La petite république des Provinces-Unies (sept provinces), actuel Pays-Bas, née depuis 1581 de l’Union d’Utrecht (traité signé en 1579, il unifia les provinces désirant se séparer des Pays-Bas espagnols, les raisons sont politiques et religieuses. Ces provinces s’engagent à se soutenir mutuellement contre l’armée espagnole).  Cette petite République est entrain de devenir la première puissance commerciale du monde, pendant que le reste de l’Europe subit une récession qui va durer jusqu’en 1750.

Par la liberté du culte qui régnait aux Pays-Bas, une population diverse vint s’y installer, protestants, juifs, espagnols, portugais. Le culte dominant devint le calvinisme.

 Ces réfugiés rejoignirent une république en pleine croissance, qui offrait travail et liberté d’opinion.

La puissance néerlandaise ne reposait pas que sur les activités commerciales, l’importation des matières premières permit l’essor d’industries de transformation, la production à son tour alimenta les exportations nationales. Des raffineries de sucre, manufactures de tabac, tailleries de diamants, savonneries, huileries. L’industrie la plus importante reste celle des textiles dont Leyde fut la capitale. Environ 5000 personnes travaillaient dans l’industrie  de transformation.

Les écrivains et érudits s’y établirent pour publier en toute liberté et enseigner avec la fondation de l’université de Leyde et le développement de sciences humaines et naturelles, le pays devint l’un des centres du savoir ce qui  attira d'innombrables penseurs et savants de toute l'Europe. Les penseurs des Provinces-Unies ont également contribués à l’évolution du droit civil.

Plusieurs livres  traitant différents sujets tel que la  religion, la philosophie, les sciences naturelles, interdits ou quelques fois mis à l’index par l’inquisition, pouvaient être imprimés et distribués aux Pays-Bas. Au XVII eme siècle, la République des provinces Unies devint le lieu d’édition de toute l’Europe. Ainsi l’imprimerie et l’édition connurent eux aussi leur âge d’or au XVI eme siècle et XVII eme siècle.

A la tête de la société néerlandaise on trouvait, les nobles, les régents, on jugeait au statut social d’après l’appartenance familiale, le niveau d’éducation, mais aussi d’après la fortune et le revenu des personnes. Dans les autres pays d’Europe, la noblesse formait la classe dirigeante privilégiée politiquement et socialement. Il n’y avait presque plus de noblesse aux Pays-Bas, les clercs avaient peu d’influence, l’église catholique romaine ne dominait plus au profit de l’église protestante. Il n’y avait pas de souverain, de nobles, de clercs.  C’était les Régents et la haute bourgeoisie (riches marchands, armateurs, banquiers, entrepreneurs, officiers généraux) qui géraient la politique et la société, soutenus par la petite bourgeoisie composée principalement d’artisans, d’officiers qui eux géraient la politique dans les petites villes.

C’est le roi Guillaume Nassau par la guerre de 30 ans de 1555 à 1584, qui va conduire les provinces à l’indépendance.

Les Pays-Bas espagnols, territoires possédés par le roi d’Espagne, période allant du XVI au XVII eme siècle, ils comprenaient l’actuelle Belgique (sauf Liège), le Luxembourg, les Pays-Bas actuels et une partie du nord Pas de Calais).

Au XVI eme siècle l’Espagne et le Portugal deviennent grâce au colonialisme les premières puissances européennes et mondiales.

 En 1580, les néerlandais lancent des assauts sur le Brésil, ils s’emparent du Nordeste  de 1630 à 1661, ainsi ils vont obtenir des plantations de canne à sucre. Etant de redoutables corsaires ils vont détourner des marchandises provenant des navires des autres pays européen.

1584 début du siècle d’or qui va se poursuivre jusqu’en 1702.

Dès 1605, la Hollande exploite la pointe nord de l’Australie.

En 1602, ils créent la compagnie des indes orientales (pendant près de deux siècles l’un des piliers du capitalisme et de l’impérialisme néerlandais) et ensuite occidentales en 1608 (comprenant l’Afrique de l’ouest, le cap de bon espérance, l’Amérique, le Pacifique et la partie Orientale de la Nouvelle Guinée).

 Le monopole commercial néerlandais avec l’océan indien et l’Extrême-Orient devait perdurer deux siècles. Ses routes et commerces s’étendaient le long des côtes d’Afrique et d’Asie avec des comptoirs et mouillages en Indonésie, au Japon, Taiwan, Ceylan et Afrique du sud. En vue du commerce avec l’Afrique de l’ouest et les Amériques, c’est ainsi que les actionnaires créèrent la compagnie des Indes occidentales. Les autres routes commerciales, la Baltique, la Russie, commerce avec l’Italie et le Levant, les pays de la cote orientale méditerranéenne pour l’Europe.

En 1609 La Hollande et l’Espagne signent une trêve de 12 ans, la même année ouverture d’un comptoir hollandais au Japon  sur l’ile Hirado, et la cote ouest de l’Inde. Création la même année de la banque de change d’Amsterdam (première banque centrale au monde)

1611 c’est l’ouverture de la bourse d’Amsterdam.

Le capitaine Hatogh découvre l’Australie occidentale en 1616.

L’église réformée est reconnue officiellement en 1618-19.

Dès 1619, les Néerlandais fondent sur l’ile de Java  le comptoir de Batavia (aujourd’hui Jakarta), ils s’assurent le monopole  et supplantent les Portugais dans le commerce des épices avec l’Inde et l’Insulinde (vaste archipel comprenant l’Indonésie, les Philippines, le Timor oriental, la Malaisie orientale, Brunei, le territoire indien  d’Andaman et Nicobar).

1621, guerre entre l’Espagne et la Hollande.  

En 1625, fondation de la Nouvelle-Amsterdam (actuelle de New-York).

La Hollande obtient son indépendance avec l’Espagne en 1648, ainsi les néerlandais  devinrent l’une des puissances maritimes et économiques du XVII eme siècle. Décès de Maurice d’Orange. Frédéric-Henri devient Stathouder.

1633 la spéculation de la tulipe. Bulle économique pendant 4 ans

La Hollande déclare la guerre à l’Espagne en 1635

1643, massacre des indiens Algonquins par les hollandais.

1647 décès de Frédéric-Henri d’Orange, son fils Guillaume II  lui succède et décède en 1650.

1648, traité de Westphalie, les Pays-Bas dominent le commerce mondial.

Construction de l’hôtel  de ville d’Amsterdam  de 1650 à 1665.

Les hollandais s’installent au cap de Bonne Espérance en 1652.

De 1652 à 1654 c’est la première guerre entre l’Angleterre et la Hollande.

