sur toile

"Etude de fesses" 1884, huile sur toile

"Africaine" 1910, huile sur toile

"Tulipes et statuette de Maillol", 1913, huile sur toile

"Poivrons rouges" 1915, cette toile se rapproche du Pop Art américain, huile sur toile

"Le jambon" 1918, huile sur toile

"La roumaine en robe rouge" 1925, huile sur toile

"Le retour de la mer "1924, huile sur toile

"Nu à L’écharpe verte", 1914, huile sur toile

Mythologies modernes :

L’artiste invite le spectateur à un 3eme degré de lecture, à un jeu de devinettes consistant à identifier ses sources.

Quelques exemples :

"Penthée", 1904, huile sur toile

"Soir antique" 1904, huile sur toile

"Roger délivrant Angélique" 1907, sorte de bande dessinée constituée de trois registres superposés consacrés à chacun à l’un des protagonistes, huile sur toile

"3 femmes et une petite fille jouant dans l’eau" 1907, huile sur toile

"Femme nue lutinant un Silène"1907, huile sur toile

"L’enlèvement d’Europe" 1908, huile sur toile

"Satyre enlevant une femme au galop", 1910, huile sur toile

"Persée tuant le dragon" 1910, huile sur toile

"Andromède debout et Persée" 1918, huile sur toile

"Andromède" 1918, huile sur toile

C’est la guerre :

L’opposition farouche des hommes à l’avènement du féminisme à conduit de nombreux artistes et écrivains du tournant du siècle à dépeindre la femme sous des traits monstrueux.

"Homme et femme ou le viol", 1913, huile sur toile

"La haine" 1908, huile sur toile

"Orphée dépecée" 1914, huile sur toile

"Autoportrait à la robe de chambre" 1914, huile sur toile

"1914, Paysage de ruines et d’incendies", 1915, huile sur toile

"C’est la guerre" 1915-16, il s’agit d’un portefeuille en carton beige à rabats, montage de toile noire, impressions en noir  et rouge : plat supérieur faisant officie de page de titre avec la lettre en noir, et taches  d’encre rouge.

La nouvelle source s’inspiration trouvée dans la guerre motive Félix Vallotton, au point qu’il se remet à la xylographie en 1915-16. Il grave les six planches de l’album  c’est la guerre, où sont figurés le sort tragique des soldats dans les tranchées.

"La tranchée" (c’est la guerre I) 1915, xylographie

"L’orgie", (c’est la guerre II) 1915, xylographie

"Les fils de fer " (c’est la guerre III) 1915, xylographie

"Dans les ténèbres"  (c’est la guerre IV) 1916, xylographie

"Le guetteur"  (c’est la guerre V) 1916, xylographie

"Les civils", (c’est la guerre VI) 1916, xylographie

"L’homme poignardé" 1916, huile sur toile

"Le cimetière militaire de Chalons "1917, huile sur toile

"Eglise de Souain en silhouette" 1917, huile sur toile

"Eglise des Hurlus en ruine" 1917, huile sur toile

"Verdun, esquisse", 1917,  huile sur toile

"Verdun" 1917, huile sur toile

L’artiste a représenté une guerre moderne

Une grande photo montre Vallotton et Vuillard   en promenade à Montheron (environ de Lausanne) en 1900, cette photo termine l’exposition.

Quelques extraits du catalogue.

Félix Vallotton artiste énigmatique aux perspectives inattendues nous laisse une œuvre importante environ 1700 tableaux et 250 gravures. Magnifique exposition, qui ne laisse pas le visiteur indifférent, car l’œuvre de ce grand peintre est remplie de mystères. A ne pas manquer

Au grand Palais Paris jusqu’au 20 janvier 2014

Au XVIII eme siècle, c’est l’époque du libertinage, il est à l’honneur.

Napoléon est en Belgique à la tête de ses troupes, il est a Waterloo (1815) et la bataille est perdue pour lui, traité d’usurpateur  à Londres, la bourse s’écroule (les Rothschild sont présents).

L’apogée de l’empire britannique 1815-1914 :

26 000 000 de km2, 400 millions de personnes intégrées dans l’Empire.

Cette défaite de Napoléon laisse la Grande-Bretagne sans réels opposants sauf la Russie et l’Asie centrale. Dominant les mers, le royaume adopte un rôle de policier du monde, la politique étrangère connue sous le nom de "splendide isolement". La position commerciale du pays permet de  contrôler ses colonies mais contrôle aussi les économies de certains pays tel que : le Chine, le Siam, l’Argentine.

La puissance impériale britannique est soutenue par les bateaux à vapeur et le télégraphe, deux technologies développées dans la seconde moitié du XIX eme siècle, ce qui permet  à la Grande-Bretagne de contrôler et de défendre son empire.

Fin XVIII eme : L’époque Victorienne britannique marque l’apogée de la révolution industrielle  britannique et de l’empire britannique.

Deux événements essentiels :

L’Industrie  et  l’économie, développement du  chemin de fer, la première ligne moderne est créée en 1830 par Robert Stephenson, elle relie Manchester à Liverpool. Il faut de   plus en plus d’acier avec le développement industriel : rails de chemin de fer, éléments de machines à vapeur, pièces de machines textiles, coques de bateaux et bien d’autres, c’est Henry Bessemer qui trouve la solution, avec son convertisseur breveté en 1856.

L’ère industrielle occasionne l’irruption d’un nouveau mode de vie,  de  rapports sociaux, les gens des campagnes ont émigrés vers les villes. En Angleterre, Marx prend conscience  de ce qui se passe, il a la notion du prolétariat. Grâce à l’économie, les enjeux sont extraordinaires, la bourse de Londres monte en flèche.

La reine Victoria règne de 1837 à 1901.

Victoria  petite fille de George III, elle succède en 1837, à son oncle George IV. Victoria âgée de 18 ans, découvre un héritage difficile. La société est bouleversée par la révolution industrielle, le chemin de fer en est à sa seconde phase, la métallurgie grossit les villes d’une foule plutôt misérable. Cela provoque l’émergence de deux nations : la bourgeoisie et le prolétariat. Pendant cette période l’Angleterre va voir de nombreux mouvements de contestations sociales. Le chartiste (développement d’un mouvement ouvrier qui se développa au Royaume-Uni)  de 1838 à 1848 ce qui va mobiliser des millions de personnes dans une tentative de gagner le suffrage universel. De grandes grèves tel que celles des dockers, des travailleurs du gaz, de femmes travaillant dans des fabriques  vont défrayer la chronique. Divers mouvements pour le droit des femmes vont apparaître, pour le droit de vote, le droit pour la femme mariée d’avoir de la propriété  à son nom, et pour la classe moyenne : que la femme ait droit à l’éducation. Jusque là, la femme doit rester au foyer, pour s’occuper de ses enfants, le modèle : la reine.

 La mode à son importance, la femme doit cacher son corps, le corset est en vogue. Pour s’évader elles rêvent de sensibilité des artistes, des poètes.

 Les événements vont aller très vite Edmond Berg à mis en évidence une chose fondamentale, il met le sublime (entre terreur et fascination) la nature avec le Vésuve, les grands glaciers, la tempête, la mer. Un feu littéraire apparaît, le poète  Ossian  écrit une série de poèmes (ils sont écrits en gaélique)  lecture favorite de Napoléon, sans ces poèmes Wagner n’aurait sous doute pas écrit la Tétralogie, Walter Scott s’en est inspiré et bien d’autres………toute l’Europe est fascinée, les conséquences : une épopée de poèmes et c’est la mode de la mythologie dans  toute l’Europe. 