1656, les hollandais s’emparent du port de Colombo Sri Lanka

1664, la flotte hollandaise au profit de la flotte anglaise occasionne  la perte de New Amsterdam  

 1665 à 1667, seconde guerre entre hollandais et anglais.

Vers 1670, la république comptait environ 15 000 navires, cinq fois les effectifs de la flotte anglaise.

1672, La Hollande est attaquée par l’Angleterre, la France, l’évêché de Westphalie et Cologne. Guillaume III d’Orange est nommé Stathouder.

1673, les hollandais sortent victorieux de la guerre avec les anglais.

1678, fin de la guerre qui oppose la France aux Provinces-Unies et à l’Espagne depuis 1872.

1684, La France et la Hollande signent la paix.

1688-89, Guillaume III d’Orange envahit l’Angleterre de la Glorieuse Révolution et renverse pacifiquement James II d’Angleterre. 1688, guerre de la Ligue d’Augsbourg.

1689, Guillaume d’Orange est proclamé Guillaume III d’Angleterre.

1692, La flotte anglo-hollandaise écrase la flotte française.

1697, Les traités de Ryswick mettent fin à la guerre de la ligue d’Augsbourg entre Louis XIV et la Grande Alliance.

Le siècle d’or néerlandais caractérisé par la prospérité économique et culturelle.   Cette période recouvre une floraison de culture, d’art, cette prospérité est due à l’évolution sociale et culturelle de cette époque.

 L’instruction est plus rependue que dans les autres pays d’Europe, cette  jeune république présentait des conditions favorables au développement des lettres, presque toute la population savait lire et écrire dès le XVI eme siècle, le premier enseignement,  la lecture des écritures (influence protestante), les réfugiés protestants étaient de classe supérieure ou d’une  bourgeoisie cultivée, des écrivains, un apprentissage dans des petites écoles privées permettait d’avoir une connaissance, important chez ce peuple de négociants, apprentissage aussi  de l’arithmétique. L’enseignement secondaire était effectué dans des écoles latines pendant six ans, réservé à une élite. D’autres écoles illustres avec un  enseignement supérieur  dont les plus renommées l’Athenaeum d’Amsterdam et Leyde qui attira de nombreux étudiants étrangers dont  Descartes. 

 L’art et la culture,

L’épanouissement culturel y est intense et se différencie des  autres pays européens, car les mécènes et protecteurs des arts étaient de riches aristocrates, au Pays-Bas il s’agissait de négociants aisés, des familles praticiennes qui avaient ce rôle. Une classe moyenne  et les paysans enrichis créaient un potentiel décisif pour le développement économique, social et culturel du pays. Le marché était important pour  les biens industriels et artistiques, commerçants, artisans, officiers éprouvaient le besoin de faire valoir leur statut. Ils ont le désir de posséder des objets d’art, c’est ainsi que la demande des peintures profanes explosa, les portraits permettaient de montrer le rang social de la personne, ceci jamais vu dans d’autres pays, la possession du mobilier tel que des coffres, des objets pendules de luxe, des miroirs, de l’argenterie de la porcelaine,  donc prestige social. Cette richesse croissante  des Néerlandais assurait les revenus des artistes au XVII eme siècle.

Epanouissement de la peinture, nouveau secteur de l’économie, c’est le début de la commercialisation  de l’art, un nouveau métier se développa : marchand d’art. Les tableaux vendus étaient souvent des compositions aux  thèmes profanes, les tableaux d’église étaient délaissés depuis la Réforme,  une spécialisation se développa dans différents genres, avec des thèmes picturaux nouveaux, le paysage, les portraits individuels ou en groupe, représentation de la famille, les membres d’associations, des cérémonies, festivités, la nature morte fournissait des aperçus de la vie quotidienne de la bourgeoisie aux  intérieurs richement décorés. Il y avait même une hiérarchie des genres : L’histoire (et religion), le portrait, la scène de genre, le paysage, la nature morte. Enrichissement de la production même sur un plan stylistique, ainsi les commanditaires pouvaient apprécier la manière de l’artiste, qu’elle se rattache à la peinture italo-flamande ou néerlandaise. Les tableaux de petits formats n’étaient plus fait sur commande, mais trouvés au hasard des marchés, mais il se développa parallèlement un marché des toiles nobles, un marché de collectionneurs très actif.

Bien souvent les artistes se spécialisaient dans un thème

  Willem Claeszoon Heda et Willem Kalf peignaient des natures mortes, on y représentait un certain nombre d’objets qui variaient la composition par des modifications de détails. 

Jan Van Goven, Jan Van Ruisdael, Hobbema spécialisés dans la peinture de paysage.

Jan Steen, Adriaen Van Ostade et Brouwer la satire villageoise.

Terborsch, Pieter de Hooch, la comédie de mœurs (variante de scènes de genre) un exemple les fêtes paysannes

 Pieter Jansz Saenredam et Emmanuel de Witte peinture de monuments.

Thomas de Kevser et Frans Hals le portrait.

 Van de Velde les marines.

Paulus Potter, les animaux.

Philips Wouwerman spécialisé dans les chevaux.

Melchior d’Hondecoeter spécialiste des oiseaux.

Van Huysum spécialiste des fleurs.

Abraham Van Beijeren les fruits de mer, coquillages.
 

Pieter Claesz auteur du nautile d’argent.

L’exposition du siècle d’or hollandais présente peintures, dessins, œuvres sur cuivre, argenterie, faïences, ivoires toutes ces œuvres sont d’une qualité égale. On a la technique, la thématique, l’esthétique.

Quelques exemples par thèmes

Les artistes et leur monde :

XVII eme siècle en Hollande, un grand nombre d’artistes virtuoses y travaillaient Acquisition des œuvres d’art par les classes moyennes, les artistes se sont spécialisés, la première partie de l’exposition présente des portraits et autoportraits d’artistes tel que celui de Maria van Oosterwijck peintre de fleurs, œuvre du peintre Wallerant Vaillant 1623-1677, peintre mondain, succès auprès des praticiens. Maria était connue par ses bouquets, disposés sur un fond sombre, des vanités et aussi des natures mortes, ici elle est représentée un livre sur les genoux (symbole d’érudition) dans la main gauche une palette et des pinceaux, elle a une certaine assurance, elle porte une robe de satin jaune, avec une encolure décolletée avec des rubans, c’est la mode de l’époque.

D’autres œuvres de David Bailly autoportrait, Van der Helst portrait de Van de Velde artiste peintre, Van Ostade l’atelier du peintre.

Natures mortes et arts appliqués :

Les natures mortes étaient à la mode, certains artistes s’étaient spécialisés dans cette discipline, on y trouve des fleurs, des vanités, tel que des cranes, sabliers bien souvent associés avec des objets de valeurs. La subtilité de la lumière le rendu des objets  et des textures, la composition en ont fait des œuvres très prisées.

Un exemple avec une œuvre de Jan Davidsz de Heem 1606-1684 artiste qui se spécialisa dans les compositions florales vers 1650, il devient un maitre du genre. Il est un grand observateur de la nature. La composition florale présentée dans un vase en verre sphérique sur un dessus table en pierre, les fleurs sont recouvertes de petits insectes, beaucoup de fleurs différentes dans cette composition, tulipes, pivoines, œillets et autres, les fleurs de coloris semblables sont regroupées, chaque fleur est présentée avec beaucoup de détails. Grande délicatesse, respect dans l’harmonie des  couleurs, dégradations de roses et de blancs des pivoines placées au centre de la composition  rehaussées par les tons chauds de rouges des tulipes et œillets.

Autres œuvres, Davidsz de Heem, nature morte avec des livres, Van de Velde, nature morte avec un grand verre de bière, De Bray, fleurs dans une vase de verre, Abraham Mignon, nature morte aux fruits, huitres et compotier de porcelaine

La ville :

Grande concentration de population dans les agglomérations urbaines, alors que le reste de l’Europe est rurale. Le commerce et l’industrie sont florissants, de nouveaux métiers apparaissent. De nombreux artistes trouvent inspiration et modèle dans leur environnement.

Construction de l’hôtel de ville d’Amsterdam en 1638, aujourd’hui c’est le palais royal. 

Gerrit Berckheyde 1638-1698, cet artiste rend hommage à l’édifice le plus emblématique néerlandais du XVII eme siècle. Ce bâtiment est de style classique italien il  fut conçu par Jacob van Campen.

L’artiste en remplissant la toile par cet établissement a voulu montrer l’admiration qu’il avait pour l’architecture de Campen. Quelques personnages au premier plan devant l’hôtel de ville, ce sont les marchands et conseillers élégamment vêtus, d’autres personnes un cheval sont sur la place. Diversité des personnages pour montrer le coté cosmopolite d’Amsterdam.

Autres œuvres, Cuyp, vue de Dordrecht,Van der Hoeyen, plan de la ville d’Amsterdam, Van der Heyden , le pont levis, Jacob van Ruisdael, vue de Haarlem, Jan Steen, le boulanger de Leyde

La campagne :

Les peintres au XVII eme siècle découvrirent la campagne, c’est un plat pays traversé par des fleuves, source d’inspiration, les rivières et le ciel ont une place importante dans la composition de leurs tableaux. De nombreux artistes préféraient les paysages idéalisés d’Italie, ces paysagistes pour la plus part venaient d’Utrecht et avaient travaillés à Rome.

 Paysage hollandais avec le Ponte Molle (huile sur cuivre) de Jan Both 1615-1652, il est resté 5 ans en Italie, il a réalisé de nombreux croquis pendant son séjour, sur cette toile il représente des éléments d’architecture sur la gauche, la structure un vieux pont de pierre, la tour située derrière le pont est la tombe de Plaute, la campagne ressemble aux environs de Tivoli, à l’arrière plan, collines et montagnes , au premier plan un cheval drapé de rouge, les motifs ornant un char à bœuf, les arbres, les plantes reproduits avec de nombreux détails. La lumière est dorée, les contours des collines dans les tons bleutés.

 Autres œuvres Jacob Van Ruisdael, le château de Bentheim, Van de Velde , la hutte d’un berger dans un bois, Hobbema, le moulin à eau.

Images et objets religieux le monde de Rembrandt :

Rembrandt réalisa un certain nombre de portraits d’apôtres, tous avec une atmosphère religieuse, un exemple avec le reniement de saint Pierre, œuvre saisissante. Dans l’ombre deux soldats attendent la réponse de saint Pierre de savoir si toutefois il connaît Jésus, le visage de Saint Pierre est tourmenté il est éclairé par une source lumineuse, ce qui attire notre regard, la flamme de la bougie est cachée par la main de la jeune fille qui tient la bougie à la gauche de Saint Pierre. Dans cette œuvre Rembrandt joue avec le clair obscur élément constructif du tableau, la matière est travaillée d’une nouvelle manière, il utilise la technique de l’empâtement, ce qui consiste a appliqué la peinture en couches d’épaisseur inégale, le relief obtenu confère à la toile une texture et une luminosité remarquable.

Citoyens régents et aristocrates dans la République :

Dans la seconde partie du siècle, il y a plus de régents et de citoyens nantis, ils ont un certain standing et se font immortaliser dans des tableaux, mise en valeur de l’image de marque.

Frans Hals,1582-1666, grand portraitiste de l’époque, il peint le portrait de Mr et Mme Hasselaer, le mari représente un certain dynamisme, sa chevelure est bouclée et indisciplinée, son corps est désaxé par rapport à sa tête, sa main gauche posée sur sa hanche, le bras droit repose sur la chaise ou il est assis, son vêtement sombre est orné  d’un grand col d’une magnifique dentelle blanche , on aperçoit aussi sa manche plissée blanche également, son épouse fixe le spectateur, sa chevelure tirée, une immense fraise recouvre une robe sombre au broderies d’or, un col de dentelle sort de la fraise , les vêtements sont couteux , ce couple a un certain standing. Le style de Frans Hals est spontané, la palette est claire.

Autres œuvres, Jan de Bray, l’imprimeur de Haarlem, Ter Borch, Jacob de Graeff

La république et le commerce mondial les Indes hollandaises orientales :

Le commerce avec l’Extrême-Orient a une influence sur l‘art hollandais, les poteries, l’or, les épices, les ivoires, la soie.

Les exemples sont nombreux, Jacob Coeman montre Mr Cnoll et sa famille à Batavia avec les domestiques derrière eux ils ont la peau plus sombre et les pieds nus, dans le lointain s’éloignant des navires marchands, il est venu à Batavia pour travailler à la comptabilité de la Compagnie des Indes, et a épousé une japonaise, ils sont élégamment et  richement vêtus, les boutons sont en or, les robes en soie, colliers de perles .Ce tableau obtint un grand succès. 

Les scènes de genre la vie quotidienne :

Ce sont des peintures qui relatent la vie des personnes dans leur quotidien, avec quelques messages cachés.

Vermeer, la lettre d’amour, dans ce tableau Vermeer scrute l’intimité, la lettre d’amour un message sous-jacent, la clé de l’interprétation réside dans la combinaison des motifs au XVII eme siècle, le bateau sur la mer, c’est le thème de la poésie amoureuse, le navire et le galant, l’océan l’amour. Le spectateur est voyeur nous sommes dans le vestibule, nous regardons par la porte, de ce fait il fige le moment et le rend mystérieux. La palette est dans les tons de jaune, blanc, bleu.