 A partir de la révolution française,  la seconde révolution du XIX eme siècle en France, se déroule à Paris, le 22 février 1848, elle va mettre fin à la monarchie de juillet quelques jours plus tard. Elle va conduire les jeunes hommes, en 1848, à organiser des révolutions dans toute l’Europe.

Hongrie avec le réveil nationaliste, Autriche, Italie c’est le Risorgimento. C’est la volonté de mettre une unité en évidence.

Politique, diplomatie, économie à Londres en 1848. La même année naissance d’un mouvement artistique en Angleterre.

Le préraphaélisme    : 

Les artistes sont inspirés par les maitres italiens du XVeme siècle. Un texte apparaît et William Holman Hunt rend hommage à Raphael, mais il a une autre influence. Ruskin écrit suite aux poèmes d’Ossian et met l’art gothique à la mode. Il va écrire des textes : Raphael est le peintre des peintres. Ruskin évoque la transfiguration de Raphael, il conseille Bellini, Parmigiano (artistes  du début de la Renaissance, donc avant Raphael).

Mais l’histoire des préraphaélites débute par la rencontre de William Holman Hunt et John Everett Millais à la Royal  Academy. Pour eux l’art anglais est sclérosé par le conformisme académique. Leur souhait est de retrouver les tonalités claires, vives et chantantes des maitres anciens. Dante Gabriel Rossetti se joint au groupe et le soir à la Royal Academy, ils passent leurs soirées à contempler un  recueil  de gravure des fresques du Campo Santo de Pise.

 Ils veulent rendre à l’art un but fonctionnel et édifiant : leurs œuvres doivent avoir  pour fonction d’être morales. Mais ils ont le désir d’esthétique. Le but de ces artistes est de s’adresser à toutes les facultés de l’homme : son esprit, son intelligence, sa mémoire, sa conscience, son cœur, et ne pas s’arrêter à ce que l’on voit.

Leurs sujets de prédilection : les thèmes bibliques, le Moyen âge, la littérature et la poésie.

1848, Le groupe se met en place :

James Collinson (1825-1881) peintre

Hunt (1827-1910) peintre

John Everett Millais (1829-1896) peintre

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) peintre et poète

William Michael Rossetti (1829-1919), écrivain

Frederic George Stephens (1828-1907), écrivain

Thomas Woolner (1825-1892) sculpteur et poète.

Arthur Hugues, peintre et illustrateur

Charles Collins (1828-1873)

Walter Deverell (1827-1854)

Edward Burne-Jones (1833-1898)

Williams Morris (1824-1896).

Oscar Wilde écrivain

Artistes proches : Ruskin et Ford Madox Brown

Artistes associés : Alma-Tadema, Frederic Lord Leighton, John William Waterhouse, Siméon Salomon, John William Godward et beaucoup d’autres……..

On y découvre une morale chrétienne des les 1ere expositions en 1849. Mépris pour le créateur Reynolds, Hunt est très critique à son sujet, le traitant même de barbouilleur.

Rossetti dédaigne Rubens, donc on écarte.

Il faut représenter la nature. Il y a un mouvement de révolte.

(En 1874, les impressionnistes ont eu les mêmes types de révolte avec David  (génération précédente).

Il faut travailler d’après le modèle, la volonté  (par la grâce du modèle on augmente son identité picturale).

Le dessin va devoir être précis et méticuleux, les détails doivent être représentés. La morale doit être à l’ordre du jour, l’Ancien Testament est l’essentiel de l’iconographie.

Walter Scott écrit Ivanhoé, c’est de la littérature médiévale, elle gagne l’Europe, Goethe va retrouver l’histoire de Faust, Delacroix illustre le Faust de Goethe, Victor Hugo ne sera pas indifférent au Moyen-Age avec Notre-Dame de Paris. C’est la volonté de remettre le Moyen-Age au grand jour.

La notion de nation va être valorisée, c’est national on reprend sa personnalité, le théâtre, œuvres,  tout cela est repris par les peintres (la période classique de Shakespeare est dédaignée). La nouvelle poésie de Keats. Les artistes vont prendre leur source dans tout cela.

Les Préraphaélistes sont respectés et la population est enthousiasme dès la première exposition c’est le renouveau de la peinture britannique. Cela va être de courte durée. Mais les artistes vont être consacrés grâce à la France, invités à l’exposition universelle de 1855. Napoléon III fait construire le Palais de l’Industrie pour l’occasion chaque état y présente ses œuvres, en quittant les salles deux hommages pour la France : Ingres et Delacroix , ensuite on découvre les préraphaélites. 

A cette époque, Paris est la capitale de l’art  ce n’est plus Rome, les artistes vont être bien accueillis, ils vont développer leur art avec le portrait, cependant ils vont subir le développement de la photographie, cela va leur nuire.

1857, le groupe se dispersent  définitivement.

L'exposition :

Désir d’Antique :

Fascination de l’élite pour les vestiges retrouvés lors des chantiers de fouilles archéologiques lancées à cette époque, la société victorienne se presse aux expositions, dans les musées. Le public admire les témoignages de ces grandes civilisations classiques, mais aussi les reproductions en forme d’hommage qu’en font les artistes peintres, ils s’inspirent des rives du Nil, de la Grèce, de Rome.

Lawrence Alma-Tadema(1836-1912), l’artiste intègre l’Académie d’Anvers en 1852, il devient l’élève de Gustave Wappers puis de Nicaise de Keyser, tous les deux proche du mouvement romantique, de Keyser encourage ses élèves à peindre des sujets historique. 1856, il quitte l’Académie et devient l’assistant du peintre Hendryk Leys et s’installe chez l’archéologue Louis de Taye, au contact duquel il s’intéresse à l’archéologie. 1862, il va à l’exposition universelle de Londres il est très impressionné par les collections égyptiennes, la frise du Parthénon va influencer son œuvre. Une nouvelle phase de fouilles débute en 1860 à Pompéi. En 1863, Alma-Tadema y va en voyage de noces et découvre le site, ce fut une révélation,  qui influencera ses représentations de sujets antiques. La justesse historique de ses reconstitutions, son sens de la scénographie, son goût pour les détails décoratifs, font que l’artiste rencontre un vif succès auprès de l’élite victorienne. Il a une technique remarquable, ses compositions sont claires. Quelques exemples  :

"Le retour du marché" daté de 1865

"Une exèdre" , aquarelle de 1871

"Le vin grec" 1873

"Agrippine rendant visite aux cendres de Germanicus" 1866

Une esquisse pour "les roses d’Héliogabale " et le tableau daté de 1888, sous le faste apparent d’un banquet antique Alma-Tadema choisit pour thème un épisode tragique de l’histoire romaine.  Selon le récit de l’histoire, Auguste le jeune Héliogabale, empereur de 218 à 222, utilisa le toit réversible d’une salle de parquet pour faire tomber en abondance des violettes et autres fleurs sur ses courtisans de telle manière que certains d’entres-eux incapables d’émerger à la surface, moururent étouffés. L’artiste révèle la cruauté perverse du jeune empereur dans le décor somptueux d’un palais romain. Héliogabale attablé dans la partie haute du tableau, porte une robe de soie dorée et sa tiare de grand prêtre du dieu soleil, il regarde sans émotion la scène funeste qui se déroule en contrebas. L’artiste restitue la scène avec précision mais remplace les violettes par des roses, fleurs plus éclatantes et à la symbolique plus authentique.

"Ses yeux reflètent ses pensées qui sont bien lointaines "1897

"La question" 1877

"Paradis terrestre" 1891

Edwin.Long (1829-1891), de la Royal  Academy of Arts, portraitiste, de genre biblique puis orientaliste.