Autres œuvres, Rembrandt, son fils Titus, Ter Borch, jeune fille assise en costume de paysanne, Van Ostade, paysans, scènes d’intérieurs, Jan Steen, femme à sa toilette, Pieter de Hooch, scène d’intérieur mère épouillant son enfant.

Exposition à ne pas manquer, le siècle d’or hollandais, période de bouleversements au Pays-Bas de nombreux événements  apportent dans la peinture de nouveaux thèmes, grande richesse culturelle  et artistique.
 
Extraits du catalogue de l'exposition

A la Pinacothèque Paris jusqu’en février 2010.

L’événement :

Il y a 100 ans, le 3 mai 1909, Diaghilev fondateur des ballets russes arrivait à Paris gare de Lyon.

Le théâtre du Chatelet est entièrement rénové et réaménagé pour  les premières représentations du ballet russe.

Serge Diaghilev, créateur de la troupe a bien préparé son entrée, quelques semaines au paravent il a invité quelques personnalités du monde artistique, des journalistes, aux répétitions,Jean Cocteau, la princesse Anna de Noailles, les critiques en vue, sont venus. Quelques peintres à la mode avaient fait le portrait de Nijinski. Diaghilev ayant  le sens de la publicité avait fait placarder sur toutes les colonnes Morris de Paris l’affiche d’Anna Pavlova. Diaghilev invité dans tous les salons et soupers parisiens, fit quelques confidences sur un autre nom, le danseur Nijinski.

Paris est en effervescence, le 19 mai 1909, le théâtre du châtelet affiche complet, le tout Paris est présent, ce fut un choc artistique, le public fut bouleversé par la nouveauté, le talent des artistes,  la somptuosité des décors. Nijinski est à l’honneur.

Sergei Pavlovitch Diaghilev nait en 1872 à Selichtchi proche de Novgorod, dans une famille aisée de la petite noblesse, c’est la fin de l’époque tsariste. Il étudie le droit à l’université de Saint-Pétersbourg, ainsi que le chant et la musique au conservatoire.

En 1892, il obtient un diplôme de musicologie, élève de Rimski-Korsakov qui lui dit qu’il n’est pas fait pour cet art, découragé il abandonne.

Il se lie avec Alexandre Benois artiste peintre, décorateur, scénographe et historien d’art russe, Konstantin Somov, peintre symboliste, Dmitri Filosofov, écrivain et critique littéraire russe, Léon Bakst, peintre décorateur et créateur de costumes russes. Mais il est très difficile d’intégrer le cercle fauviste des artistes, Diaghilev se perfectionne sur l’histoire de l’art russe et occidentale aidé par son ami Alexandre Benois, il voyage pendant deux ans  pour se perfectionner, il devient le plus  apprécié  du groupe pour ses connaissances.

Avec l’aide financière de la princesse Maria Tenicheva (mécène, collectionneuse d’œuvres d’art, elle-même artiste) et de Savva Mamontov, (industriel, et mécène russe, à l’origine de l’opéra russe privé, il a financé un nombre de pièces  de compositeurs, Tchaïkovski, Rimski-Korsakov, Borodine, Moussorgski). Diaghilev créé le journal Mir Iskousstva (le monde des arts), et fonde avec son cousin Philosophoff et Alexandre Benois une groupe avant-gardiste.

Dès 1899, il est nommé assistant  particulier du prince Serge Volkonsky, qui a pris la direction des théâtres impériaux.

1900 il est responsable de l’annuel des théâtres impériaux, de ce fait propose des postes à ses amis.

Léon Bakst s’occupe des costumes du ballet français « le cœur de la marquise 1902 » chorégraphie de Marius Petipa, Alexandre Benois, produit « la vengeance de Cupidon » opéra de Taneiev.

Fin XIX eme siècle, il y a plus de liberté dans la manière d’appréhender la tonalité, le rythme les harmonies. Diaghilev est un des premiers à adopter ce style de musique.

1900-1901, Volonsky demande à Diaghilev de monter  Sylvia, ballet de Léo Delibes, mais Diaghilev refuse d’éditer l’annuel des théâtres impériaux, en raison de divergences d’opinion. Etant en conflit avec le théâtre, il fonde les ballets russes  nous sommes en 1907, de ce fait il devient  organisateur de spectacles, critique d’art, protecteur des artistes, impresario de ballet.

 De grands danseurs et chorégraphes seront issus de cette compagnie et ont marqués le XX eme siècle.

 Ses amis l’aident à monter des expositions.1905, il expose à Saint Pétersbourg, il s’agit de portraits peints par des artistes russes, l’année suivante en 1906, cette exposition vient à Paris au Petit Palais. 

Diaghilev se sépare du ballet impérial en 1911, il fait de sa compagnie une troupe privée composée des meilleurs éléments du théâtre Mariinski. Cette troupe va se fixer à Paris, Londres, Monte-Carlo.

 Pendant ces années, Diaghilev va programmer différentes compositions de Rimski-Korsakov, et passe commande auprès des compositeurs renommés pour ses musiques de ballets.

L’histoire des ballets russes, de 1909 à 1929, ces ballets vont représenter  toutes les formes artistiques, donnant lieu à un spectacle. Diaghilev a apporté différents styles à ses ballets, inspirés par les contes russes, l’art moderne, le futurisme.

Ils auront trois  périodes :

Les premières années jusqu’en 1912, les thèmes des ballets sont inspirés par le folklore russe et oriental, la chorégraphie de Michel Fokine (issu de l’école impériale de ballet de saint Pétersbourg), les danseurs formés selon la tradition académique et romantique, (héritage du style français et italien),  ajoutant à des  qualités spécifiques  leur sensibilité russe.

1912, deux créations : Daphnis et Chloé la musique composée par Maurice Ravel, L’après-midi d’un faune par Claude Debussy.

De 1912 à 1921, grande diversité  dans les chorégraphies, originalité et recherches expérimentales. Diaghilev a fait travailler des artistes occidentaux ce qui donné lieu à de nombreuses créations.

Manuel de Falla, musicien espagnol, des peintres pour les décors, Picasso, Derain, Matisse, Braque. Nijinski, Massine, Fokine ont réalisés les chorégraphies.

 Jeux en 1913, musique Debussy, le sacre du printemps en 1913, musique de Stravinski, Joseph-légende 1914, musique de Strauss, Parade 1917, musique Satie, le tricorne 1917, musique Manuel de Falla,  la boutique fantasque 1918, musique Respighi.