"La reine Esther " 1878, reconstitution d’un palais oriental. A cette époque on parle beaucoup des fouilles et des voyages en orient.

Frédéric Goodall, (1822-1904), fils de graveur, l’artiste à fait ses études à l’Académie de la rue Wellington à Londres. Il a voyagé en Egypte plusieurs fois. Toute sa carrière est dominée par des scènes de la vie égyptienne, avec des références bibliques ou historiques. L’artiste s’intéresse également à la faune et a la flore du Nil.

présenté :

 "Moise sauvé des eaux" 1885

Beautés classiques :

Après la source des modèles antiques, la beauté féminine. Frédéric Leighton et Moore se démarquent par la force et la beauté de leurs compositions.

Fréderic Lord Leighton(1830-1896), peintre et sculpteur de l’époque victorienne. En 1878, il a été élu  président de la Royal  Academy. Ses peintures convenaient  à l’esprit  nostalgique de l’époque victorienne, elles reflètent sa quête de l’âge d’or remontant aux périodes de la Grèce et Rome  antiques. Son œuvre est entièrement tournée vers la recherche de la beauté formelle.

" Jeunes filles grecques ramassant des galets au bord de la mer "1871, dans cette œuvre l’artiste idéalise le passé glorieux en vogue.

"L’ile de Rhodes vue d’une baie" 1867

"Antigone" 1882

" Jeunes filles grecques jouant à la balle" 1889

Albert J. Moore(1841-1893), il est connu par la représentation de figures féminines langoureuses, sa peinture purement décorative, inspirée de l’esthétique antique.

" Le quatuor " hommage de l’artiste à l’art de la musique 1868

"Coquillages", 1875

Muses et modèles :

Malgré la Grande influence  sur le gout des artistes, pour les thématiques antiques, ils sont aussi inspirés par les visages des femmes, muses ou bien modèles, qui ont vécus dans leur entourage.

Edward Burne-Jones (1833-1898), l’artiste en 1853 va étudier à Oxford. Il effectue plusieurs voyages en Italie. En 1858il développe son   style, mêlant des éléments empruntés au  préraphaélisme de Rossetti au classicisme et aux primitifs italiens.

Inspiré par la beauté et la littérature il cultive un gout pour les femmes aux visages très découpés et à la silhouette élancée.

Présentés à l’exposition :

"Pygmalion les désirs du cœur " 1871

" Portrait de Bessie Keene ", étude pour Vespertina Quies   , 1893, cette œuvre a été comparée à Mona Lisa pour la similitude de la composition et pour l’expression énigmatique de la femme.

"Fatima" 1862, jeune femme en pied, toile étroite que la femme remplie. La palette dans les tons orangés. L’artiste s’est inspiré de la dernière épouse de Barbe-Bleu, elle est curieuse et avide de richesses.

Siméon Salomon (1840-1905) artiste peintre préraphaéliste. Il rencontre Gabriel Dante Rossetti à l’académie d’art. Ses tableaux s’inspirent de l’ancien testament ou de la littérature.

"Le sommeil" 1892

Emma sandys , (1843-1877), son père lui  enseigne la peinture. Elle réalise des portraits à la peinture et à la craie  de l’époque, en s’inspirant de l’époque  médiévale.

" Rêverie " 1874

Femmes fatales :

Muses à la mode par Burne-Jones et Rossetti en 1860, elle est séduisante mais cruelle, enchanteresse, sorcière, thème récurrent dans la littérature anglaise depuis les légendes médiévales Shakespeare, les poètes Tennyson, Swinburne, Meredith.

 John William Waterhouse,  (1849-1917) peintre néoclassique et préraphaéliste, célèbre pour ses tableaux de femmes inspirés de la mythologie et de la littérature.

" Le filtre d’amour"

"La boule de Cristal " 1902

Héroïnes amoureuses :

Le moyen âge est très en vogue dans la littérature anglaise du XIX eme siècle, que ce soit par les romains de Walter Scott, que dans la poésie lyrique de Tennyson. Dans les années 185, les préraphaélistes font de la littérature  leur  principale source d’inspiration.

Les arts de l’époque victorienne : architecture, littérature, musique de 1842 à 1912

1842 : parution de   Lancelot et Guenièvre de Tennyson

1850 : parution de David Copperfield de Charles Dickens

1859 : Publication de l’origine des espèces de Darwin

1882 : Tristan et Iseult de Wagner

1894 : parution du livre de la jungle de Kipling

1895 Oscar Wilde parution de l’important d’être constant.

Henry A Payne (1868-1940), aquarelliste et peintre fresquiste, créateur de  vitraux.

"La mer enchantée "1899, l’inspiration de l’artiste provient d’une source   littéraire « The shaving of Shagpat », conte de George Meredith

John Everett de Millais (1829-1896), peintre et illustrateur. Il est l’un des fondateurs du préraphaélisme en 1948. Il prend pour sujet  un poème de George Meredith, qui s’inspire de l’amour courtois pour :

" La couronne de l’amour " 1875

Arthur Hugues (1831-1915), peintre et illustrateur. L’artiste reste fidèle  aux sujets de la première génération préraphaélistes,   les légendes arthuriennes

"The mariage of  Geraint" 1863 ou (Enid et Geraint), il raconte l’histoire d’un chevalier de la cour d’Arthur ayant épousé la fille d’un chevalier ruiné. Poème de Tennyson

Talbot Hughues (1869-1942), ses sujets picturaux allaient de l’allégorique, figuratif, historique pour le théâtre, préoccupé par le raffinement de son sujet.

"Le sentier de l’amour n’a jamais été facile" 1896, œuvre délicate dans le traitement nuancé des couleurs et l’aspect mélancolique de la jeune femme. Cette œuvre est inspirée du songe d’une nuit d’été, Shakespeare.

John Melhuish Strudwick (1849-1937),  a été assistant de Burne-Jones, les deux hommes partagent le goût pour les figures littéraires ou allégoriques et les compositions raffinées et poétiques.

"Chanson sans parole" 1875, l’artiste s’inspire de la musique contemporaine et de la peinture anglaise du XVI eme siècle

"Elaine " 1891, inspiration d’un poème de Tennyson.

L’harmonie rêvée :

Strudwick  adopte une technique caractérisé par un style linéaire, qui rappelle la première renaissance florentine, avec une certaine mélancolie. Attention méticuleuse aux détails, rendus des somptueuses draperies, accessoires raffinés.

 Quelques exemples :

"Le temps jadis" 1907

"Les remparts de la maison de Dieu" 1889

"L’âge d’or"

"Sortie de l’église au XV eme siècle" 1864, d’Alma-Tadema

La volupté du nu :

Considérée jusque là comme une typologie mineure pratiquée par les peintres spécialisés, la peinture du nu attire dans la seconde partie du XIX eme siècle les plus grands artistes anglais tel que Rossetti, Poynter, leighton, Godward.

J. william Godward (1861-1922), peintre néo-classique victorien, protégé d’Alma-Tadema. Il privilégie des scènes intimes, où le corps se révèle dans toute sa sensualité. Ses œuvres se distinguent par la précision et la netteté classique du dessin ,et par le travail de la matière et des couleurs vives.

"La baignade" 1890    

"Pyrrha après son bain" 1903

"Au tepidarium" 1913

Edward Poynter (1836-1919), fils d’architecte, il fait ses études au Brighton Collège puis à Londres et à Rome ; il est célèbre pour ses grands tableaux historiques.

"Andromède" 1869, l’artiste s’est inspiré de plusieurs sources d’inspirations utilisées par d’autres peintres pour tenter d’imposer le nu à une société très puritaine. L’artiste reprend   le mythe d’Andromède des métamorphoses d’Ovide.

"Crenaia , la nymphe de la rivière Dargle" , (1880) de Fréderic, Lord Leighton, l’artiste reprend l’idée du nu féminin placé sur un fond de paysage (comme dans la source de Ingres),la jeune femme rousse au corps souple et sensuel, drapée dans de longs plis transparents qui rappellent le mouvement de l’eau de la cascade située derrière elle.

"Le chant du printemps" 1913, de Waterhouse

Gabriel Dante Rossetti,(1828-1882) , fils d’un poète italien émigré en Angleterre, l’artiste nait à Londres. Très tôt il est inspiré par la littérature et l’art médiéval italien. Il devient l’élève de Ford Madox Brown peintre.  IL rencontre également William Holman Hunt qui vient de peindre « la vieille de sainte Agnès » illustrant un poème de John Keats. Rossetti est l’auteur d’un poème « la demoiselle élue «  dans le style de Keats et  mis en musique par Debussy. Avec Hunt il développe les principes de la confrérie préraphaéliste, qu’ils fondent avec d’autres artistes en 1848.

" Vénus Verticordia ", 1867,   allégorie de l’amour séducteur, comme le montrent  la pomme, la flèche, tonalités rousses qui met en valeur le pastel. Inspiration de la Renaissance italienne.

Le culte de la beauté :

Le gout de l’élite victorienne conjugue deux grandes constantes : l’exaltation de la beauté féminine et la recherche du beau dans la vie quotidienne. Chaque femme se doit d’être une maitresse de maison accomplie. L’idéal de la beau ne peut évoluer que dans un univers dédié à la beauté : beaux vêtements, bijoux, raffinement du lieu de vie, traduire et sublimer ses grâce et vertus.

William Clarke Wontner(1857-1930), portraitiste, son style est académique et classique. Il fut dirigé par Alma Tadema. Il pare les beautés anglaises à la peau laiteuse d’atours sensuels (inspiration de l’Orient), dans des décors somptueux.

" La joueuse de saz "   1903

"Valéria "vers 1916

"Le nuage passe " d’Arthur Hughes

John William Godward  se s œuvres se distinguent par la précision et netteté classique du dessin, le travail de la matière et les couleurs vives.

" Beauté classique "1908

"L’absence fait grandir l’amour" 1912

Pérugini : (1839-1929)  peintre anglais d’origine italienne de l’époque victorienne. Il a travaillé comme assistant chez Leighton sous son influence il a commencé à peindre des scènes classiques. Il a épousé l’une des filles de Charles Dickens.

  L’artiste réinvente des intérieurs, mêlant détails  antiques et contemporains.

" Le toucher  de la main disparue" 1896

 D’Alma-Tadema :

"Confidence importune "1895,

"Un message de l’amour " 1909

" Courtiser sans espoir " 1900

 Quelques extraits du petit journal de l'exposition.

Très belle exposition qui nous transporte  dans l’époque victorienne, la collection de Juan Antonio  Pérez Simon propose au visiteur un bel éventail du mouvement préraphaéliste, rendant hommage à la beauté féminine à  la   culture classique et à la   littérature.

A ne pas manquer musée Jacquemart André  Paris jusqu’au 20 Janvier 2014

Paul Poiret et son époque : 

 En 1860, seconde moitié du XIX eme siècle, le succès de la maison   Worth  s’inscrit dans la trajectoire du second Empire avec Napoléon III. Paris redevient une capitale impériale, dont l’empereur veut en faire une vitrine pour l’Europe. La demande des articles de luxe est importante, y compris pour les  vêtements, la mode atteint des niveaux plus vus depuis la révolution. Lorsque l’empereur épouse Eugénie de Montijo, les goûts de la nouvelle impératrice donnent le ton de la cour. Worth est le couturier favori, très en vogue, il habille le tout Paris.

1872, Sarah Bernhardt, triomphe dans Ruy-Blas

Deux ans  plus tard Les impressionnistes exposent.

1879, naissance de Paul Poiret à Paris. Futur grand couturier, qui sera considéré comme le précurseur du style Art déco.

1880, Jacques Doucet couturier, monte en puissance.

1886, les impressionnistes exposent à nouveau.

1888, c’est l’année de la création du mouvement Nabis. Erik Satie compose ses "Trois Gymnopédies" pour piano.

1889, c’est la construction de la Tour Eiffel et  une exposition universelle à Paris. Guerlain lance  son parfum "Jicky".

1890, l’Art nouveau créé une rupture dans l’architecture et les arts décoratifs.   

1891, ouverture de la maison de couture Jeanne Paquin (1869-1936), l’une des premières à avoir acquis une renommée internationale.

1893, l’actrice Réjane triomphe dans Madame Sans-gêne.

1898, c’est l’entrée de Paul Poiret dessinateur remarqué, rue de la Paix à Paris, dans l’équipe de l’une des premières maisons de haute-couture, il s’agit  de celle de Jacques Doucet (1853-1929). Jacques Doucet est le couturier célèbre durant la Belle Epoque. Il a une riche clientèle d’actrices et de femmes du monde dont Réjane (1844-1923) et la Belle Otéro (1868-1965).

La vie parisienne bat son plein en ce début de siècle : spectacles, fêtes, expositions universelles. De nouveaux courants artistiques voient le jour, les expositions, les  salons sont nombreux. Ravel, Satie sont à l’honneur, les ballets russes enflamment Paris et apportent  un coté exotique.

C’est une révolution dans tous les arts : la peinture, la musique, la mode, la danse, la littérature…………..

1900, exposition universelle et internationale à Paris. Paul Poiret créé le costume de l’Aiglon joué par Sarah Bernhardt, le parfumeur Félix Millot lance "Kantirix ", le design est d’Hector Guimard.

1901, Paul Poiret rentre chez Worth , il partira en 1903.

1902, création de la Ruche à Montparnasse, lieu de rencontre des artistes de la modernité.

1903, Le couturier créé sa maison de couture, 5 rue Auber à Paris. Il habille la comédienne Réjane, ce qui lui permet d’être lancé.

1904, Coty (1874-1934) créé son parfum  " La rose Jacqueminot ".

1905, les artistes fauves font scandale au Salon (Derain, Matisse, Vlaminck). Paul Poiret épouse Denise Boulet, elle devient sa muse.

1906, Le couturier change de lieu, il s’installe rue Pasquier. La même année, révolution pour la femme, liberté du mouvement,  Poiret abandonne le corset, en créant des robes à tailles hautes. Il est le premier avec Madeleine Vionnet. 1906, c’est aussi la  naissance de sa première fille Rosine.

1907, Coty lance "l’Effleurt ", Picasso peint   " Les demoiselles d’Avignon ".

1908 Paul Iribe illustre l’album "les robes de Paul Poiret, raconté par Paul Iribe " première collaboration avec le couturier. Le caractère novateur de l’ouvrage lui apporte un grand succès. Maurice Ravel compose sa "Rapsodie espagnole".

1909-1910, arrivée des ballets russes à Paris, compagnie dirigée par Diaghilev, et son célèbre danseur Nijinski accompagné du décorateur Léon Bakst. Les ballets triomphent à Paris. C’est la mode de l’Orientalisme, Paul Poiret suit la tendance, il achète ses tissus à Vienne chez  Wiener Werkstätte, ( atelier qui employait des architectes, des designers des artistes dont le but était de mettre l’esthétique à  la portée de chacun, en conciliant les arts majeurs et l’artisanat).