Après une rupture pendant la guerre, des peintres d’avant-garde sont venus rejoindre la troupe, il s’agit de Michel Larionov et Nathalie Gontcharova, ils sont de la veine des modernistes. La reprise des tournées s’effectue à partir de 1917. En 1931, le chorégraphe Léonide  Massine quitte  la troupe, c’est la fin de la seconde partie des ballets russes.

De 1921 à 1929, les ballets russes ont répondu au contexte des années folles, c’était inédit.

 C’est aussi l’arrivée de  nouveaux chorégraphes Bronislava Nijinska et Georges Balanchine, des peintres surréalistes, Naum Gabo, Antoine Pevsner, vont apporter aux ballets des tendances artistiques nouvelles. Diaghilev a fait participer des musiciens du groupe des six (le groupe des six : Darius Milhaud, Georges Auric, Arthur  Honegger, Germaine Tailleferre, Francis Poulenc, Louis Durey). Boris Kochno a été le Secrétaire de Diaghilev et a créé des livrets et supervisé les spectacles. De nouvelles créations :

Les biches 1923, musique Poulenc, le fils prodigue 1929, mais le plus célèbre restera Igor Stravinski a qui Diaghilev a demandé d’adapter des pièces de Chopin pour les Sylphides.

Tant  par leur style chorégraphique que par les thèmes abordés, ces ballets ont étés présentés à Paris dans différentes salles, théâtre Sarah Bernhardt, Chatelet, Théâtre des Champs Elysées, Opéra. De nombreux spectateurs sont venus les admirer.

Les ballets russes ont attiré des artistes ayant le désir de connaître les dernières innovations artistiques. Acteurs, peintres, musiciens, écrivains. Parmi les écrivains, Jean Cocteau, Marcel Proust et Romain Rolland, parmi les acteurs, Sarah Bernhardt. Jacques-Emile Blanche, Valentine Gross, le peintre Auguste Renoir et le sculpteur Auguste Rodin.

Au public d’artistes s’est ajouté un public mondain, composé d’aristocrates, de ministres et de diplomates. Pour cette élite, les Ballets Russes ont été garants d’une caution culturelle et mondaine. Le public était composé de journalistes et de critiques d’art. La presse s’est ainsi fait le relais du succès des spectacles. 

Les ballets :

A travers les thèmes présentés, les décors et la musique, les spectacles de Diaghilev ont mis en scène une Russie de légende.

Le Festin (1909) a présenté plusieurs danses traditionnelles slaves, comme la mazurka. Musique Moussorgski.

 Le livret de L’Oiseau de Feu(1910) a été tiré de plusieurs contes russes, dont ceux d’Afanasiev. Musique Stravinski.

Shéhérazade créé en 1910, a émerveillé le public par sa mise en scène, atmosphère sortis des contes orientaux, les décors composés de tapis, coussins, dans des tons  rouge, vert, les costumes richement brodés. Cela donnait l’impression d’un intérieur de harem.

Petrouchka  (1911) a mis en scène la vie et les mœurs du peuple russe, à travers des marionnettes évoluant dans le décor de la foire du carnaval de Saint-Pétersbourg. Musique Stravinski.

Pour les décors et les costumes du Coq d’Or(1914), Nathalie Gontcharova s’était inspirée de l’imagerie russe et de jouets en bois artisanaux. Musique Rimski-Korsakov

C’est surtout pendant les premières années que les thèmes sont puisés dans le folklore. Mais d’autres ballets ultérieurs ont eux aussi valorisé la Russie traditionnelle.

Chout (1921), tiré d’une légende russe, musique de Prokofiev .Noces (1923), créé à partir de poèmes populaires authentiques. Musique de Stravinski

1921, il monte la belle au bois dormant avec la ballerine Olga Spessivtseva.

 Les danseurs russes, auxquels on doit le caractère unique des ballets, sont devenus de véritables mythes vivants pour les français. Leur renommée en Russie les avait fait connaître auprès d’une partie du public avant 1909, Tamara Karsavina, Anna Pavlova, Ida Rubinstein, Vaslav Nijinski et Adolphe Bolm,   ont  impressionnés  les spectateurs par leur virtuosité technique ; Nijinski a été admiré pour son élasticité et pour la hauteur de ses sauts. 

  

Anna Pavlova

 

Les décorateurs, Bakst, Benois, Korovine et Roerich, ont émerveillés le public par la diversité et la fantaisie colorée des décors et des costumes.

 Ci-dessous décor de l'oiseau de feu

Les peintres Nathalie Gontcharova, était  à l’exposition de l’art russe organisée par Diaghilev à Paris en 1906, elle fait les décors pour le ballet le coq d’or en 1914. Dès 1917 elle accompagne la troupe de Diaghilev qui effectue une tournée en France, Espagne, Italie et s’installe à Paris en 1918 avec son compagnon Michel Liaronov. Dans les   années 20 elle est un des principaux peintres  des ballets russes, elle fera aussi le décor du ballet Noces.

Michel Liaronov  artiste peintre passa de l’impressionnisme au fauvisme, il est l’un des premiers animateurs de l’avant-garde en Russie et  fera de nombreux décors pour les ballets russes.

Naum Gabo, Antoine Pevsner sont frères, peintres surréalistes, dès 1920 Naum a utilisé métal et plastiques pour atteindre la transparence et faire interférer les structures dans l'espace.

Les compositeurs ont eux aussi été l’objet d’éloges, surtout Stravinski.

Ainsi, l’image de la Russie à travers les Ballets a été celle d’un pays qui savait mettre ses traditions en valeur. La qualité des spectacles, leur atmosphère ont ému un public en quête d’évasion.

Cet exotisme a été perçu comme l’échappatoire à la réalité, aux angoisses de la vie quotidienne, dans un contexte international tendu. Les ballets russes ont présenté des régions géographiquement lointaines comme l’Extrême-Orient ou la Grèce antique. Ainsi les spectateurs européens ont étés confrontés à l’image de leur culture, vue par les russes. Quelques exemples Pulcinella pour l’Italie en 1920, Quadro flamenco pour l’Espagne en 1920 et les facheux pour la France en 1924.

Foyer de création artistique, les ballets russes ont suscités un grand intérêt dans les milieux littéraires, aristocratiques et artistiques de l’époque.

 Cocteau ami de Diaghilev depuis 1909 a joué un rôle dans la création de plusieurs ballets, le dieu bleu 1912, Parade 1917, le train bleu 1924, il en a écrit le livret. Il a aussi participé à l’élaboration des textes de certains programmes, il a rédigé " portraits et souvenirs des ballets russes ".

Guillaume Apollinaire a ainsi pris la défense des Ballets devant la controverse suscitée par "Parade". Dans son article "Parade ou l’esprit nouveau" 1917, publié dans le programme, il a montré les qualités du ballet, qui participait selon lui de l’élan vital donnant naissance à un art nouveau.