Le couturier s’installe avenue d’Antin il y acquiert un hôtel particulier du XVIII eme siècle, il le transforme, le décore. Les salons donnent sur un magnifique jardin, ses appartements du 107, rue du Faubourg saint-honoré communiquent avec sa maison de couture.

1910, premières œuvres abstraites de Kandinsky et de Malevitch. Paul Poiret et Raoul Dufy ouvrent la petite usine, atelier d’impression textile. A cette époque c’est le retour dans la géométrie dans l’architecture et les arts décoratifs avec le mouvement art déco naissant.  

Gabrielle Chanel ouvre sa boutique.

1911, Création des  "Parfums de  Rosine"  et des "Ateliers de Martine"  ( lieu dédié à la décoration), noms des deux filles du couturier. Georges Lepape (dessinateur de mode, affichiste, graveur et illustrateur français) collabore à un superbe album appelé "les choses de Paul Poiret " pour présenter ses robes. Le couturier convie le tout Paris à sa grande fête "Les mille et deuxième nuit".

1912, grande tournée en Europe pour Poiret : Bruxelles, Berlin, Moscou, Saint-Pétersbourg, Vienne.

Guerlain lance un nouveau parfum " l’heure bleue ", Madeleine Vionnet lance sa maison de couture. Isadora Duncan , danseuse américaine aux tenues néogrecques, participe "Aux festres de Bacchus " organisées par le couturier.

1913, tournée triomphale pour Paul Poiret. Le sacre du printemps de Stravinski fait scandale.

1914, c’est le début de la première guerre mondiale.

1916, Première présentation publique des "Demoiselles d’Avignon" de Picasso dans les salons de Paul Poiret.

1917, Erik Satie et Picasso s’allient autour d’un texte de Jean Cocteau afin de créer le ballet "Parade", surréaliste dira Guillaume Apollinaire.

1918, l’armistice étant signé. Leonetto Cappiello (1875-1942, peintre, illustrateur, caricaturiste et affichiste. Installé à Paris, il collabore à de nombreux journaux tels que "Le rire", "L’assiette au beurre" et "Le cri de Paris". L’année suivante en 1899, il obtient un énorme succès en publiant " Nos actrices portrais synthétiques ", sa carrière d’affichiste débute en 1900 jusqu’à 1930). Dès 1918, il modernise l’affiche promotionnelle avec l’appui de l’éditeur Devambez.

1919, Nouvelles collections de haute couture, la guerre a bouleversée le statut et les goûts de la femme moderne. Paul Poiret créé dans son jardin " l’Oasis", un dôme gonflable afin d’organiser des fêtes surprenantes et très onéreuses.

1921, création du parfum,  Numéro 5  de Chanel 

1923, Premières difficultés financières pour Poiret.

1924, Manifeste du Surréalisme par André Breton.

La maison Poiret déménage au Rond-point des Champs Elysées.

1925, Exposition des arts décoratifs et industriels à Paris. Le décorateur André Groult (1884-1967) propose du mobilier garni de galuchat. Son épouse Nicole  (1887-1967)  dessinatrice de mode, amie de l’artiste peintre Marie Laurencin (1883-1956), est la sœur de Paul Poiret.

Paul Poiret et les arts décoratifs. Présentation de l’ensemble de ses activités sur trois péniches amarrées sur la Seine près du pont Alexandre III : Amours, Délices, Orgues, probablement en hommage à son ami Matisse et a son tableau "Luxe, calme et volupté". Sur l’une il expose sa collection, sur l’autre un restaurant et la troisième réservée aux parfums  et objets décoratifs. Mais Poiret est contraint de vendre aux  enchères sa collection de tableaux, (45 œuvres contemporaines).

 Guerlain créé Shalimar. 

1926, Poiret joue dans une pièce de théâtre de Colette dont elle est aussi  l’interprète " La vagabonde ".

1927 Elsa Schiaparelli (1890-1973, créatrice de mode, d’origine italienne  aristocrate,  fille de l’égyptologue Ernesto  Schiaparelli. Elle est l’épouse du comte Wilhelm de Wendt  de Kerlor, théosophe rencontré à Londres en 1912, ils eurent une fille (elle est la grand-mère de l’actrice Marisa Berenson) En 1927 elle ouvre son premier magasin pour le sport. Elle collabore avec des artistes surréalistes tels que Dali, Giacometti , Cocteau, Jean-Michel Franck. Jeanne Lanvin amie de Poiret lance son parfum Arpège.

1928, Paul Poiret  fait éditer "Pan", annuaire de luxe à Paris, illustré de 116 planches des plus grands artistes de l’époque. Le couturier s’éloigne, Chanel arrive, des textes de Cocteau……..

1929, Crack boursier de Wall Street à New York ..…. La crise économique s’installe en Europe et engloutit l’ensemble des activités de Pau Poiret, la société ferme. Patou lance son parfum "Joy".

1930, après de nombreuses tentatives de retour en haute couture, Poiret se lance dans l’écriture, la peinture et au théâtre et cela jusqu’en 1944. Le couturier s’est retiré à Cannes ou il décède seul et ruiné.

L’exposition :

En habillant l’époque :

« Je suis Parisien du cœur de Paris » dira Paul Poiret  dans son livre "En habillant l’époque" (1930).

 Le couturier s’est impliqué dans l’innovation et l’étendue des possibilités  qu’offrent les arts appliqués. L’homme est doté d’une curiosité, d’une inventivité et d’une audace illimitée. Il règne sur la mode, donc sur Paris.

Quelques  photos  pour présenter le couturier aux visiteurs, l’homme est très élégant.

Les photos sont de Boris Lipnitzki , (photographe russe, son talent lui vaut une renommée dans le monde des arts et du spectacle)

Paul Poiret, manteau, chapeau, photographie datée de 1922, tirage au gélatino-bromure d’argent.

Une autre présente l’hôtel de la couture, rue d’Antin à Paris en 1923 par Boris Lipnitzki (photographe russe, son talent lui vaut une renommée dans le monde des arts et du spectacle)  tirage au gélatino-bromure d’argent.

Présentation de la famille du Couturier et ses trois enfants, sa sœur Nicole Groult et ses deux filles, 1930, tirage au gélatino-bromure d’argent.

Une autre présente Paul Poiret sur la péniche "Amour " il est a une exposition des ateliers de Martine .

Une photo de Boris Lipnitzki datée de 1925, il s’agit d’un modèle à l'essayage. Tirage au gélatino-bromure d’argent.

Une photo de Boris Lipnitzki montre Denise Poiret épouse du couturier 1925 à Paris,

Quelques études de robes par Raoul Dufy, datées de 1916-1919, gouache sur papier.

Planche " la parisienne "datée de 1913, Paris, sur papier, par Bernard Boutet de Monvel (1881-1949, peintre, sculpteur, graveur, illustrateur de mode et décorateur)

 Photos de Modèles de Paul Poiret par les Frères Seeberger 1920 et 1921, Paris.

Un extrait de "La gazette du bon ton ", mirage robe du soir 1920

Une toile du peintre  Paul Guillaume, le portrait de Poiret

Autoportrait de Paul Poiret 1ere moitié du XX eme siècle.

La révolution Poiret :

Paul Poiret rompt avec les vêtements corsetés de la belle époque qui contraignent la femme. Immergé dans la modernité de la belle époque,  il exprime avec gourmandise une inventivité débordante dans tous les domaines. A partir de 1906, il révolutionne la mode avec des robes de couleurs vives, à taille haute remontée sous la poitrine, libérant le corps du corset, donc le mouvement. Ses fourreaux, très étroits du bas, obligent les femmes à marcher à petits pas, ce qui leur donne une autre allure, la sienne. Le succès des ballets russes étant, Paul Poiret habille la femme en sultane, portant turban à aigrette, manteau de soierie et jupe-culotte bouffante. En 1911, ses tuniques en forme d’abat-jour font fureur, tel le modèle "sorbet" envié par le tout Paris lors de ses  fêtes. Poiret se met en scène et s’amuse, pour le plaisir des créateurs qui jouent des matières et des couleurs les plus époustouflantes.

 Quelques modèles:

Modèle de Paul Poiret présenté par Renée, photo de Boris Lipnitzki en 1927, Paris

Une  robe d’été Kazan blanche, le bas de la robe est en dentelle, une ceinture noire coupe la taille, elle est datée de 1912,

Un chemisier imprimé.

Un ensemble, manteau, robe, coiffe et collier Paul Poiret. L’ensemble et violet et noir daté de 1^er quart XX eme siècle paris. Soie, velours, coton, fourrure, métal et pierre.

Une  robe en soie et broderies noire

 Une robe , coiffe et collier, premier quart du XX eme siècle, Paris en mousseline, soir, broderies, strass et perle.

Georges Lepape (1887-1971), dessinateur de mode, affichiste, graveur et illustrateur. En 1910, il expose au Salon d’Automne et rencontre Paul Poiret. En 1911, il illustre pour lui "les choses de Paul Poiret " considéré comme son chef d’œuvre, il participe dès les premières éditions à « la gazette du  bon ton » à laquelle il contribue de splendides planches coloriées au pochoir. Ensuite il collabore à toutes les revues de mode tel que Fémina, Vogue, les feuillets d’art. Influencé par l’orientalisme, les ballets russes et les miniatures persanes. Il est précurseur de la ligne claire (langage graphique). 1917, il fabrique des marionnettes suivant des modèles de Poiret. 1920, il participe à l’exposition ‘la mode du XX eme siècle vue par les peintres’ au musée des Arts Décoratifs à Paris.  Comme de nombreux artistes dans cette période novatrice, il exerce son activité avec élégance dans des domaines variés : affiches, programmes de spectacle, tissus, éventail, catalogues de mode. 1923, il réalise des décors pour «  l’oiseau bleu », pièce de théâtre de Maeterlinc,k et des costumes de théâtre. 1926, il part aux USA pour travailler chez Vogue USA, il y reste 6 mois en revient en France.  Après la guerre il illustre plusieurs de Guitry, Musset, Géraldy.

Présentation d’un catalogue  "les choses vues " par Georges  Lepape daté 1911 au pochoir.

Paul Iribe (1883-1935), illustrateur de mode, affichiste, journaliste et décorateur. Considéré comme l’un des précurseurs de l’art déco. Il étudie aux beaux-arts à Paris ; il collabore en tant que caricaturiste pour les journaux « le rire » et « l’assiette au beurre ». 1908, à la demande de Paul Poiret, il dessine «  les robes de Paul Poiret racontées par Paul Iribe ». cet album est d’un style très nouveau et  devient le modèle des catalogues de mode. 1914, il publie « le mot » avec Jean Cocteau (revue patriotique comportant 20 numéros). Il part à Hollywood et collabore avec Cecil B Demille et collabore à 16 films et en réalise plusieurs. Depuis 1913, Paul Iribe travaille en tant que créateur de meuble chez Poiret, Jeanne Lanvin et Coco Chanel et Jacques Doucet, ce dernier lui confie la décoration de son appartement, ses meubles les plus précieux s’inspirent du XVIII eme siècle. Il s’intéresse aux arts décoratifs, bijoux, mobilier, tissus, éventails, livres d’enfants, cartes postales. Il créé un motif qui restera le symbole de l’art déco, il s’agit d’une rose stylisée "la rose Paul Iribe "

Présentation d’un catalogue "Les robes de Poiret racontées par Paul  Iribe "  en 1908 au pochoir.

"Les parfums de Rosine " :

Paul Poiret fonde sa maison de parfumerie en 1911, elle se situe au 107, rue du Faubourg Saint-honoré, qu’il nomme les "Parfums de Rosine" le nom d’une de ses filles.

Il devient le premier couturier parfumeur. Il à de grandes ambitions artistiques, il cherche de nouvelles sources, il s’adjoint les services des meilleurs artistes. Ses inspirations reposent sur trois thèmes ancrés dans la contemporanéité :

 L’orientalisme, l’histoire et le patriotisme,  les arts, la littérature, le théâtre.

 Il affirme que la présentation du parfum repose sur cinq éléments indissociables ; le nom, le flacon, l’étiquette, la boite et ornements additionnels.

Paul Poiret a travaillé avec deux parfumeurs : Maurice Schaller (1888-1965) et Henri Alméras (1892-1965)

Une quarantaine de parfums verront le jour, et ont tous une histoire. 

Le parfum de ma marraine 1914, Sa chambre 1914, fanfan la tulipe, l’étrange fleur, Coupe d’or 1911, mea culpa 1914,  Jasmin de la Riviera 1914, Antinéa…..

chez Poiret, 1912,

Nuit persane, réalisé pour la fête donnée par le couturier, " Les mille et deuxième nuit ",  en  1911, un flacon fut offert à chaque invité,

 L’espalier du Roy, 1911, Parfum a peu d’exemplaires. La modernité du flacon carré et masculin. Un tissu orné de motifs du XVIII eme siècle orne le coffret, l’étiquette de Georges Lepape, est l’une des premières expressions du style Art déco.

Toute la forêt, 1911, il évoque le souvenir d 'heures joyeuses à Fontainebleau, avec une senteur de sous-bois ( à base d’herbe et fleurs de la forêt) . Raoul Dufy créé un imprimé stylisé de feuillages et d’oiseaux , utilisés pour les objets promotionnels dont les cartes parfumées.

La  rose de Rosine1912, dessinée par Paul iribe, la rose de Rosine incarne l’emblème de Paul Poiret, la même rose figure sur la griffe de ses vêtements. Sur la boite-écrin, pour la première fois Poiret  utilise le rébus en guise de nom de parfum. Le flacon s’inspire de la forme de la robe portée par l’Infante dans les Ménines de Vélasquez.

Avenue du bois, 1912. En prenant le nom de cette avenue menant au bois de Boulogne, la fragrance rend hommage aux élégantes de la belle époque qui empruntaient cette allée bordées de très belles demeures dont celle de Jacques Doucet (aujourd’hui, avenue Foch).

Nuit de Chine, en 1913,  l’un des plus grands succès des parfums de Rosine. L’étiquette présente des idéogrammes chinois (signifiant nuit au pays de Chine, pays de fleurs).

 Fruit défendu,1913, Paul Poiret réalise les costumes de la pièce de théâtre " Le minaret " de Jean Richepin, cette pièce a obtenue un immense succès et donne l’occasion de créer un parfum à l »image de la mode orientale.

Le mouchoir de Rosine, 1914, sorti en 6 versions de couleurs différentes, chaque fragrance correspond à une fleur et à une humeur : vert pour le mystère, orange pour la jalousie, rouge pour la traitrise, jaune pour le désir, bleu pour l’anticipation, rose pour le consentement

Pierrot , 1914, reprenant les couleurs du personnage de la commedia dell’arte, Pierrot se part d’un bouchon-chapeau noir et d’une collerette blanche (évoquant l’activité première de Poiret la couture). La boite noire étoilée illustre la chanson "Au clair de la lune "dédiée à Lully.