André Gide, a écrit pour "La Nouvelle Revue Française" un article intitulé "Les représentations russes au Châtelet", où il se montrait à la fois réservé et enthousiaste, et où il évoquait l’imaginaire des étendues désertiques évoquées par "Le Prince Igor" en 1909.
Marcel Proust, grand admirateur des Ballets Russes, a trouvé dans ces derniers une source d’inspiration. D’autres écrivains, Sacha Guitry, Paul Claudel ont aussi diffusés leurs écrits. Paul Valéry a écrit un poème "l’âme et la danse".

Des éloges faites par des personnalités mondaines parisiennes,  Misia Sert, la comtesse de Greffulhe, la princesse Edmonde de Polignac et Robert de Montesquiou, esthète et figure mondaine par excellence.

L’impact des ballets russes :

Ils ont inspirés les peintres fauvistes et la naissance du style art déco, Mêlant danse, musique, et peinture, inspirés des Mille et Une Nuits, ils sont une invitation au luxe et à l'exotisme.   D’où la mode des éventails, des plumes, des jets d’eau, des couleurs vives. Les couleurs insolites vont s’imposer dans le décor du mobilier : on verra des boudoirs aux murs orangés, des salons tendus de noir.

Écrivains, mondains et mécènes, par leur intérêt pour les ballets russes et les éloges qu’ils en ont fait autour d’eux, se sont constitués en vecteurs de l’imaginaire auprès du public. Le choc culturel constitué par ces ballets  n’a pas seulement investi les milieux littéraires, mais aussi imprégné l’art français de l’époque.

Les photographies et les arts plastiques ont permis aux lecteurs de fixer sur des visages l’imaginaire suscité par les textes. Les artistes ont fait la une de la presse de l’époque, une photographie de Vaslav Nijinski et d’Anna Pavlova dans Le Pavillon d’Armide. La revue contenait également des photographies de Nijinski, prises en Russie. Nijinski a été le danseur des Ballets le plus photographié, en particulier par Auguste Bert et Eugène Druet.

Les peintres, dessinateurs, sculpteurs, se sont servis des photographies comme supports pour leurs travaux, en y puisant des informations sur la plastique des danseurs. Professionnels et amateurs ont voulu fixer sur la toile l’évanescence de la danse. Trois peintres se sont particulièrement distingués dans cette traduction picturale de l’art des Ballets Russes, Valentine Gross, Jacques-Emile Blanche et Jules Flandrin. Les spectacles de Diaghilev ont également inspiré de nombreux dessinateurs, dont les croquis ont paru dans la presse, le sculpteur, Auguste Rodin, a réalisé une sculpture en bronze de Nijinski, intitulée " Danseur, dit Nijinsky " en 1912.

 la mode et les arts décoratifs aussi touchés par ce choc culturel. 

Léon Bakst, en particulier, a été l’inspirateur de nouvelles modes vestimentaires et décoratives. Il a développé et confirmé à Paris l’attrait pour les vêtements de style oriental, inspirant des maisons de couture Worth, Paquin, la population féminine aisée s’est tournée vers ces grands couturiers de l’époque.  Paul Poiret à réaliser des turbans lamés dans le style de L’Oiseau de Feu, des robes incrustées de pierres précieuses et des fourrures, inspirées des costumes de Shéhérazade et du Prince Igor. Les costumes les plus répandus ont été le  pantalon de harem création de 1910, les robes garnies de petits cerceaux, les jupes-sultanes, les tuniques et les capes frangées

Dans les années vingt, Coco Chanel, à son tour, fascinée par les ballets russes a transcrit dans la mode son goût pour les motifs slaves, elle s’est inspirée du folklore pour créer des vêtements avec ces motifs .
L’attrait pour une mode à motifs slaves s’est répercuté sur les styles de coiffure, les accessoires de mode et les bijoux...

Les arts décoratifs se sont nourris aussi de l’esthétique des ballets russes, dont l’influence a été perceptible dans la rue, vitrines des grands magasins, des restaurants, des spectacles ont également influé sur  l’aménagement des intérieurs parisiens. Les meubles de style oriental, les tapis aux couleurs chatoyantes, les coussins, les papiers peints ont été très prisés par la bourgeoisie, qui aspirait à mettre une touche d’exotisme dans sa vie quotidienne.

Diaghilev a provoqué avec ses spectacles un choc culturel  et artistique auprès du public français.  

Sa réussite a attirée de nombreux mécènes, dont l’aide matérielle était vitale.

Des concepts artistiques nouveaux  

Les innovations apportées par les musiciens, les décorateurs et les chorégraphes russes ont bouleversé la sensibilité artistique de l’époque.

Igor Stravinski notamment a révolutionné l’orchestration, en composant pour Le Sacre du Printemps une musique aux dissonances très dures et aux rythmes asymétriques, ainsi il a influencé les musiciens français, en particulier le « Groupe des Six.

La décoration théâtrale s’est vue modifiée, les décors des ballets ont apportés de nouvelles tendances, l’emploi de tons vifs, cela a servi de modèle aux décorateurs de théâtres français.   Ainsi les décors ont joué un rôle important dans la conception globale du spectacle, et le ballet a désormais été conçu comme un tableau animé. Beaucoup d’artistes, de décorateurs et de metteurs en scène se sont inspirés de l’esthétique des décorateurs russes et de leurs méthodes. Apport d’ une nouvelle sensibilité théâtrale.

Au début du siècle, l’art chorégraphique était sous l’emprise des conventions et du formalisme. Les ballets russes ont fait reconnaître l’autonomie créatrice du chorégraphe, l’expressivité du danseur, et le rôle actif joué par le corps de ballet. Les danseurs masculins ont désormais été admirés, ce qui est nouveau.Grâce à Nijinski, les sentiments ont été exprimés par des gestes et des pas naturels, qui ont permis de rehausser la beauté sculpturale du corps. Les chorégraphes furent influencés.

Les années d’après-guerre ont été particulièrement propices à l’expression de tous les talents créatifs. Du vivant des ballets russes, d’autres troupes de danseurs ont tenté d’atteindre leur aura. Après 1929, certains artistes se sont déclarés héritiers de la compagnie et ont créé leurs propres troupes.  Anna Pavlova (1911-1929). Ida Rubinstein, a présenté sa troupe 1914 à 1935 sur les scènes du monde entier, elle a travaillé avec Gide et Valéry.  D’autres troupes se sont construites sur ce modèle, mais aucune compagnie n’a eue leur succès. Même les Ballets Suédois de Rolf de Mare (1920-1924) avaient une certaine filiation, dans leur forme, avec la troupe russe.  