Borgia, 1914, l’ensemble s’inspire de l’histoire, partiellement prouvée, de la famille Borgia, laquelle donna deux papes à la religion catholique. Le second sous le nom d’Alexandre VI à l’issue d’intrigues a été marqué par l’ambition démesurée du souverain pontife, par une cruauté  sanguinaire sans égale et une débauche qui ne l’était pas moins. La famille est devenue tristement célèbre  par les incestes et morts violentes infligées à ses ennemis, par empoisonnement.  Il eut 4 enfants dont la célèbre Lucrèce. Le flacon symbolise une fiole de poison, le flacon est noir recouvert de particules dorées avec un bouchon doré. L’emballage est noir avec un écusson rouge écarlate et  doré avec un serpent déroulé.

Mamzelle victoire, 1915, soutenant la France Paul Poiret lance sa nouvelle création, arborant tous les codes de la République française, drapeaux tricolores, coq, vêtements révolutionnaires

Le balcon 1918, ce parfum évoque son idylle avec Marthe, sa voisine de la rue Auber, qui se tenait fréquemment sur son balcon . Pour ce flacon, Mario Simon  reprend l’idée de la grille entourant un buste féminin aux épaules arrondies.

 Sakya mouni, 1919, dit le Bouddha, vécut en Inde il y a environ 2500 ans, il fut le fondateur du bouddhisme. Le bouchon du flacon est orné du chien de Fô, l’un des symboles  chinois du bouddhisme incarnant la protection que chaque demeure se doit de posséder.

Aladin, 1919,  surnommé le Pacha de Paris,  Paul Poiret se fait représenter par Mario Simon  sur le coffret du parfum, tel un sultan des mille et une nuit.

Arlequinade,  1919, Poiret s’inspire de la peinture cubiste représentée dans sa collection. L’arlequin par Picasso, la commedia dell’arte, si importe dans l’œuvre de Picasso et la musique de Stravinski

Maharadjah, 1921, le nom du parfum fait référence au rôle de Maharadjah tenu par le comédien Edouard de Max, dans la pièce le prince d’Autrec, d’Henri Lavedan (Poiret en a réalisé les costumes).

Le bosquet d’Apollon, 1922, en référence à Louis XIV , Paul Poiret, utilise un motif repris dans le salon d’Apollon à Versailles : le visage du dieu grec cerclé de rayons lumineux. Fasciné par cette période faste, Poiret organise plusieurs réceptions autour du XVIII eme siècle dont le petit lever du roy

Cœur en folie, 1925, rouge rubis, le flacon proche du cœur humain, sur le  bouchon des ailes pour s’envoler vers sa bien-aimée. 

Connais-tu le pays ?, 1925, Poiret rend hommage aux soixante ans de l’opéra « Mignon » d’Ambroise Thomas. Le flacon illustre les premières paroles de l’air d’ouverture : connais-tu le pays où fleurit l’Oranger ?.

Coup de foudre, 1925, c’est un hommage à son amie Jane Lanvin, cette fragrance reprend la forme d’une jupe de sa collection de 1924 pour le flacon et le bleu Lanvin pour le coffret.

Spirit of Saint-Louis, 1927, Pionnier américain de l’aviation, Charles Lindbergh , devient le premier pilote à relier sans escale et en solitaire New-York à Paris en 1927 en 33 heures avec son avion, Spirit of Saint-Louis. Le flacon et son coffret illustrent de manière stylisée cet avion à hélices.

Exotisme et orientalisme :

En 1909, Diaghilev et les ballets Russes entament une longue tournée, ils sont à Paris  et embrasent "le tout Paris", la chorégraphie est menée par le célèbre danseur de la troupe Nijinski dont les sauts et la gestuelle sont inédits. Nous sommes au début du siècle et l’engouement pour l’Orient bouleverse toute l’Europe dans tous les domaines artistique, littérature, théâtre.  Paul Poiret va à l’opéra, rencontre les marchands d’art du Proche et Moyen orient, il va au musée. C’est en 1911, un an après la première de Shéhérazade, il lance ses modes exotiques. La même année il donne une fête persane qu’il nomme : les mille et deuxième nuit . Les femmes achètent les pantalons harem et les tuniques de soie et satin Paul  Poiret, qu’agrémentent des turbans ornés d’aigrettes à fermoirs de pierreries. Il puise dans la culture orientale les inspirations pour nombre de ses créations de parfums : Aladin, Le minaret, Maharadjah. Il s’inspire aussi du folklore russe, dont les couleurs sont vives et les motifs naïfs.

Présentation d’un vaporisateur le parfum "Nuit de Chine " Designer Georges Lepape, Parfumeur Maurice Schaller 1913, Paris

 Une étude du flacon de Georges Lepape ; sur papier

1911, Poiret fonde sa maison de décoration :

Paul Poiret fonde la maison de Martine, nom de sa seconde fille. C’est le studio de décoration de la maison de couture . Le couturier analyse en précurseur, l’importance et le rôle du couturier moderne, c'est-à-dire intervenir aussi sur le cadre de vie en créant la mode de son temps. Poiret couturier et décorateur, il a un esprit curieux et est réceptif à toutes les nouveautés. Il va garder son gout pour l’exotisme et l’Orient, qu’il exprime dans les décors muraux et textiles aux motifs colorés. Il va imprimer à son mobilier la simplicité des productions les plus radicales de la Sécession, préférant un mobilier laqué. La création des ateliers Martine reste une expérience originale. Le couturier est fasciné par la Wiener Werkstätte qu’il avait rencontré lors de ses voyages en Autriche et Allemagne, mais  fut frappé par la rigueur de l’enseignement dans les ateliers de la célèbre maison. Les ateliers de Martine seront organisés eux avec une grande liberté, il recrute des jeunes filles sans formation artistique. Il les charge de dessiner d’après nature, comptant sur la liberté de leurs talents  et sur la tutelle de l’épouse du peintre Paul Sérusier. Leurs dessins sont coloriés et soumis à Paul Poiret, il choisit les modèles qu’il veut mettre en production sous la direction artistique de Guy-Pierre Fauconnet (1882-1920).

Les ateliers Colin, le couturier fonde un atelier de cartonnage nommé "Les ateliers Colin" nom de son troisième enfant. L’emballage des cosmétiques est assuré en complémentarité de toutes les activités commerciales.

 Reconstitution des ateliers de Martine :

Quelques objets de décorations :

Un éventail avec de grosses anémones oranges et blanches sur un fond noir il est posé sur une table d’apparat 1920

Un pendentif vers 1920 en écaille

Quelques photos montrent les ateliers.

Un carré de velours est présenté il s’agit d’un extrait "Des arts de la maison d’hiver" des ateliers de Martine 

Un échantillon de toile encadré : le motif les anémones.

Un pouf de l’atelier Martine

Les semis de coquelicots extrait d’un coupon encadré également.

Reconstitution des ateliers de Rosine :

Avec l’avènement de la réclame et les prémices du marketing à la fin du XIX eme siècle les ateliers de Martine œuvrent à la valorisation des "Parfums de Rosine". Paul Poiret très attentif aux produits promotionnels pour les parfums Rosine, fait appel a ses amis artistes ou illustrateurs, poètes ou écrivains. De nombreux objets dérivés sont ainsi créés : échantillons, cartes parfumées, éventails, flacons, vaporisateurs.

Un catalogue "des parfums de Rosine "

Des échantillons de parfums

" L’allée des acacias, bois de Boulogne à Paris" par le peintre Roger de la Fresnaye gouache datée de 1908.

Quelques photos, des miroirs, des éventails de publicité, du talc, des éventails miniatures et cartes parfumées , afin de faire découvrir les senteurs  aux clientes.

Des flacons de parfums peints à la main.

Sous vitrine :

Poudriers, flacons, un éventail à l’effigie de Rosine.

Quelques affiches  publicitaires des parfums Rosine.

Des mouchoirs publicitaires en soie.

Un mouchoir  "le fruit défendu" atelier de Martine

.

Dans ces années de prospérités, Paul Poiret, réalise de nombreuses tournées à travers l’Europe. Il créé un réseau artistique, son épouse devient son ambassadrice.

Présentation d’une malle à chapeau ayant  appartenue à Paul Poiret, il s’agit d’une malle Vuitton datée de 1911

Quelques affiches et photos montrant le couple en déplacement.

Une robe exposée nommée Fontaine ou la source 1924 Poiret Paris

Un ensemble : robe, ornement de tête et collier premier quart du XX eme siècle, Paris le bas de la robe violet le haut en brodé beige, soie, broderie, métal, perles.

Une robe bleue et blanche

Un sac à main en laine et soie et tapisserie de basse lisse de la manufacture de Beauvais le designer Raoul Dufy.

Vers les années folles :

 Les années folles débutent en 1920 jusqu’en 1929. Après la fin du conflit, la nouvelle génération rêve d’un monde nouveau. Venue d’Amérique la musique de jazz fait son apparition, mais aussi la danse, la radio et le sport, les industries et l’apparition de l’électroménager. La croissance économique est très forte. C’est la place à l’individualisme (conception politique, philosophique, sociale, morale qui tend à privilégier les droits, les intérêts et la valeur des individus), André Gide et Marcel Proust donnent le ton littéraire de cette tendance qui croit avec le mouvement Dada dont Tristan Zrara publie le manifeste, le surréalisme André Breton n’est pas loin. L’art nouveau disparaît avec la guerre, l’art déco fait son apparition.

Les lieux de Paris les plus célèbres : Montmartre et Montparnasse.

A Montparnasse de nombreux café la coupole, le dôme, la Rotonde, la Closerie des Lilas et les salons de Gertrude Stein, ce sont des lieux de rencontre pour les artistes et intellectuels. Le quartier représente la modernité, des trompettistes s’y sont installés tel que Arthur Briggs, on y rencontre l’écrivain américain Henry Miller et d’autres écrivains Hemingway, Scott Fitzgerald et les peintres de l’école de Paris Soutine, Modigliani, Chagall………… L’avant-garde Surréaliste occupe le devant de la scène depuis 1920, apport de nouvelles formes d’expressions dans la poésie avec des auteurs comme Breton, Aragon, Eluard, en peinture avec les artistes Miro, Ernst, Dali, Picabia, en sculpture Arp et Germaine Richier, pour le cinéma avec Luis Buñuel, René Clair et Cocteau.

Le monde du spectacle influencé par l’extérieur : le jazz fait une ascension fulgurante à Paris, musique amenée par l’armée américaine. La revue nègre avec  Florence Mill et Joséphine Baker, puis le charleston musique inconnue en Europe. Le cabaret "le bœuf sur le toit" est à la mode dont le pianiste et  compositeur Jean Wiener y joue.  L’influence américaine est considérable.

La mode a changé, sous l’influence de Chanel et Patou, elle s’est simplifiée, les femmes sont émancipées, elles ont coupé leurs cheveux et raccourcies leurs robes. C’est l’avènement de la "garçonne". Paul Poiret continu de créer du rêve et fédère une clientèle d’habitués en proposant des modèles d’un exotisme accru. Poiret lance des parfums soulignant l’exotisme, l’orientalisme et son goût pour le théâtre.

Quelques affiches de Lepape sont exposées.

Un catalogue et correspondance autour de l’exposition à la galerie Charpentier préface de Jean Cocteau.

Artiste parmi Les artistes :

 Paul Poiret est un érudit, un dessinateur et aime l’art, il évolue dans le contexte artistique du début du XX eme siècle, le fauvisme, le cubisme, art  déco. Il s’entoure très vite des plus grands artistes, dont le talent peut contribuer à ses recherches.

 Iribe et Lepape illustrent ses créations au sein de magnifiques albums.

 Raoul Dufy conçoit pour lui de belles étoffes et imprimés reprenant des thèmes animaliers et floraux, ils créés ensemble en 1910 un atelier d’impressions de tissus, Dufy dessine les motifs, grave les bois servants d’impressions, étudie les techniques chimiques nécessaires et quelquefois imprime.

 Il a rencontré Derain et Vlaminck, lorsqu’ils peignaient  leurs premières toiles fauves (compagnons de ses nombreuses fêtes qu’il organisait).

 Il a une grande admiration pour Dunoyer de Segonzac, pour lui il est l’un des plus grands artistes de l’époque, Picasso  a présenté pour la première fois dans les ateliers Poiret " Les demoiselles d’Avignon .

Poiret à créé le costume porté par Sarh Bernhardt dans l’aiglon, il a conçu à plusieurs reprises des costumes de théâtre dont ceux des pièces : Aphrodite, Le Minaret, Nabuchodonosor, il est devenu le couturier favori des actrices : Arletty, Mademoiselle Spinelly, Georgette Leblanc, Réjane.

En 1921, il monte un théâtre dans son jardin, il y rencontre Isadora Duncan, Joséphine Baker, Edouard de Max, il interpréte  même une pièce en compagnie de Colette.

Exposition d’un livre écrit par le couturier "art et phynance " daté de 1934

Quelques tableaux de Raoul Dufy :

"Les champs de courses", daté de 1928, huile sur toile.

"Le jardin à Hyeres", 1943, huile sur toile.

" La pèche " , huile sur toile

"Saint Tropez vu de la citadelle" par Dunoyer de Segonzac, vers 1950 aquarelle et plume sur papier.,

"Le rimmel" par Van Dongen 1920, papier

"Mademoiselle Geneviève Vix dans le rôle de Salomé" Van Dongen 1924-25, huile sur toile

Des grands panneaux de tissu pour habillement : dont :

Bagatelle ou le Pré Catalan, 1920,  dessin de Raoul Dufy par Bianchini,

Ainsi que février daté de 1919, les amis 1919, ils sont en fibranne viscose et soie.

Et Après ? :

Paul Poiret a compris rapidement que posséder une maison de parfumerie augmente la renommée et le prestige de sa maison de couture. Le parfum est l’accessoire de mode essentiel à la beauté féminine. Son entrée dans l’univers du parfum bouleverse totalement  l’industrie de la parfumerie ; toutes les maisons de couture postérieures à Paul Poiret ajoutent la dimension olfactive à la parure féminine.  Maurice Babani, Chanel, Jane Lanvin, Dior, Saint Laurent, Mugler et bien d’autres. Avec Coty et Lalique, Paul Poiret ouvre une autre voie aux maisons de parfumerie : celles de concevoir les flacons  comme de véritables œuvres d’art en travaillant avec les artisans de son temps……… .

Présentation d’un flacon créé à l’occasion de l’exposition internationale des Arts décoratifs en 1925, le flacon arbore des motifs d’impressions chinoises. Designers Paul Poiret et Julien Viard.

Quelques extraits du catalogue de l’exposition.

Elégance, raffinement, délicatesse, une très belle collection de flacons accompagnés de leurs coffrets. Cette exposition présente tout l’univers de Paul Poiret.

A ne pas manquer

Au musée de la parfumerie à Grasse, jusqu’au 30 septembre.