Après 1929, Serge Lifar et Boris Kochno ont tenté de faire survivre la Compagnie des ballets russes, mais sans succès, les intérêts personnels ayant pris le dessus.

Plusieurs compagnies ont été créées dans les années trente sur le modèle structurel des ballets russes, mais aucune n’a su aussi longtemps qu’eux capter l’attention du public. Celle de Bronislava Nijinska a cherché avant tout à mettre en valeur l’art du mouvement. La compagnie la plus proche des Ballets de Diaghilev a été créée en 1932 par René Blum et Wassili de Basil, qui l’ont intitulée " compagnie des Ballets russes de Monte-Carlo " (1932-1936). En 1936, elle a connu une scission, et Blum a alors fondé la seconde "Compagnie des Ballets Russes de Monte-Carlo". Les ballets russes du Colonel de Basil, fondés en 1934, ont été connus par la suite sous le nom "d’Original Ballet Russe ". En 1947, quelques-uns uns de ces ballets ont été présentés à Paris

Quant au répertoire, il a partiellement survécu, malgré le remaniement de certains spectacles. Les Sylphides, Pétrouchka, Le Spectre de la Rose et L’Après-midi d’un Faune ont été repris par diverses troupes. C’est principalement la version originale de ce ballet de Nijinski qui a été reprise pendant plus de cinquante ans. En outre, Balanchine avait conservé à son répertoire Apollon Musagète et Le Fils Prodigue. Noces, Les Biches, Le Train Bleu ont été représentés ces dernières années.

Après avoir participé à l’explosion moderniste et révélatrice de la Belle Epoque, considérablement enrichi l’histoire artistique des Années Folles, les ballets russes sont une synthèse des arts au service de la danse, ils ont fusionné les décors avec la mise en scène, générant un spectacle total .

Diaghilev a maintenu une tradition russe tout en mettant en scène des modes avant-gardistes. Ses ballets ont constitué une nouvelle référence sur le plan artistique, dans la manière d’exprimer des idées, des sentiments et de considérer l’œuvre d’art.

Le choc artistique et culturel produits par les spectacles ont été à l’origine de la prise de conscience française d’une identité culturelle russe.

Quelques réactions  

Certains ballets ont donné lieu à des polémiques, dont la presse s’est fait l’écho. La première représentation de L’Après-Midi d’un Faune le 29 mai 1912, a suscité des réactions très violentes.  

Le Sacre du Printemps, en 1913, a provoqué un scandale encore plus important, une partie du public ayant conspué la musique d’avant-garde de Stravinski. Les hurlements, les injures et les sifflements dans la salle ont été si intenses que les danseurs eux-mêmes n’entendaient plus la musique.

Dans Parade en 1917, le décor de Picasso composé de personnages insolites et la référence au cubisme ont également déconcerté le public.  

Le ballet Romeo et Juliette, en 1926, a révolté les surréalistes, qui ont taxé l’entreprise de Diaghilev de " capitaliste " . Les Ballets de Diaghilev ont présenté un style jugé trop novateur par certains. De fait, leur esthétique nouvelle a consacré une forme d’art inédite.

Les ballets russes peuvent en effet être qualifiés de révolutionnaires, en ce qu’ils ont durablement influé sur la musique et les arts du spectacle français de l’époque.

Le danseur Serge Lifar a résumé en quelques mots la portée des créations de celui-ci :

"Serge de Diaghilev, ce noble et ardent Chevalier de la plus grande croisade des Arts du XXe siècle, qui, par son génie, devait réaliser cette union féconde entre toutes les valeurs spirituelles et artistiques, entre l’Orient et l’Occident, et ainsi accomplir la renaissance de l’art dans le monde. La Capitale de l’Art a immortalisé ce grand Magicien". 

Diaghilev a rendu au ballet sa valeur d’art universel. Son œuvre a permis d’augmenter l’intérêt pour la danse et pour les études dans le domaine artistique.

Le ballet n’a pas survécu au décès de son créateur en 1929.

Plusieurs membres des ballets russes sont devenus des références de l’art chorégraphique. George Balanchine aux USA, Serge Lifar en France, Ninette de Valois et Marie Rambert en Angleterre.

Extraits de "Diaghilev et les ballets russes"

Une exposition sur les Ballets Russes à l'opéra Garnier à Paris depuis le 24 novembre.

Un programme de ballets russes est présenté du 12 au 31 décembre 2009 à l'opéra Garnier. 

 Madeleine Vionnet nait en 1876 à Chilleurs aux bois dans le Loiret et meurt à Paris en 1975. Ses parents se séparent alors qu’elle est encore enfant, c’est son père qui en aura la garde, ils s’établiront  à Aubervilliers.

Elle se marie à 18 ans et à une petite fille qu’elle perd très tôt, son mari la quitte.

Elle a 20 ans, elle décide de partir pour l’Angleterre, elle veut apprendre l’anglais, elle trouve un emploi de lingère dans une maison de santé. Elle est engagée chez Jules Paquin, qui vient d‘ouvrir une succursale à Londres, ou elle dirige une équipe de 12 personnes, par son travail elle vient faire des achats de modèles français. Elle rencontre les sœurs Callot, l’une des plus grandes maisons de couture parisienne.

En 1900, fascinée par la danseuse américaine Isadora Duncan et ses formes libres, elle explore l’art du drapé, elle est engagée comme première chez les sœurs Callot (maison de couture 1898-1937).

Elle dira : Grâce aux sœurs Callot, j'ai pu faire des Rolls-Royce. Sans elles j'aurai fait des Ford ".

 Puis c'est au tour de Jacques Doucet , autre grande maison de couture (1853 à 1929), de lui faire appel. C'est chez lui que dans toutes les créations qu'elle fera, elle supprimera définitivement l'usage du corset. Plus qu'une mode : une révolution. Car, c'est bien elle et non Paul Poiret qui a mené cette révolution-là.

En 1912, ses créations remportent un immense succès chez Jacques Doucet, elle décide La même année d’ouvrir sa première maison de couture au 222, rue de Rivoli, elle débute avec une seule couturière qui est l’épouse d’un ami de son père. Elle connaît très rapidement le succès, ses clientes la suivent, admiratrices de son savoir-faire. Mais deux ans plus tard avec la première guerre mondiale elle est contrainte de fermer sa maison. Elle part en Italie et ne  cesse  de travailler, ses modèles des années 1917- 1920 sont parmi les plus audacieux. La guerre terminée, elle revient et impose une modernité étonnante dans le monde de la haute couture. Les femmes d’après-guerre sont devenues modernes et actives, il faut quelles se sentent libre dans leurs vêtements.

 Elle maitrise le biais, elle invente la coupe en biais et du drapé que personne, depuis, n'a su maîtriser avec autant de perfection. Technicienne hors pair, elle a su mettre son génie au profit du corps des femmes et de leur bien-être. 

De 1920 à 1930, elle donnera libre cours à sa passion des fleurs à travers des jupes corolles et surtout des amas de roses en bandeaux, en colliers, en guirlandes, toujours somptueusement parsemées sur des capes ou des cols.  

Dans les années 20 la presse est élogieuse à son égard, ses modèles sont portés par la  Duchesse Sforza, sur Madame de Vilmorin, sur Liane de Pougy.

1923, elle s’installe au 50 avenue Montaigne, Elle transforme un simple hôtel particulier  en un temple de la mode et du luxe. L’accueil des clientes se fait dans de grands salons très élégants, harmonie des couleurs, élégance des formes,  décors uniques, fresques inspirées de l’antiquité grecque, tout pour plaire aux clientes et les faire rêver.

Son entreprise est importante elle à huit cent cinquante ouvrières installées dans un immeuble proche de son hôtel particulier. Elle présente 300 modèles par collection. Un atelier prévu pour la coupe, un pour le flou, un pour les tailleurs, un pour la fourrure, un pour la lingerie. Très moderne, elle a installée quelque chose de nouveau le repassage électrique. Les employées travaillent dans de bonnes conditions et bénéficient de vacances, ce qui n’est pas le cas dans d’autres maisons de couture.

Pour les fourrures et les broderies, elle avait besoin de fournisseurs, pour la fourrure ce sera Louis Bourdeu et Lesage pour les broderies.

Les femmes vivent dans le luxe à cette époque les restrictions n’existent pas, elles possèdent plusieurs fourrures.

Elle collabore à la décoration des Galeries Lafayette elle veut en faire un temple de la mode.

1924, elle est vraiment reconnue, c’est sa période glorieuse, elle ouvre une boutique à New York, puis une  autre en 1925 à Biarritz. Ses clientes Mesdames Citroën, Revel, Martinez de Hoz .

Le 2 février 1929, elle est décorée  chevalier de la légion d’honneur, en qualité de couturière.

 1934, période romantique, changement de  style, les robes sont de plus en plus larges et de plus en plus légères.

C’est une époque ou le luxe et le raffinement n’ont pas de limites, Paris vit au rythme des fêtes, bals, courses de chevaux, soirées mondaines. Les robes du soir apparaissent en taffetas, en lamé, des tulles brodés d’or, des fourreaux. Ce sont les années d’or de Madeleine Vionnet. Elle devra aussi ses derniers succès a sa première depuis 1914 et amie, Marcelle Chaumont-Chapsal.

Mais dès 1939 tout cela se termine, la maison de couture ferme, nous sommes à la veille de la seconde guerre mondiale.

1939, elle est  promue officier de la légion d’honneur.

Après 1939, Madeleine Vionnet, aura une correspondance importante avec Liane de Pougy sa première, et transmettra son art, dans une école.

A la fin de sa vie elle écrira :

" L'important c'est d'arriver à vivre et à travailler tel qu'on est, en pleine vérité, en somme à s'imposer, mais il faut qu'il y ait en soi de quoi le faire. Que de gens s'ignorent toute leur vie et courent après eux mêmes... Il faut toujours se dépasser pour s'atteindre... Toujours lutter au fond, c'est passionnant... c'est la force de résistance qui soutient le mieux. Elle seule dépend de vous."

 Ses créations

  Plus que des robes, ses créations deviennent de véritables architectures à draper selon un rituel de gestes précis. Elle avait l'habitude de travailler sur un petit mannequin de bois peint sur lequel elle créait toutes ses toiles en modèles réduits. Elle gardera cette célèbre petite figurine dans sa chambre jusqu'à la fin de ses jours et s'en servira pour expliquer aux visiteurs curieux, les différentes étapes de son travail.

Séduite par la Grèce antique, peuple attaché à la beauté du corps, libre de se mouvoir, sans les entraves  du vêtement. Elle s’inspire des fresques et vases antiques, certains de ses modèles rappellent les statues grecques.  Elle puise à la même source antique, grecque ou égyptienne, pour la création de sa robe aux petits chevaux, frise apportée sur la robe par Lesage.

Elle a un autre désir, le vêtement sans couture, donner l’impression que le vêtement est d’une seule pièce. Les drapés conçus dans le même état d’esprit pour laisser une grande liberté ainsi que son utilisation du biais.
Elle aime travailler les tissus fluides , elle  est la première à utiliser le crêpe de Chine, elle apprécie le crêpe de soie, la mousseline, l’organza, ces tissus souples lui obéissent, ils épousent le corps.

Madeleine Chapsal a écrit un livre «  la chaire de la robe », Madeleine Vionnet était sa marraine.

Extraits du livre « Madeleine Vionnet créatrice de mode ». De Sophie Dalloz-Ramaux.

Dès  l’entrée de l’exposition, le visiteur est plongé dans la pénombre, la mise en lumière s’effectue sur les robes présentées dans les vitrines.

Le premier étage retrace la première période de la couturière de 1910 à 1930. Son petit mannequin de bois est exposé, ainsi qu'une robe de style grec brodée par la maison Lesage. Un petit film muet en noir et blanc, ou nous voyons Madeleine entrain d’imposer sa signature, mettant aussi son empreinte sur l’étiquette, afin d’éviter les copies. 

En poursuivant la visite au second étage, exposition des modèles de 1930 à 1939, les robes du soir en tissus précieux, manteaux.

Quelques vidéos çà et là, présentation de l'hôtel particulier avenue Montaigne, un défilé avec les modèles exposés .

La voix de Madeleine dans une interview "Je préfère travailler, la mousseline, le crêpe"

Présentation de quelques dessins, certains  paraissaient dans la revue de mode " bon ton" magazine qui a existé de 1912 à 1925.

Une minutie et un raffinement à l’extrême, pour ces robes aux tissus précieux, une dominance des tons pastel pour les mousselines et de noir pour les crêpes et taffetas. Magnifique exposition, qui nous transporte dans l'univers de Madeleine Vionnet.
C'est avec nostalgie que j'admire certains modèles, ils me rappellent les robes que je voyais sur les photos de famille, montrées par ma grand-mère lorsque j'étais enfant.

Depuis les années 80, de grandes expositions sont organisées en France, mais aussi à Tokyo, New York, Kyoto, Den Haag, Londres, en Italie, Anvers, Sao Paulo en 2005, les grands couturiers s’exposent, Madeleine Vionnet mise à l’honneur.

Tous les plus grands de la haute couture lui rendent hommages.

Exposition au musée des Arts décoratifs Paris jusqu’àu 24 janvier 2010